Ils l’appellent Hallyu, la vague coréenne: l’idée que la culture pop sud-coréenne a pris de l’importance pour devenir un moteur majeur de la culture mondiale, vu dans tout, des drames coréens sur Netflix aux régimes de soins de la peau coréens dominant l’industrie cosmétique aux délicieux tacos coréens sur votre menu local préféré. Et au cœur de Hallyu se trouve la popularité sans cesse croissante de la K-pop – courte, bien sûr, pour la musique pop coréenne.

La K-pop est devenue un phénomène véritablement mondial grâce à son mélange distinctif de mélodies addictives, de chorégraphies fluides et de valeurs de production, et un défilé sans fin d’artistes sud-coréens attrayants qui passent des années dans des systèmes de studio épuisants à apprendre à chanter et à danser dans une perfection synchronisée.

Hallyu construit depuis deux décennies, mais la K-pop en particulier est devenue de plus en plus visible auprès du public mondial au cours des cinq à 10 dernières années. Les artistes sud-coréens ont atteint le classement Billboard Hot 100 au moins huit fois depuis que les Wonder Girls l’ont craqué pour la première fois en 2009 avec leur tube crossover « Nobody” — publié en quatre langues différentes, dont l’anglais — et l’exportation de la K-pop a propulsé l’industrie musicale sud-coréenne à une impressionnante industrie de 5 milliards de dollars.

Maintenant que la Corée du Sud accueille les Jeux olympiques d’hiver de 2018 à Pyeongchang à un moment de tensions géopolitiques extrêmement exacerbées, la K-pop a pris une toute nouvelle signification sociopolitique, alors que la Corée du Sud affiche fièrement son exportation la plus connue au monde.

Ce que les cérémonies d’ouverture et de clôture des Jeux Olympiques d’hiver nous ont dit sur la K-pop (et vice versa)

Lors des cérémonies d’ouverture des Jeux Olympiques, le 9 février 2018, les athlètes ont défilé dans le Défilé des Nations en accompagnement d’un groupe sélectionné de tubes de K-pop, chacun jouant dans l’image que la Corée du Sud veut présenter en ce moment: celle d’un pays pleinement intégré à la culture mondiale.

Les chansons du Défilé des Nations ont toutes une présence internationale et numérique importante, et chacune annonce la fluidité interculturelle de la K-pop. « Likey » de Twice est un énorme succès récent pour le groupe, et a récemment atteint 100 millions de vues sur YouTube plus rapidement que toute autre chanson d’un groupe de filles de K-pop. (La vidéo met en évidence les filles lors d’une excursion amusante à Vancouver, commercialisant l’idée qu’elles sont chez elles partout dans le monde.) « Fantastic Baby” de Big Bang a été l’un des premiers succès de la K-pop à faire des incursions dans la culture américaine et a été présenté dans l’épisode K-pop de Glee avec « Gangnam Style”, qui a également joué pendant le Défilé des Nations.

Le succès omniprésent de Psy en 2012 est à la fois une comédie loufoque et une satire lucide, réalisé par un musicien faisant partie d’une vague de musiciens sud-coréens ayant étudié dans des écoles de musique américaines. « Gangnam Style » a passé cinq ans à accumuler plus de 3 milliards de vues sur YouTube, régnant comme la vidéo la plus vue de l’histoire de la plateforme avant d’être détrônée en 2017.

Dans leur ensemble, ces chansons et interprètes nous montrent que les stars de la K-pop peuvent exceller dans tout, du chant à la comédie en passant par le rap, la danse et le commentaire social. Et leurs mélodies amusantes et chantables montrent clairement que l’industrie musicale sud-coréenne a perfectionné la machine de production pop en une chaîne de montage effervescente d’airs ridiculement accrocheurs chantés par des personnes ridiculement talentueuses dans des vidéos ridiculement éclaboussantes. Quand Red Velvet chante « Bet you wanna (bet you wanna) dance like this » dans leur single « Red Flavor », ils envoient un message au monde entier que la Corée du Sud est moderne mais saine, colorée, accueillante et amusante.

Et lors des cérémonies de clôture des Jeux Olympiques, nous avons vu des performances live de deux autres icônes de la K-pop: l’artiste solo CL, anciennement membre du groupe de filles puissant 2NE1, et du groupe multinational Exo. L’apparition de CL était un témoignage de son succès dans la réalisation de l’un des saints graals de la K-Pop — un croisement dans la renommée américaine, ou du moins sur le Billboard Hot 100. CL a atterri deux fois sur la liste depuis 2015.

Exo, quant à lui, est sans doute l’un des deux ou trois plus grands succès de la K-Pop en ce moment. Le groupe était parfait pour les Jeux Olympiques — ils sont multilingues et ont été formés avec l’intention de se produire en mandarin et en japonais ainsi qu’en Corée du Sud. Et pendant plusieurs années, Exo a été divisé en deux sous-groupes, l’un se produisant principalement en Corée et l’autre principalement en Chine. Tout cela en a fait un excellent choix pour servir de transition symbolique entre les nations, alors que Tokyo se prépare à accueillir les Jeux Olympiques d’été de 2020, puis que Pékin accueillera les Jeux olympiques d’hiver en 2022.

Le groupe de K-pop le plus populaire de l’univers en ce moment était absent de la liste des concerts aux Jeux Olympiques : BTS. BTS est devenu un phénomène américain incontesté en 2017, avec deux chansons qui ont atteint le Billboard Hot 100, une énorme performance aux American Music Awards, une performance du Nouvel An à Times Square et un remix de leur dernier single, « Mic Drop”, réalisé par Steve Aoki. S’il est possible d’attribuer un point de basculement à une « vague” qui semble sans fin, BTS pourrait l’être; il semble certainement que le groupe entièrement composé de garçons soit allé aussi loin qu’un groupe sud-coréen peut aller en termes d’incursion dans la culture américaine — ils ont récemment fait la couverture du magazine américain Billboard. Mais alors que le groupe était absent des Jeux olympiques, leur chanson « DNA” — l’autre de leurs deux succès de 2017 — a au moins joué pendant les cérémonies d’ouverture, pour le plus grand plaisir des fans.

Rien de tout cela n’est accidentel. La K-pop est devenue le visage international de la Corée du Sud grâce à un système de production extrêmement régimenté et coordonné. Plus que toute autre industrie musicale internationale, la K-pop a été stratégiquement conçue pour se frayer un chemin dans votre cerveau — et pour élever la Corée du Sud et sa culture sur la scène mondiale.

Comment en sommes-nous arrivés là ? Grâce à une combinaison de changements politiques mondiaux, d’une corporatisation et d’une gestion des médias avisées, et d’un tas de talents bruts broyés par une usine de célébrité très puissante.

La K-pop a commencé en 1992 avec une performance hip-hop électrique

La K-pop telle que nous la connaissons n’existerait pas sans la démocratie et la télévision — en particulier, la réforme de son gouvernement démocratique en Corée du Sud en 1987, avec sa modernisation et l’allégement de la censure qui l’accompagne, et l’effet que ce changement a eu sur la télévision.

Avant la création de la Sixième République du pays, il n’y avait que deux réseaux de diffusion dans le pays, et ils contrôlaient en grande partie la musique que les Sud-Coréens écoutaient; les chanteurs et les musiciens n’étaient pas beaucoup plus que des outils des réseaux. Les réseaux ont présenté au public des stars de la musique principalement par le biais de spectacles de talents musicaux le week-end. La radio existait mais, comme les réseaux de télévision, elle était sous le contrôle étroit de l’État. La production musicale indépendante n’existait pas vraiment, et la musique rock était controversée et sujette à interdiction; les musiciens et les chansons étaient principalement présentés au public par le biais de l’émission de talents télévisée, et la radio ne servait guère plus qu’une plate-forme subsidiaire pour les artistes qui réussissaient lors de ces compétitions TÉLÉVISÉES du week-end.

Avant la libéralisation des médias sud-coréens à la fin des années 80, la musique produite par les réseaux de diffusion était principalement des ballades lentes ou du « trot”, une fusion Lawrence Welk-ish de musique traditionnelle avec de vieux standards pop. Après 1987, cependant, la radiodiffusion du pays s’est rapidement développée et les Sud-Coréens ont été plus régulièrement exposés à plus de variétés de musique de l’extérieur du pays, y compris la musique américaine contemporaine.

Mais la télévision était toujours la forme dominante et centralisée des médias du pays: à partir de 1992, les chaînes de télévision nationales avaient pénétré plus de 99% des foyers sud-coréens, et l’audience était la plus élevée le week-end, lorsque les émissions de talents avaient lieu. Ces émissions de talents télévisées ont été cruciales pour présenter des groupes de musique au public sud-coréen; ils ont toujours un impact culturel énorme et restent le facteur le plus important du succès d’un groupe sud-coréen.

Comme le souligne Hannah Waitt, rédactrice en chef de Moonrok, dans son excellente série sur l’histoire de la K-pop, la K-pop est inhabituelle en tant que genre car elle a une date de début définitive, grâce à un groupe appelé Seo Taiji and Boys. Seo Taiji était auparavant membre du groupe de heavy metal sud-coréen Sinawe, qui était lui-même une partie brève mais extrêmement influente du développement de la musique rock coréenne à la fin des années 80. Après la séparation du groupe, il se tourne vers le hip-hop et recrute deux excellents danseurs sud-coréens, Yang Hyun-suk et Lee Juno, pour le rejoindre en tant que backups dans un groupe baptisé Seo Taiji and Boys. Le 11 avril 1992, ils interprètent leur single « Nan Arayo (I Know) » lors d’un spectacle de talents:

Non seulement les Garçons n’ont pas gagné le spectacle de talents, mais les juges ont donné au groupe le score le plus bas de la soirée. Mais immédiatement après le début de la chanson, « Je sais » est arrivé en tête des classements de singles de Corée du Sud pour un record fracassant 17 semaines, qui durerait plus de 15 ans comme le plus long Non. 1 séquence dans l’histoire du pays.

« I Know » représentait la première fois que la musique pop moderne de style américain était fusionnée avec la culture sud-coréenne. Seo Taiji et Boys étaient des innovateurs qui remettaient en question les normes relatives aux styles musicaux, aux thèmes de la chanson, à la mode et à la censure. Ils ont chanté l’angoisse des adolescents et la pression sociale pour réussir dans un système éducatif épuisant, et ont insisté pour créer leur propre musique et écrire leurs propres chansons en dehors de l’environnement de réseau fabriqué.

Au moment où Seo Taiji et Boys se sont officiellement dissous en 1996, ils avaient changé le paysage musical et performatif de la Corée du Sud, ouvrant la voie à d’autres artistes encore plus expérimentaux et franchissant encore plus de frontières — et aux studios de musique d’intervenir rapidement et de prendre le relais, formant un tout nouveau système de studio à partir des restes du système centré sur la diffusion.

Entre 1995 et 1998, trois studios de musique puissants sont apparus: SM Entertainment (souvent appelé SM Town) en 1995; JYP Entertainment en 1997; et YG Entertainment en 1998, créé par l’un des membres de Seo Taiji and Boys, Yang Hyun-suk. Ensemble, ces studios ont commencé à cultiver délibérément ce qui allait devenir connu sous le nom de groupes d’idols.

Le premier groupe d’idols en Corée du Sud est apparu sur la scène en 1996, lorsque le fondateur de SM, Lee Soo-man, a créé un groupe appelé H.O.T. en réunissant cinq chanteurs et danseurs qui représentaient ce qu’il croyait que les adolescents voulaient voir d’un groupe pop moderne.

H.O.T. partage des traits avec les groupes d’idols d’aujourd’hui: une combinaison de chant, de danse et de rap, et des personnalités disparates unies par la musique. En 1999, le groupe a été choisi pour participer à un concert bénéfice majeur avec Michael Jackson, en partie en raison de leur potentiel de devenir des stars de la pop internationale — une indication que même dans les années 90, l’industrie était à l’écoute du potentiel de succès mondial de la K-pop.

Ce potentiel se voit dans la promotion enthousiaste des artistes multilingues par les studios comme BoA, qui a fait ses débuts publics à l’âge de 13 ans en 2000 et est devenue dans les années qui ont suivi l’une des exportations les plus connues de Corée du Sud grâce à une marque construite sur le talent brut et la positivité multiculturelle.

Pendant ce temps, la K-pop dans son ensemble construisait sa propre marque, basée sur le flash, le style et beaucoup de qualité.

Ne demandez pas ce qui fait une chanson de K-pop. Demandez ce qui fait un artiste de K-pop.

Il y a trois choses qui font de la K-pop un contributeur si visible et unique dans le domaine de la musique pop: une performance d’une qualité exceptionnelle (en particulier la danse), une esthétique extrêmement soignée et une méthode de production en studio « interne” qui produit des succès musicaux comme les chaînes de montage produisent des voitures.

Aucune chanson n’incarne plus parfaitement ces caractéristiques que le tube de Girls ’ Generation en 2009, « Gee », un succès éclatant qui est survenu à un moment où la K-pop commençait à faire tourner les têtes à l’international en raison d’un certain nombre de succès marquants récents — notamment « Haru, Haru” de Big Bang, « Nobody” de Wonder Girls et « Abracadabra » de Brown Eyed Girls. » »Gee » était un ver d’oreille viral sur Internet, sortant des espaces de fans typiques de la K-pop et mettant la génération des filles à une distance frappante de la renommée américaine.

La combinaison d’un concept effronté et coloré, d’une chorégraphie intelligente, de jolies filles et d’une écriture de chansons entraînante fait de « Gee” la chanson K-pop par excellence: c’est amusant, contagieux et mémorable — et elle a été produite de manière algorithmique par une machine de studio chargée de livrer un chant parfait, une danse parfaite, des vidéos parfaites et un divertissement parfait. Les neuf membres de la génération des filles de l’époque ont été assemblés en usine pour former les poupées parfaites et prêtes à regarder les hommes que vous voyez dans le clip de la chanson via une surveillance extrême en studio et des années de travail acharné de chaque femme – un total de 52 années de formation, à partir de leur enfance.

Grâce à des auditions très compétitives, à partir de 10 à 12 ans, les studios de musique introduisent des enfants talentueux dans le régime de la K-pop. Les enfants fréquentent des écoles spéciales où ils suivent des cours spécialisés de chant et de danse; ils apprennent à modérer leur comportement public et à se préparer à la vie de pop star; ils passent des heures à des répétitions quotidiennes et se produisent dans des spectacles de musique le week-end ainsi que des spectacles de groupe spéciaux. Grâce à ces performances, les enfants chanceux peuvent gagner des fans avant même leurs débuts officiels. »Et quand ils seront assez vieux, s’ils sont vraiment l’un des rares chanceux, les studios les placeront dans un groupe d’idols ou même, de temps en temps, les lanceront en tant qu’artiste solo.

Une fois qu’un groupe d’idols a été formé à la perfection, les studios génèrent des chansons pop pour eux, les commercialisent, les mettent à la télévision, les envoient en tournée et déterminent quand ils feront leur prochain « retour” — un terme qui signale généralement la sortie du dernier album d’un groupe, généralement accompagné d’une grande fanfare, d’apparitions télévisées spéciales et d’un concept thématique totalement nouveau.

En raison du contrôle qu’ils exercent sur leurs artistes, les studios de musique sud-coréens sont directement responsables de la formation de l’image mondiale de la K-pop en tant que genre. Mais l’industrie est notoirement exploitante, et la vie en studio est épuisante au point qu’elle peut facilement passer à l’abus; les artistes sont régulièrement signés à des contrats à long terme, connus sous le nom de « contrats d’esclaves”, lorsqu’ils sont encore des enfants, qui dictent étroitement leur comportement privé, leur vie amoureuse et leur conduite publique.

Les studios sont également un terrain fertile pour les comportements prédateurs et le harcèlement de la part des dirigeants des studios. Ces dernières années, l’attention croissante du public à ces problèmes a donné lieu à des changements; en 2017, plusieurs studios ont accepté une réforme importante des contrats. Pourtant, comme l’a révélé le suicide récent de l’artiste Shinee Kim Jong-hyun, les pressions de la culture en studio sont rarement rendues publiques et peuvent faire de graves ravages chez ceux qui grandissent au sein du système.

Malgré tout, la vie cloîtrée d’une star de la K-pop est convoitée par des milliers d’adolescents et de préadolescents sud—coréens – à tel point que des auditions sans rendez-vous pour les enfants dépisteurs des programmes de studio sont fréquemment organisées en Corée du Sud et à New York.

En plus des auditions en studio, une vague de nouvelles émissions d’auditions télévisées ont vu le jour au cours des dernières années, donnant aux inconnus une chance d’être découverts et de se constituer une base de fans. Souvent appelées émissions d’idoles ou émissions de survie, ces émissions d’audition sont comparables à American Idol et X-Factor. Les concurrents de ces émissions peuvent faire les choses en grand seuls ou être regroupés — comme le groupe JBJ (abréviation du surnom surnommé par les fans « Just Be Joyful »), composé de garçons qui ont participé à la saison 2 de l’émission de talents Produce 101 l’année dernière, puis ont été placés dans un groupe temporaire après que les fans ont commencé à faire des photos Instagram composites d’eux tous ensemble. Le groupe n’a qu’un contrat de sept mois; profitez-en tant que ça dure!

Ces émissions d’idoles sponsorisées par la télévision ont provoqué le refoulement des studios, qui les considèrent comme produisant des talents immatures – et, bien sûr, coupant dans les bénéfices des studios. En effet, le succès d’un groupe de K-pop est directement lié à ses performances télévisées en direct. Aujourd’hui, il existe de nombreuses émissions de talents, ainsi que de nombreuses autres émissions de variétés et des émissions de compte à rebours bien connues comme Inkigayo et M Countdown, qui contribuent au succès – et donc bankable — d’une idole ou d’un groupe d’idols K—pop. Gagner un spectacle musical le week-end ou un compte à rebours hebdomadaire reste l’un des plus grands honneurs qu’un artiste ou un groupe musical puisse obtenir dans l’industrie musicale sud-coréenne.

En raison de cette dépendance aux spectacles vivants, les éléments de performance d’une chanson — comme il est facile de chanter en direct, comme il est facile pour un public de capter et de chanter avec, l’impact de sa chorégraphie, son costume — sont tous cruciaux pour son succès. Les groupes mettent régulièrement tout en œuvre pour leurs performances: Assistez à l’apprentissage parascolaire d’une séquence de batterie entière pour des performances live de leur single « Bang! »ainsi qu’à peu près toutes les performances en direct mentionnées ici.

Tout cet accent mis sur les performances live fait des fans une partie extrêmement active de l’expérience. Les fans de K-pop ont perfectionné l’art du chant des fans, dans lequel les fans du public en studio et des performances en direct crieront des chants de fans alternatifs sur les intros musicales des chansons, et parfois comme contrepoint aux refrains, comme un spectacle d’unité et de soutien.

Cette collectivité a contribué à faire en sorte que les bases de fans de K-pop au pays et à l’étranger soient absolument massives, et intenses à un degré difficile à surestimer. Les fans soutiennent intensément les membres de leur groupe préféré, et de nombreux fans font tout leur possible pour s’assurer que leurs idoles préférées ressemblent et s’habillent comme des artistes de classe mondiale. La K-Con, la plus grande convention américaine de K-pop, a connu une croissance exponentielle au fil des ans et comprend désormais à la fois Los Angeles et New York.

(Il y a aussi des anti-fans qui ciblent les membres du groupe — plus notoirement un anti qui a tenté d’empoisonner un membre de DBSK en 2006. Mais moins on en parle, mieux c’est.)

Vous pourriez vous attendre à ce que, face à toute cette pression externe, les groupes de K-pop soient en grande partie dysfonctionnels. Au lieu de cela, la K-pop moderne semble être une machine transparente, magnifique et bien huilée – avec quelques contradictions flagrantes qui la rendent d’autant plus fascinante.

La K-pop moderne est un faisceau de contradictions colorées

Bien que la censure gouvernementale de la musique sud-coréenne se soit assouplie au fil du temps, elle existe toujours, tout comme l’autocensure de l’industrie en réponse à une série de sujets controversés. Les mœurs sociales sud-coréennes stigmatisent tout, des références et insinuations sexuelles aux références à la drogue et à l’alcool — ainsi qu’au comportement illicite réel des idoles — et aborder l’un de ces sujets peut entraîner l’interdiction arbitraire d’une chanson de la radio et de la diffusion. Les chansons traitant de thèmes sérieux ou de questions épineuses sont largement interdites, l’identité queer n’est généralement abordée que sous-texte, et les paroles sont généralement réduites à des platitudes duveteuses. Thématiquement, c’est souvent charmant et innocent, à la limite de l’adolescence.

Malgré ces limites, la K-pop s’est développée au fil du temps dans sa nuance et sa sophistication grâce à des artistes et des studios qui ont souvent risqué la censure ou se sont appuyés sur des indices visuels et des sous-textes pour combler les lacunes.

Exemple concret: le succès de 2000 « Adult Ceremony » du chanteur et acteur Park Ji-yoon, qui marquait la première fois qu’un hit K-pop injectait avec succès la sexualité des adultes dans des paroles assez anodines, représentant un défi notable aux représentations existantes de la féminité dans la culture pop sud-coréenne.

Les femmes de la K-pop sont généralement représentées comme des versions traditionnelles de la féminité. Cela se manifeste généralement dans l’un des thèmes suivants: des écolières adorables et timides qui chantent des coups de vertige; des femmes conscientes et autonomes qui ont besoin d’un « oppa » (une figure masculine plus âgée et forte) pour réaliser leurs fantasmes; ou savoir, des femmes autonomes qui rejettent la validation masculine, alors même que le studio adapte les membres du groupe à la consommation masculine adulte.

L’image d’un groupe d’idols change souvent d’un album à l’autre, subissant une refonte visuelle et tonale totale pour introduire un nouveau concept. Cependant, il y a quelques groupes de filles — 2NE1 et f(x) viennent le plus facilement à l’esprit — qui ont été commercialisés comme rompant avec ce mode de performance centré sur le genre; ils sont emballés comme des rebelles et des non-conformistes quel que soit le sujet de leur album, même s’ils opèrent dans la culture du studio.

Pourtant, les femmes de la K-pop produisent également de plus en plus de vidéos conscientes de soi qui naviguent dans leurs propres relations à ces impositions rigides. Témoin Sunmi, une ancienne membre de Wonder Girls, détruisant sa propre image publique soigneusement cultivée dans son récent single « Heroine », une chanson sur une femme survivant à une relation ratée. Dans la vidéo, Sunmi se transforme physiquement, devenant de plus en plus autonome et provocante alors qu’elle fait face à la caméra et affronte finalement un panneau d’affichage d’elle-même.

Si les chansons pour femmes dans la K-pop se décomposent le long du fossé ”femme vierge / femme mûre », les chansons pour hommes ont tendance à se décomposer le long d’une ligne ”mauvais garçon / homme sophistiqué ». Parfois, ils se décomposent même dans la même chanson — comme « Jackpot » de Block B, la vidéo pour laquelle le groupe se fait passer pour des membres extrêmement variés d’un cirque renégat, s’unissant pour kidnapper l’actrice Kim Sae-ron dans une vie d’hédonisme joyeux.

Les groupes de performance masculins sont généralement autorisés à aborder un plus large éventail de sujets que les femmes de la K-pop: BTS chante notamment sur des problèmes graves tels que les pressions sociales des adolescents, tandis que de nombreux autres groupes de garçons proposent un large éventail de concepts narratifs. Mais les artistes masculins sont tenus à des normes physiques et techniques sans doute encore plus exigeantes que leurs homologues féminines, avec une chorégraphie de précision — comme la routine de danse all-Heely de Speed ci—dessous – faisant partie intégrante du tirage au sort des groupes d’idols masculins:

Si vous vous demandez si des groupes mixtes coexistent dans ces cultures de studio, la réponse est, pas vraiment. La plupart du temps, les groupes mixtes ont tendance à être des appariements ponctuels de membres de différents groupes pour un ou deux singles, ou des actes de nouveauté qui sont rapidement divisés en sous-groupes sexués. Le groupe co-ed le plus célèbre est probablement le duo frère-sœur Akdong Musician, une paire d’enfants mignons qui ont fait les choses en grand lors d’une émission d’audition; et même ils se séparent beaucoup pour s’associer à d’autres chanteurs. (Voir le clip « Hi Suhyun » ci-dessus, qui présente Lee Hi et la moitié sœur d’AM, Lee Su-hyun.)

Il va sans dire que cette fracture traditionnelle entre les sexes n’est pas vraiment un terrain fertile pour que les idoles queer prospèrent. Malgré un certain nombre de stars de la K-pop soutenant ouvertement les droits des LGBTQ, l’industrie commercialise agressivement l’homoérotisme dans ses vidéos, mais reste généralement homophobe. Mais des progrès se produisent également ici: la première idole ouvertement gay de Corée du Sud vient d’apparaître sur la scène début 2018. Son nom est Holland, et son premier single a fait ses débuts à un respectable 6,5 millions de vues.

Le hip-hop a tendance à être une partie dominante du son K-pop, en particulier chez les groupes masculins, une tendance qui a ouvert le genre à la critique pour s’approprier. La Corée du Sud est aux prises avec un haut degré de racisme culturel, et des groupes populaires récents ont été critiqués pour avoir revêtu le visage noir, s’être approprié l’iconographie amérindienne, et bien plus encore. Pourtant, la K-pop a de plus en plus adopté la diversité ces dernières années, des membres noirs rejoignant des groupes de K-pop et le duo Coco Avenue sortant un single bilingue en 2017.

Last but not least, je serais négligent si je ne mentionnais pas la scène musicale indépendante émergente de la Corée du Sud, qui comprend une culture florissante de rap indépendant, de hip-hop et, de plus en plus, d’artistes R&B, ainsi qu’une foule d’artistes de base qui ont fait des vagues sur SoundCloud.

En faisant le point sur tous ces changements et paradoxes, nous pourrons peut-être extrapoler un peu à quoi ressemble l’avenir de la K-pop: encore plus diversifié, avec un nombre toujours croissant d’artistes indépendants qui bousculent la scène du studio, même si la plupart d’entre eux devront encore jouer dans les normes rigides du système.

Cette évolution progressive suggère qu’une partie de la raison pour laquelle la K-pop a pu faire des incursions internationales ces dernières années est qu’elle a été capable de s’opposer à ses propres normes rigides, en utilisant des thèmes modernes et des sous-textes sophistiqués, sans sacrifier l’emballage incroyablement poli qui le rend si naturellement convaincant. Cela semble être une formule pour un succès mondial continu — surtout maintenant que la Corée du Sud et sa culture attirent l’attention du monde entier. Hallyu peut gonfler ou se calmer, mais la machine de production de K-pop continue toujours. Et à partir d’ici, l’avenir s’annonce fantastique, bébé.