“Mirror, mirror, on the wall, who’ s the fairest … Weet je wat, laat maar. Ik ben goed. Michael (Jim Parsons) en Donald (Matt Bomer) in The Boys in The Band. Scott Everett White / NETFLIX hide caption

“Mirror, mirror, on the wall, who’ s the fairest … Weet je wat, laat maar. Ik ben goed. Michael (Jim Parsons) en Donald (Matt Bomer) in The Boys in The Band.Scott Everett White/NETFLIX Scott Everett White/NETFLIX Scott Everett White/NETFLIX Scott Everett White/NETFLIX The Boys in the Band debuteerde off-Broadway in 1968, op zijn minst gedeeltelijk, door criticus Stanley Kauffman ‘ s uitdaging aan homoseksuele toneelschrijvers om alle hints en codering en gesluierde metaforen weg te gooien om eerlijk en openlijk het leven van homoseksuelen in hun werk te verbeelden.

de structuur was eenvoudig en niet, voor elke reguliere theaterganger, onbekend: in de loop van een avond verzamelen personages zich, worden dronken en keren zich tegen elkaar. Er worden dingen gezegd die niet onbesproken kunnen worden. Geheimen worden onthuld. Gordijn, huis lichten aan.

het verschil was natuurlijk dat 1.It was een groep homoseksuele mannen doen al dat verzamelen en drinken en uit te halen, en 2. Het leven van homoseksuele mannen in 1968 zijn wat ze waren, de meeste van de zweepslagen die plaatsvinden op het podium bleek zelfkastijding. Deze personages waren bijtend Grappig, Ja, maar ze waren ook vol met schuld en schaamte en zelfhaat.

het stuk was een hit, en werd gemaakt in een stagey film geregisseerd door William Friedkin in 1970. De film was geen hit. daar waren veel redenen voor, maar een daarvan moet zeker zijn wat er gebeurde in het jaar dat viel tussen het debuut van het toneelstuk en de première van de film: de Stonewall rellen uit 1969.

de stemming was veranderd. Om veel theatergangers in 1968, slepping in de stad van Scarsdale of Ronkonkoma te nemen in “het homoseksuele spel” moet hebben leek een manier om een teen te dippen in de bohemien tegencultuur dat Life magazine was altijd gaande over. Na de Stonewall opstand, echter, de queer gemeenschap was overspoeld met een gevoel van rechtvaardige woede en defiance. Plotseling, Crowley ‘ s gaggle van naar binnen draaiende, neurotische, zelfhaat toch buitengewoon comfortabel (meestal) blanke mannen niet langer leek een gewaagde verklaring. Ze voelden zich als brede karikaturen uit de donkerste, meest zelfbewuste hoek van de kast.maar Crowley ‘ s beslissing om een toneelstuk te centreren op het leven van homoseksuele mannen in 1968 was belangrijk, en blijft dat ook, in termen van media representatie van gemarginaliseerde groepen. Afbeeldingen van nichten in entertainment hebben over het algemeen dezelfde langzame, gestage reeks stappen gevolgd, na verloop van tijd, dat afbeeldingen van vrouwen en mensen van kleur hebben:

ten eerste zijn we de schurk — de vijand die de (witte, rechte, mannelijke) held moet overwinnen, om de status quo te herstellen.vervolgens zijn we het slachtoffer – de arme zielige ziel die de (blanke, rechte, mannelijke) held onbaatzuchtig moet verdedigen (of, maar al te vaak, wreken) om zijn deugd te vestigen.dan zijn we de bondgenoot – de sidekick, de brutale vriend die een pittige lijn afvuurt om de held aan te moedigen zijn droom na te jagen.

Eindelijk, als we geluk hebben, na jaren van strijd, kunnen we onze eigen held zijn en onze eigen verhalen vertellen.

De jongens in de Band sprongen over de lijn. Crowley plaatste zijn homoseksuele mannen in het midden van het podium, in het midden van hun eigen verhalen, en deed dat met een eerlijkheid die niet geïnteresseerd was in verdediging, verontschuldiging of zelfrechtvaardiging. Dat komt omdat, cruciaal, de lens waardoor het publiek de actie van het stuk zag, niet tot de rechte wereld behoorde en er geen concessies aan deed. Het stuk erkende nauwelijks de straight world, althans niet op een manier die personages tegen onderdrukkende homofobie had. Maar dat hoefde ook niet, want Crowley ‘ s punt is dat zijn personages de culturele afkeer van homoseksualiteit zo hebben geïnternaliseerd dat ze hun eigen schurken zijn geworden, slachtoffers en, alleen met tegenzin, bondgenoten.in de loop der jaren hebben zowel het toneelstuk als de film hun vocale verdedigers gehad, maar voor een lange tijd hielden velen in de queer gemeenschap hen in lage achting. Queer theater en queer cinema, die groeide opstandig in de jaren na Stonewall, kreeg een nieuw gevoel van urgentie en woede als AIDS verwoest de gemeenschap. In het gezicht van de epidemie, Crowley ‘ s Comfortabele, kasjmier koninginnen handel hun vermoeide weerhaken leek Wild onessentieel, zelfs campy, en gladde lijnen als “Show me a happy homosexual and I ‘ll show you a gay corpse” kreeg een nieuwe patina van smaakloosheid.

de filmversie van The Boys in The Band die vandaag debuteert op Netflix is een aanpassing van de korte, alom geprezen All-star, all-queer 2018 Broadway-run die haar 50ste verjaardag markeerde. Ik zeg aanpassing; het is meer een cut-and-paste, als de hele Broadway cast intact blijft, reprising hun respectieve rollen, samen met regisseur Joe Mantello. De film begint met een montage van de verschillende personages die hun dag doorbrengen voordat ze naar het verjaardagsfeestje gaan. Maar de jongens in de Band blijven een stand-and-deliver onderneming waarin personages net zo geschikt zijn om in monologen te lanceren als Om een gesprek te voeren. de acteurs van de film, die, meer dan de cast van de film uit 1970, hun prestaties kalibreren voor de intimiteit van de camera, in plaats van de achterkant van het huis. Er is een ongeforceerde kwaliteit om, laten we zeggen, Tuc Watkins ‘ vertolking van een geknoopte, “straight-acting” man in het proces van het scheiden van zijn vrouw in het voordeel van Larry (Andrew Rannells) een louche vrije geest die op een gegeven moment levert een monografie tegen monogamie.

maar die enigszins ingeperkte kwaliteit komt niet iedereen goed van pas: De onrustbarend symmetrische Donald van Matt Bomer – die op papier een door angst geteisterde neurotische puinhoop is-komt over als een kalme, saaie knappe cipher, en zijn vroege uitingen van nervositeit klinken vals, alsof hij zichzelf performatief uitsprak in een poging om zichzelf aan anderen te geliefd te maken. (Een hottie gemaakt voor de leeftijd van Twitter!)

het beste van het spel en de film, structureel, is de centrale lokaas-en-schakelaar: Het verjaardagsfeestje in kwestie wordt georganiseerd voor Harold (Zachary Quinto) die niet komt opdagen tot de act break, waardoor de andere personages om te praten over hoe gemeen en wraakzuchtig hij is voordat hij aankomt. Maar natuurlijk is het verjaardagsfeestje-werper Michael (Jim Parsons), onze ogenschijnlijk sympathieke centrale figuur, die de echte bom-werper blijkt te zijn, als hij afdaalt in dronken, vituperatieve vijandigheid. Quinto hangt aan de rand van het toneelstuk, maar zet een Eartha Kitt draai op zijn levering, waardoor zijn elke lijn van dialoog beschrijven een sierlijke, filigreed boog door de lucht van Michael ‘ s rommelige West Village appartement. Parsons graven de wanhoop in de kern van Michael ‘ s wrange persona, en hij doet dronken geweldig (ze geven geen Oscars voor dronken lopen, maar als ze dat deden, zou hij weg te lopen met een, te corrigeren voor elk klein struikelblok langs de weg.)

dat zijn de grote namen van acteurs, maar het zijn de artiesten die minder regels Krijgen-Robin de Jesús en Michael Benjamin Washington-die de grootste indrukken maken, laat in het stuk wanneer alcohol combineert met een wild ondoordacht partijspel dat hun personages emotioneel gekwetst maakt. de zwaarste lift, performance-wise, wordt gedragen door Brian Hutchison, als Michael ‘ s bezoek, vermoedelijk heteroseksuele oude college kamergenoot. Het karakter is dun getekend — hij is er alleen maar om de plot te drijven — en zijn acties zijn niet duidelijk gemotiveerd (laat staan zijn aanvallen van het karakter van de Jesús, waarom in Judy’ s naam gaat de man niet gewoon weg? maar Hutchison probeert gamely om de ongelijksoortige punten van het script te verbinden; hij slaagt meestal.

wat opvalt is hoe dit spel waarschijnlijk zal landen, in 2020, met kijkers die nog niet bekend zijn met het. Omdat het waarschijnlijk voor hen lijkt…vreemd bekend.

de ritmes van Crowley ‘ s Dialoog, de boogheid van deze bitchy one-liners, zelfs de centrale “the worst homofoben are secretly gay” verhalende ruggengraat van het stuk — in de jaren sinds het toneelstuk debuteerde, zijn ze opgenomen door honderden, zelfs duizenden andere toneelstukken, films en televisieprogramma ‘ s. Om te zeggen dat het kijken naar de jongens en de Band vandaag voelt als het blootleggen van een verloren, uitgebreide, zeer speciale aflevering van Will and Grace-compleet met celebrity stunt casting! – is niet om Crowley ‘ s spel te denigreren, maar om aan te geven hoeveel van zijn DNA zijn weg gevonden heeft in zoveel verschillende aspecten van cultuur.

Ja, zijn personages zijn types, die de neiging hebben om de contouren van hun persoonlijkheden onmiddellijk aan te kondigen bij het maken van hun entree. En ja, ze gaan op elkaar af met een soort speelse wraakzucht. En niets van het zal bijzonder baanbrekend of nieuw lijken voor iedereen die zelfs maar een paar minuten van RuPaul ‘ S Drag Race heeft gevangen: Untucked.met een grotere queer representatie komt een groeiend ongeduld met afbeeldingen van queer leven die te geïdealiseerd, te geschrobd, te zelfbewust gestileerd zijn om ons te presenteren als rolmodellen of paragonen, want dat is om ons te verminderen, om onze complexiteit en onze menselijkheid weg te halen. Het is ook om de percepties van een ingebeelde hetero publiek te waarderen over ons authentieke leven. Crowley creëerde niet de zelfscheurende koninginnen van de jongens in de Band om ons beste zelf te weerspiegelen, maar om iets essentieels over ons ware zelf vast te leggen en te tonen, in een tijd dat de meeste homo ‘ s die van hen nog steeds verborgen houden. Wat hij vond was niet, en is niet, mooi (Bomer opvallend uitgezonderd). Maar vandaag, na generaties van queer Media afbeeldingen die varieerden van de schelle en grafische uitdaging van de nieuwe Queer Cinema tot de schitcky, dun gecodeerde opstellingen-en-punchlines van de Golden Girls, is de indruk die de nu-52-jarige The Boys and the Band met je achterlaat niet langer die van hopeloosheid en zelfhaat. Het bestaat al te lang. Welke unieke kracht het ooit bezat om tot zijn culturele moment te spreken, is met dat moment vervaagd, en de bijtende aard van zijn karakters is verzacht door de tijd, en door zijn vele navolgers.

De Netflix-film laat Crowley ‘ s toneelstuk een perfect bewaard artefact uit een slechte tijd blijven, zonder moeite om er hedendaagse parallellen of metameanderingen bovenop op te leggen. En dat is de juiste impuls. Omdat het zo meedogenloos gericht is op de minst vleiende aspecten van het innerlijke leven van homo ‘ s, hoeft het niet actueel te zijn. Maar het zal altijd relevant zijn.