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„Spieglein, Spieglein, an der Wand, wer ist der Schönste … weißt du was, egal. Mir geht’s gut.“ Michael (Jim Parsons) und Donald (Matt Bomer) in den Jungs in der Band.Inspiriert, zumindest teilweise, von Stanley Kauffmans Herausforderung an schwule Dramatiker, alle Andeutungen und Kodierungen und verschleierten Metaphern fallen zu lassen, um ehrlich und offen das Leben von Homosexuellen in ihrer Arbeit darzustellen, debütierte Mart Crowleys The Boys in the Band 1968 off-Broadway.

Die Struktur war einfach und für keinen normalen Theaterbesucher ungewohnt: Im Laufe eines Abends versammeln sich Charaktere, betrinken sich und schalten sich gegenseitig ein. Dinge werden gesagt, die nicht ungesagt werden können. Geheimnisse werden enthüllt. Vorhang, Haus leuchtet.

Der Unterschied war natürlich, dass 1.It war eine Gruppe schwuler Männer, die all das Sammeln und Trinken und Auspeitschen machten, und 2. Das Leben schwuler Männer im Jahr 1968 war das, was sie waren, und die meisten Peitschenhiebe auf der Bühne erwiesen sich als Selbstgeißelung. Diese Charaktere waren ätzend lustig, ja, aber sie waren auch voller Schuld und Scham und Selbsthass.

Das Stück war ein Hit und wurde 1970 von William Friedkin zu einem Bühnenfilm gemacht. Der Film war kein Hit.

Dafür gab es viele Gründe, aber einer davon muss sicherlich das gewesen sein, was in dem Jahr zwischen dem Debüt des Stücks und der Premiere des Films geschah: die Stonewall-Unruhen von 1969.

Die Stimmung hat sich geändert. Für viele Theaterbesucher im Jahr 1968 muss es ein Weg gewesen sein, von Scarsdale oder Ronkonkoma in die Stadt zu schleichen, um „the homosexual Play“ aufzunehmen, um einen Zeh in die böhmische Gegenkultur zu tauchen, über die das Life Magazine immer vorging. Nach dem Stonewall-Aufstand, jedoch, Die queere Gemeinschaft war voller aufrichtiger Wut und Trotz. Plötzlich schien Crowleys Gruppe von nach innen gerichteten, neurotischen, selbsthassenden, aber äußerst bequemen (meist) weißen Männern keine kühne Aussage mehr zu sein. Sie fühlten sich an wie breite Karikaturen aus der dunkelsten, selbstbewusstesten Ecke des Schranks.Aber Crowleys Entscheidung, 1968 ein Stück über das Leben schwuler Männer zu drehen, war wichtig und bleibt es auch in Bezug auf die mediale Repräsentation marginalisierter Gruppen. Darstellungen von Queers in der Unterhaltung sind im Allgemeinen dem gleichen Langsamen gefolgt, stetige Reihe von Schritten, im Laufe der Zeit, dass Darstellungen von Frauen und Farbigen haben:Zuerst sind wir der Bösewicht — der Feind, den der (weiße, heterosexuelle, männliche) Held besiegen muss, um den Status quo wiederherzustellen.Als nächstes sind wir das Opfer – die arme bemitleidenswerte Seele, die der (weiße, heterosexuelle, männliche) Held selbstlos verteidigen (oder allzu oft rächen) muss, um seine Tugend zu etablieren.

Dann sind wir der Verbündete — der Kumpel, der freche Freund, der eine bissige Linie abfeuert, um den Helden zu ermutigen, seinem Traum nachzujagen.

Endlich, wenn wir Glück haben, können wir nach Jahren des Kampfes unser eigener Held sein und unsere eigenen Geschichten erzählen.

Die Jungs in der Band sprangen über die Linie. Crowley stellte seine schwulen Männer in den Mittelpunkt der Bühne, in den Mittelpunkt ihrer eigenen Geschichten, und tat dies mit einer Ehrlichkeit, die nicht an Abwehr, Entschuldigung oder Selbstrechtfertigung interessiert war. Das liegt daran, dass die Linse, durch die das Publikum die Handlung des Stücks sah, nicht zur heterosexuellen Welt gehörte und keine Zugeständnisse machte. Das Stück erkannte kaum einmal die heterosexuelle Welt an, zumindest nicht in einer Weise, in der Charaktere gegen unterdrückende Homophobie wetterten. Aber dann, Es musste nicht, Crowleys Punkt ist, dass seine Charaktere die kulturelle Abneigung gegen Homosexualität so verinnerlicht haben, dass sie zu ihren eigenen Bösewichten geworden sind, Opfer und, nur widerwillig, Verbündete.

Im Laufe der Jahre hatten sowohl das Stück als auch der Film ihre stimmlichen Verteidiger, aber viele in der queeren Gemeinschaft schätzten sie lange Zeit wenig. Queeres Theater und queeres Kino, die in den Jahren nach Stonewall trotzig wurden, nahm ein neues Gefühl der Dringlichkeit und Wut an, als AIDS die Gemeinschaft verwüstete. Angesichts der Epidemie schienen Crowleys bequeme Kaschmirköniginnen mit ihren müden Widerhaken wild unwesentlich, sogar campy, und Glib-Linien wie „Zeig mir einen glücklichen Homosexuellen und ich zeige dir eine schwule Leiche“ nahmen eine neue Patina an Geschmacklosigkeit.Die Filmversion von The Boys in the Band, die heute auf Netflix debütiert, ist eine Adaption des kurzen, vielgelobten All-Star, All-queer 2018 Broadway Run, der sein 50-jähriges Jubiläum feierte. Ich sage Anpassung; es ist eher ein Cut-and-Paste, da die gesamte Broadway-Besetzung intakt bleibt und ihre jeweiligen Rollen zusammen mit Regisseur Joe Mantello wiederholt. Es wurde versucht, das Stück an seinen Rändern zu konkretisieren – der Film beginnt mit einer Montage der verschiedenen Charaktere, die ihren Tag verbringen, bevor sie zur Geburtstagsfeier gehen. Aber The Boys in the Band bleibt ein Stand-and-Deliver-Unterfangen, bei dem Charaktere genauso dazu neigen, Monologe zu führen wie ein Gespräch zu führen.

Die Inszenierung wird durch die Schauspieler des Films etwas verbessert — die, mehr als die Besetzung des Films von 1970, ihre Auftritte für die Intimität der Kamera und nicht für die Rückseite des Hauses kalibrieren. Es gibt eine ungezwungene Qualität zu, sagen wir, Tuc Watkins ‚Darstellung eines zugeknöpft-up, „straight-acting“ Mann in den Prozess der Scheidung von seiner Frau zugunsten von Larry (Andrew Rannells) ein louche freier Geist, der an einem Punkt liefert eine Monographie gegen Monogamie.

Aber diese leicht eingeschränkte Qualität ist nicht jedermanns Sache: Der beunruhigend symmetrische Matt Bomers Donald – der auf dem Papier ein angstbesetztes, neurotisches Durcheinander ist – kommt als ruhige, milde, gutaussehende Chiffre daher, und seine frühen Ausdrücke der Nervosität klingen falsch, als würde er performativ Selbstironie äußern, um sich bei anderen beliebt zu machen. (Ein Hottie für das Zeitalter von Twitter gemacht!)

Das Beste an dem Stück und dem Film ist strukturell sein zentraler Köder und Schalter: Die fragliche Geburtstagsfeier wird für Harold (Zachary Quinto) veranstaltet, der erst in der Pause auftaucht und den anderen Charakteren erlaubt, darüber zu sprechen, wie böse und rachsüchtig er ist, bevor er ankommt. Aber natürlich ist es der Geburtstagsfeier-Werfer Michael (Jim Parsons), unser vordergründig sympathischer Hauptcharakter, der sich als der wahre Bombenwerfer entpuppt, als er in betrunkene, vituperative Feindseligkeit absteigt. Quinto hängt an der Peripherie des Stücks, aber legt einen Eartha Kitt Spin auf seine Lieferung, so dass seine jede Zeile des Dialogs einen anmutigen, filigranen Bogen durch die Luft von Michaels überladenen West Village Wohnung beschreiben. Parsons gräbt die Verzweiflung im Kern von Michaels ironischer Persönlichkeit aus, und er macht es großartig (sie geben keine Oscars für betrunkenes Gehen, aber wenn sie es tun würden, würde er mit einem davongehen und für jeden winzigen Stolpern überkorrigieren auf dem Weg.)

Das sind die großen Schauspieler, aber es sind die Darsteller, die weniger Zeilen bekommen – Robin de Jesús und Michael Benjamin Washington —, die die größten Eindrücke hinterlassen, spät im Stück, wenn sich Alkohol mit einem wild unüberlegten Partyspiel verbindet, das ihre Charaktere emotional verletzt.

Der schwerste Lift, Performance-weise, wird von Brian Hutchison, als Michaels Besuch, angeblich heterosexuell alten College-Mitbewohner geschultert. Der Charakter ist dünn gezeichnet – er ist nur da, um die Handlung voranzutreiben — und seine Handlungen sind nicht eindeutig motiviert (ganz zu schweigen von seinem Angriff auf de Jesús ‚Charakter, warum in Judys Namen geht der Typ nicht einfach?), aber Hutchison versucht spielerisch, die unterschiedlichen Punkte des Skripts zu verbinden.

Auffällig ist, wie dieses Stück 2020 wahrscheinlich bei Zuschauern landen wird, die es noch nicht kennen. Weil es ihnen wahrscheinlich scheint…seltsam vertraut.Die Rhythmen von Crowleys Dialog, die Archness dieser zickigen Einzeiler, sogar das zentrale narrative Rückgrat des Stücks „Die schlimmsten Homophoben sind heimlich schwul“ — in den Jahren seit dem Debüt des Stücks wurden sie von Hunderten, sogar Tausenden anderer Stücke, Filme und Fernsehshows aufgenommen. Zu sagen, dass es sich anfühlt, die Jungs und die Band heute zu sehen, als würde man eine verlorene, erweiterte, ganz besondere Episode von Will and Grace aufdecken — komplett mit Promi-Stunt-Casting! – soll Crowleys Stück nicht verunglimpfen, sondern ansprechen, wie viel von seiner DNA in so viele unterschiedliche Aspekte der Kultur Eingang gefunden hat.

Ja, seine Charaktere sind Typen, die dazu neigen, die Konturen ihrer Persönlichkeit sofort nach ihrem Eintritt bekannt zu geben. Und ja, sie gehen mit einer Art spielerischer Rachsucht aufeinander los. Und nichts davon wird für jeden, der auch nur ein paar Minuten von RuPauls Drag Race: Untucked erwischt hat, besonders bahnbrechend oder neu erscheinen.Mit zunehmender queerer Repräsentation wächst die Ungeduld mit Darstellungen des queeren Lebens, die zu idealisiert, zu geschrubbt, zu selbstbewusst gestylt sind, um uns als Vorbilder oder Vorbilder darzustellen, weil dies bedeutet, uns zu reduzieren, unsere Komplexität und unsere Menschlichkeit zu beseitigen. Es geht auch darum, die Wahrnehmung eines imaginierten direkten Publikums über unser authentisches Leben zu stellen. Crowley hat die selbstzerstörerischen Königinnen der Jungs in der Band nicht geschaffen, um unser bestes Selbst zu reflektieren, sondern um etwas Wesentliches über unser wahres Selbst einzufangen und zu zeigen, zu einer Zeit, als die meisten schwulen Männer wir verstecken ihre immer noch weg. Was er fand, war und ist nicht hübsch (Bomer auffällig ausgenommen). Aber heute, nach Generationen von queeren Mediendarstellungen, die vom schrillen und grafischen Trotz des Neuen Queeren Kinos bis zu den schitckigen, dünn codierten Setups und Pointen der Golden Girls reichten, ist der Eindruck, den der heute 52-Jährige hinterlässt The Boys and the Band hinterlässt mit dir nicht mehr der von Hoffnungslosigkeit und Selbsthass. Es ist schon zu lange her. Was auch immer die einzigartige Kraft war, die sie einst besaß, um zu ihrem kulturellen Moment zu sprechen, ist mit diesem Moment verblasst, und die ätzende Natur ihrer Charaktere wurde durch die Zeit und durch ihre vielen Nachahmer gemildert.

Der Netflix-Film begnügt sich damit, Crowleys Stück ein perfekt erhaltenes Artefakt aus einer schlechten Zeit bleiben zu lassen, ohne sich darum zu bemühen, zeitgenössische Parallelen oder Meta-Bedeutungen aufzuzwingen. Und das ist der richtige Impuls. Weil es so rücksichtslos auf die am wenigsten schmeichelhaften Aspekte des Innenlebens schwuler Männer abzielt, muss es nicht aktuell sein. Aber es wird immer relevant sein.