L’aigrissement des années 60 a bien commencé avec ce film radioactivement scandaleux, maintenant rediffusé dans le cadre de la saison Stanley Kubrick au BFI Southbank de Londres; il s’agissait de l’adaptation sensationnellement scabreuse, déclamatoire, épiquement indulgente et folle de Kubrick de la nouvelle d’Anthony Burgess de 1962 sur des gangs de jeunes ultra-violents dans un futur dystopique britannique parlant le russe morue mélangé à une version étrange de l’argot rimant Cockney. (Burgess a effrontément trollé le public en affirmant que son titre était tiré d’une certaine phrase de Cockney – « queer comme une orange mécanique” – apparemment connue de lui seul.)
À la place de la paix, de l’amour et de la prospérité, A Clockwork Orange a offert un nouvel air du temps – décennie de violence, de colère, de misogynie, de dégradation de l’espace public dans des banlieues mornes et des conceptions modernistes de la vie qui avaient été vandalisées. La conception de la production de John Barry nous a montré « porno de ruine » avant que l’expression n’ait été inventée.
Toute la provocation et la politique sexuelle blasée du film sont parfumées de cynisme et de désillusion histrioniques. Il a été auto-interdit par Kubrick: retiré par Warner Bros de la distribution britannique sur l’insistance du réalisateur, un exemple extraordinaire de pouvoir du réalisateur sur un studio. Kubrick avait été gravement ébranlé par les rapports de presse sur des crimes réels soi-disant inspirés du film. L’interdiction est restée théoriquement en vigueur jusqu’à la mort de Kubrick en 1999, bien que dans les années 90, il était assez facile de mettre la main sur des DVD importés des États-Unis, c’est ainsi que je l’ai vu pour la première fois.
Il est étrange de revoir une Orange mécanique, dans mon cas pour la première fois depuis 20 ans. C’est toujours brillant, toujours audacieux, toujours méchant, mais définitivement daté, et plus long que je ne m’en souvenais. L’utilisation par Kubrick de partitions pop-classiques peut sembler invariable et stridente, et moins intéressante que dans 2001: A Space Odyssey. Mais sa signature est là tout au long, notamment dans les plans établis d’intérieurs caverneux, dont les lignes vertigineuses disparaissent au loin. Ce qu’il y a aussi, c’est la faiblesse certaine de Kubrick pour la nudité softcore, un goût certain pour montrer des jeunes femmes dénudées de manière décorative, ce qui rend sa représentation des viols inconfortable, bien que l’infraction soit intentionnellement artificielle. La coupe désagréable des trous en forme de poitrine dans le haut de la femme dans la première scène de viol est bizarrement dupliquée dans la seconde: la femme a un tableau sur son mur d’une femme avec une tenue similaire en ciseaux.
La prémisse fondamentale est toujours puissante: un jeune « droog” appelé Alex, brillamment joué par Malcolm McDowell, dirige une bande de délinquants dans des actes de violence grotesque – qui est tournée contre lui lorsqu’il est capturé et forcé de subir une torture clinique. L’assaillant fanfaron est amené à regarder des films bouleversants comme thérapie d’aversion avec ses paupières grandes ouvertes et lubrifiées avec une pipette – une scène vraiment horrible, quelque chose pour correspondre à la fente oculaire dans Un Chien Andalou. Mais l’utilisation de Beethoven sur la bande originale amène Alex à détester non seulement le viol et la violence, mais aussi la musique de Beethoven, qui avait été l’amour de sa vie et son seul long métrage rédempteur.
Ce retournement de situation, ce défi à nos sensibilités libérales, est ce qui rend une Orange mécanique puissante: un élargissement soudain de la perspective sur la violence. Devrions-nous ressentir de la sympathie pour Alex ou du mépris pour son agonie richement méritée? Si nous sommes invités à ne rien ressentir du tout, alors notre blankness même, notre neutralité, est notre épreuve. J’ai regardé de nombreux films violents de réalisateurs qui ont clairement été influencés par Une Orange mécanique, mais c’est comme s’ils n’avaient vu que la première moitié. Ils ont des scènes violentes, des gens violents, des actes violents and et ça ne mène nulle part. Le choc se répercute jusqu’au choc suivant. Kubrick a créé l’ironie et la satire à partir de son ultra-violence, et a insolemment fait de l’inconfort du public à regarder ces scènes précédentes une partie de l’histoire.
C’est aussi un film très anglais: le New-yorkais d’origine Kubrick maîtrisait parfaitement un idiome anglais, bien que cela soit peut-être en partie dû aux excellentes performances de Warren Clarke et Michael Bates, des acteurs qui devaient être familiers à la télévision britannique. Imparfaite ou non, c’est une expérience de pensée convaincante.
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