Jar; période Jomon moyenne à tardive; 35e-11e siècle avant notre ère

La période Jōmon moyenne (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) (en) 2500-1500 avant notre ère), contrastant à bien des égards avec le début de la période Jōmon. Ces personnes sont devenues moins nomades et ont commencé à s’installer dans des villages. Ils ont créé des outils utiles qui étaient capables de traiter la nourriture qu’ils récoltaient et chassaient, ce qui leur facilitait la vie. À travers les nombreuses céramiques esthétiques trouvées pendant cette période, il est évident que ces personnes avaient une économie stable et plus de temps libre pour établir de belles pièces. De plus, les gens de la période Jōmon moyenne différaient de leurs ancêtres précédents car ils développaient des récipients en fonction de leur fonction, par exemple, ils produisaient des pots afin de stocker des objets. Les décorations de ces vases ont commencé à devenir plus réalistes par opposition aux premières céramiques Jōmon. Dans l’ensemble, la production d’œuvres a non seulement augmenté pendant cette période, mais ces individus les ont rendues plus décoratives et naturalistes.

Période Jōmon tardive et finale

Figurine Dogū du site Ebisuda d’Ōsaki, préfecture de Miyagi (1000-400 avant notre ère)

Mandala de Taizokai (royaume de l’utérus) sur un rouleau suspendu en soie, 9ème siècle de notre ère

Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji

En 794, la capitale du Japon fut officiellement transférée à Heian-kyō (aujourd’hui Kyoto), où elle resta jusqu’en 1868. Le terme période Heian fait référence aux années entre 794 et 1185, lorsque le shogunat de Kamakura a été établi à la fin de la guerre de Genpei. La période est en outre divisée entre le début de Heian et la fin de Heian, ou ère Fujiwara, la date pivot étant 894, l’année de la cessation officielle des ambassades impériales en Chine.

Art du début de Heian : En réaction à la richesse et à la puissance croissantes du bouddhisme organisé à Nara, le prêtre Kūkai (mieux connu sous son titre posthume Kōbō Daishi, 774-835) se rendit en Chine pour étudier le Shingon, une forme de bouddhisme Vajrayana, qu’il introduisit au Japon en 806. Au cœur du culte Shingon se trouvent les mandalas, des diagrammes de l’univers spirituel, qui ont ensuite commencé à influencer la conception du temple. L’architecture bouddhiste japonaise a également adopté le stupa, à l’origine une forme architecturale indienne, dans sa pagode de style chinois.

Les temples érigés pour cette nouvelle secte ont été construits dans les montagnes, loin de la Cour et des laïcs de la capitale. La topographie irrégulière de ces sites a forcé les architectes japonais à repenser les problèmes de construction des temples et, ce faisant, à choisir des éléments de conception plus indigènes. Les toits en écorce de cyprès ont remplacé ceux des carreaux de céramique, des planches de bois ont été utilisées à la place des sols en terre, et une zone de culte séparée pour les laïcs a été ajoutée devant le sanctuaire principal.

Le temple qui reflète le mieux l’esprit des premiers temples Shingons de Heian est le Murō-ji (début du 9ème siècle), situé au fond d’un peuplement de cyprès sur une montagne au sud-est de Nara. L’image en bois (également au début du 9ème siècle) de Shakyamuni, le Bouddha « historique », enchâssé dans un bâtiment secondaire du Murō-ji, est typique de la sculpture de Heian du début du, avec son corps lourd, recouvert d’épais plis de draperies sculptés dans le style honpa-shiki (ondulation), et son expression faciale austère et retirée.

Art Fujiwara: À l’époque Fujiwara, le Bouddhisme de la Terre Pure, qui offrait un salut facile par la croyance en Amida (le Bouddha du Paradis occidental), est devenu populaire. Cette période porte le nom de la famille Fujiwara, alors la plus puissante du pays, qui a régné en tant que régents pour l’Empereur, devenant de fait des dictateurs civils. Parallèlement, la noblesse de Kyoto a développé une société consacrée à des activités esthétiques élégantes. Leur monde était si sûr et si beau qu’ils ne pouvaient concevoir le Paradis comme étant très différent. Ils ont créé une nouvelle forme de salle du Bouddha, la salle Amida, qui mélange le profane et le religieux, et abrite une ou plusieurs images de Bouddha dans une structure ressemblant aux demeures de la noblesse.

Byōdō-in Phoenix Hall, Uji, Kyoto

Le Hō-ō-dō (Phénix Hall, achevé en 1053) du Byōdō-in, un temple à Uji, au sud-est de Kyoto, se trouve l’exemple des salles Fujiwara Amida. Il se compose d’une structure rectangulaire principale flanquée de deux couloirs d’ailes en forme de L et d’un couloir de queue, au bord d’un grand étang artificiel. À l’intérieur, une seule image dorée d’Amida (vers 1053) est installée sur une plate-forme haute. La sculpture Amida a été exécutée par Jōchō, qui a utilisé un nouveau canon de proportions et une nouvelle technique (yosegi), dans laquelle de multiples morceaux de bois sont sculptés comme des coquillages et joints de l’intérieur. Sur les murs de la salle sont appliquées de petites sculptures en relief de célestes, l’hostie censée avoir accompagné Amida lorsqu’il est descendu du Paradis occidental pour rassembler les âmes des croyants au moment de la mort et les transporter en fleurs de lotus au Paradis. Les peintures Raigō sur les portes en bois du Hō-ō-dō, représentant la descente du Bouddha Amida, sont un des premiers exemples de Yamato-e, peinture de style japonais, et contiennent des représentations du paysage autour de Kyoto.

« YUGIRI » du Genji Monogatari Emaki

E-maki: Au dernier siècle de la période Heian, le rouleau à main narratif horizontal et illustré, connu sous le nom d’e-maki ( lit, lit. « défilement de l’image »), est venu au premier plan. Datant d’environ 1130, le Genji Monogatari Emaki, un célèbre conte illustré de Genji représente le premier rouleau à main yamato-e survivant, et l’un des points culminants de la peinture japonaise. Écrit vers l’an 1000 par Murasaki Shikibu, une dame d’honneur de l’impératrice Shōshi, le roman traite de la vie et des amours de Genji et du monde de la cour de Heian après sa mort. Les artistes du 12ème siècle de la version e-maki ont conçu un système de conventions picturales qui transmettent visuellement le contenu émotionnel de chaque scène. Dans la seconde moitié du siècle, un style différent et plus vivant d’illustration narrative continue est devenu populaire. Le Ban Dainagon Ekotoba (fin du 12ème siècle), un rouleau qui traite d’une intrigue à la cour, met en valeur des figures en mouvement actif représentées par des coups de pinceau exécutés rapidement et des couleurs fines mais vibrantes.

Les E-maki sont également parmi les premiers et les plus grands exemples des styles de peinture otoko-e (« images d’hommes ») etna-e (« images de femmes »). Il existe de nombreuses différences fines entre les deux styles, faisant appel aux préférences esthétiques des sexes. Mais les différences de matière sont peut-être les plus facilement perceptibles. na-e, incarnée par le Conte de Genji handscroll, traite généralement de la vie de la cour, en particulier des dames de la cour, et de thèmes romantiques. Otoko-e enregistrait souvent des événements historiques, en particulier des batailles. Le Siège du Palais Sanjō (1160), représenté dans la section « Attaque nocturne du Palais Sanjō » du rouleau à main Heiji Monogatari est un exemple célèbre de ce style.

artEdit de Kamakura

Reliquaire en bronze doré ajouré (kondō sukashibari sharitō)

En 1180 , une guerre éclata entre les deux clans guerriers les plus puissants : les Taira et les Minamoto ; cinq ans plus tard, les Minamoto sortirent victorieux et établirent un siège de gouvernement de facto dans le village balnéaire de Kamakura, où il resta jusqu’en 1333. Avec le passage du pouvoir de la noblesse à la classe guerrière, les arts devaient satisfaire un nouveau public: des hommes dévoués aux compétences de la guerre, des prêtres engagés à mettre le bouddhisme à la disposition des roturiers illettrés, et des conservateurs, la noblesse et certains membres du sacerdoce qui regrettaient le pouvoir déclinant de la cour. Ainsi, le réalisme, une tendance de vulgarisation et un renouveau classique caractérisent l’art de la période Kamakura. À l’époque de Kamakura, Kyoto et Nara sont restées les centres de production artistique et de haute culture.

Détail de Muchaku au Kōfuku-ji, Nara par Unkei

Sculpture: L’école de sculpteurs Kei, en particulier Unkei, a créé un nouveau style de sculpture plus réaliste. Les deux images du gardien Niō (1203) dans la Grande Porte sud du Tōdai-ji à Nara illustrent le style supra-réaliste dynamique d’Unkei. Les images, d’environ 8 m (environ 26 pieds) de haut, ont été sculptées de plusieurs blocs en une période d’environ trois mois, un exploit révélateur d’un système d’atelier développé d’artisans travaillant sous la direction d’un maître sculpteur. Les sculptures en bois polychrome d’Unkei (1208, Kōfuku-ji, Nara) de deux sages indiens, Muchaku et Seshin, les fondateurs légendaires de la secte Hossō, comptent parmi les œuvres réalistes les plus abouties de l’époque ; telles qu’elles sont rendues par Unkei, ce sont des images remarquablement individualisées et crédibles. L’une des œuvres les plus célèbres de cette période est une Triade Amitabha (achevée en 1195), en Jōdo-ji à Ono, créée par Kaikei, le successeur d’Unkei.

Calligraphie et peinture: Le Kegon Engi Emaki, l’histoire illustrée de la fondation de la secte Kegon, est un excellent exemple de la tendance de popularisation de la peinture de Kamakura. La secte Kegon, l’une des plus importantes de la période de Nara, a connu des moments difficiles lors de l’ascension des sectes de la Terre Pure. Après la guerre de Genpei (1180-1185), le prêtre Myōe du Kōzan-ji cherche à relancer la secte et à fournir un refuge aux femmes veuves de la guerre. Les épouses de samouraïs avaient été découragées d’apprendre plus qu’un système syllabaire pour transcrire des sons et des idées (voir kana), et la plupart étaient incapables de lire des textes qui employaient des idéographes chinois (kanji).

Ainsi, le Kegon Engi Emaki combine des passages de texte, écrits avec un maximum de syllabes facilement lisibles, et des illustrations qui ont le dialogue entre les personnages écrits à côté des haut-parleurs, une technique comparable à la bande dessinée contemporaine. L’intrigue de l’e-maki, la vie des deux prêtres coréens qui ont fondé la secte Kegon, est rapidement rythmée et remplie d’exploits fantastiques tels qu’un voyage au palais du roi de l’Océan et une histoire poignante de maman.

Une œuvre dans une veine plus conservatrice est la version illustrée du journal de Murasaki Shikibu. Des versions E-maki de son roman ont continué à être produites, mais la noblesse, à l’écoute du nouvel intérêt pour le réalisme mais nostalgique des jours passés de richesse et de pouvoir, a relancé et illustré le journal afin de retrouver la splendeur de l’époque de l’auteur. L’un des plus beaux passages illustre l’épisode où Murasaki Shikibu est retenue prisonnière dans sa chambre par deux jeunes courtisans, tandis que, juste à l’extérieur, le clair de lune brille sur les rives moussues d’un ruisseau dans le jardin impérial.

Art de Muromachi

Pendant la période Muromachi (1338-1573), également appelée période Ashikaga, un changement profond a eu lieu dans la culture japonaise. Le clan Ashikaga prend le contrôle du shogunat et déplace son siège à Kyoto, dans le quartier de Muromachi de la ville. Avec le retour du gouvernement dans la capitale, les tendances popularisantes de la période Kamakura ont pris fin et l’expression culturelle a pris un caractère plus aristocratique et élitiste. Le bouddhisme zen, la secte Ch’an traditionnellement considérée comme ayant été fondée en Chine au 6ème siècle, a été introduit pour la deuxième fois au Japon et a pris racine.

Karesansui de Ryōan-ji, Kyoto

Peinture: En raison des entreprises laïques et des missions commerciales en Chine organisées par les temples zen, de nombreuses peintures et objets d’art chinois ont été importés au Japon et ont profondément influencé les artistes japonais travaillant pour les temples zen et le shogunat. Non seulement ces importations ont changé le sujet de la peinture, mais elles ont également modifié l’utilisation de la couleur; les couleurs vives du Yamato-e ont cédé aux monochromes de la peinture à la manière chinoise, où les peintures n’ont généralement que du noir et blanc ou des tons différents d’une seule couleur.

Typique de la peinture du début de Muromachi est la représentation par le prêtre-peintre Kao (actif au début du XVe siècle) du moine légendaire Kensu (Hsien-tzu en chinois) au moment où il a atteint l’illumination. Ce type de peinture a été exécuté avec des coups de pinceau rapides et un minimum de détails. Attraper un poisson-chat avec une Gourde (début du XVe siècle, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), par le prêtre-peintre Josetsu (actif vers 1400), marque un tournant dans la peinture de Muromachi. Exécuté à l’origine pour un écran bas, il a été remonté comme un rouleau suspendu avec des inscriptions de figures contemporaines au-dessus, dont l’une fait référence au tableau comme étant dans le « nouveau style ». Au premier plan, un homme est représenté sur la rive d’un ruisseau tenant une petite gourde et regardant un grand poisson-chat glissant. La brume remplit le terrain d’entente, et les montagnes de fond semblent être loin au loin. On suppose généralement que le « nouveau style » de la peinture, exécuté vers 1413, fait référence à un sens plus chinois de l’espace profond dans le plan de l’image.

Les artistes les plus importants de la période Muromachi sont les peintres-prêtres Shūbun et Sesshū. Shūbun, un moine du temple de Kyoto du Shōkoku-ji, a créé dans le tableau Lecture dans un bosquet de bambous (1446) un paysage réaliste avec une profonde récession dans l’espace. Sesshū, contrairement à la plupart des artistes de l’époque, a pu voyager en Chine et étudier la peinture chinoise à sa source. Paysage des Quatre Saisons (Sansui Chokan; vers 1486) est l’une des œuvres les plus accomplies de Sesshu, représentant un paysage continu à travers les quatre saisons.

Azuchi-Momoyama artEdit

Château de Himeji, construit en 1580-1609

Dans l’Azuchi– La période Momoyama (1573-1603), une succession de chefs militaires, tels qu’Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi et Tokugawa Ieyasu, a tenté d’apporter la paix et la stabilité politique au Japon après une ère de près de 100 ans de guerre. Oda, un chef mineur, acquiert un pouvoir suffisant pour prendre le contrôle de fait du gouvernement en 1568 et, cinq ans plus tard, pour évincer le dernier shogun Ashikaga. Hideyoshi prend le commandement après la mort d’Oda, mais ses projets d’établir un régime héréditaire sont déjoués par Ieyasu, qui établit le shogunat Tokugawa en 1603.

Cyprès Byōbu, paravent de Kanō Eitoku, 1590

Peinture: L’école de peinture la plus importante de la période Momoyama était celle de l’école Kanō , et la plus grande innovation de l’époque fut la formule, développée par Kanō Eitoku, pour la création de paysages monumentaux sur les portes coulissantes enfermant une pièce. La décoration de la pièce principale donnant sur le jardin du Jukō-in, un sous-exemple du Daitoku-ji (un temple zen de Kyoto), est peut-être le meilleur exemple existant de l’œuvre d’Eitoku. Un arbre massif et des pins jumeaux sont représentés sur des paires d’écrans coulissants dans des coins opposés en diagonale, leurs troncs répétant les verticales des poteaux d’angle et leurs branches s’étendant à gauche et à droite, unifiant les panneaux adjacents. L’écran d’Eitoku, les Lions chinois, également à Kyoto, révèle le style de peinture audacieux et aux couleurs vives préféré par les samouraïs.

Hasegawa Tōhaku, un contemporain d’Eitoku, a développé un style quelque peu différent et plus décoratif pour les peintures sur écran à grande échelle. Dans son écran d’érable (楓図), maintenant dans le temple de Chishaku-in (ja:智積院), à Kyoto, il a placé le tronc de l’arbre au centre et a étendu les membres presque jusqu’au bord de la composition, créant une œuvre plus plate et moins architectonique qu’Eitoku, mais une peinture visuellement magnifique. Son paravent sextuple, Bois de pin (松林図), est un rendu magistral à l’encre monochrome d’un bosquet d’arbres enveloppé de brume.

Art de la période Edodit

Dieu du Vent et Dieu du Tonnerre, Tawaraya Sōtatsu, 17ème siècle

Le shogunat Tokugawa a pris le contrôle incontesté du gouvernement en 1603 avec un engagement à apporter la paix et la stabilité économique et politique au pays; dans une large mesure, il a réussi. Le shogunat a survécu jusqu’en 1867, lorsqu’il a été contraint de capituler en raison de son incapacité à faire face à la pression des nations occidentales pour ouvrir le pays au commerce extérieur. L’un des thèmes dominants de l’époque d’Edo était la politique répressive du shogunat et les tentatives des artistes d’échapper à ces restrictions. Le premier d’entre eux était la fermeture du pays aux étrangers et aux accoutrements de leurs cultures, et l’imposition de codes de comportement stricts affectant tous les aspects de la vie, les vêtements que l’on portait, la personne que l’on épousait et les activités que l’on pouvait ou ne devait pas poursuivre.

Dans les premières années de l’époque d’Edo, cependant, l’impact total de la politique Tokugawa ne s’était pas encore fait sentir, et certaines des plus belles expressions du Japon en architecture et en peinture ont été produites: le palais de Katsura à Kyoto et les peintures de Tawaraya Sōtatsu, pionnier de l’école Rinpa.

Jardin japonais de style circuit Kōraku-en à Okayama, commencé en 1700

L’impression Fuji rouge de la série de Hokusai Trente-six vues du mont Fuji

Douche soudaine au pont d’Atake, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e et nanga (bunjinga): L’école d’art la plus connue en Occident est celle des peintures ukiyo-e et des estampes sur bois de la demimonde, l’univers du théâtre kabuki et des quartiers de plaisir. Les estampes Ukiyo-e ont commencé à être produites à la fin du 17ème siècle; en 1765, Harunobu a produit la première impression polychrome. Les graphistes de la génération suivante, dont Torii Kiyonaga et Utamaro, ont créé des représentations élégantes et parfois perspicaces de courtisanes.

Au XIXe siècle, les figures dominantes étaient Hokusai et Hiroshige, ce dernier créateur d’estampes de paysages romantiques et quelque peu sentimentales. Les angles et les formes étranges à travers lesquels Hiroshige voyait souvent le paysage, et le travail de Kiyonaga et Utamaro, avec son accent sur les plans plats et les contours linéaires forts, ont eu un impact profond sur des artistes occidentaux tels qu’Edgar Degas et Vincent van Gogh. Par le biais d’œuvres d’art conservées dans des musées occidentaux, ces mêmes graveurs exerceront plus tard une puissante influence sur l’imagerie et les approches esthétiques utilisées par les premiers poètes modernistes tels qu’Ezra Pound, Richard Aldington et H.D.

Une école de peinture contemporaine de l’ukiyo-e était le nanga, ou bunjinga, un style basé sur des peintures exécutées par des peintres érudits chinois. Tout comme les artistes ukiyo-e ont choisi de représenter des figures de la vie en dehors des restrictions du shogunat Tokugawa, les artistes bunjin se sont tournés vers la culture chinoise. Les exemples de ce style sont Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden et Yamamoto Baiitsu (ja: 山本梅逸).

Céramique

Les styles traditionnels, principalement en grès, ont continué dans de nombreuses régions du Japon, mais la céramique japonaise a été transformée au début de la période Edo, par un afflux important de potiers coréens, capturés ou persuadés d’émigrer au cours des invasions japonaises de la Corée dans les années 1590. Beaucoup d’entre eux ont été installés sur l’île méridionale de Kyushu, et ils ont apporté avec eux l’expérience des versions du four à escalade chambré de style chinois, appelé noborigama au Japon, qui permettait des températures élevées avec un contrôle plus précis . Vers 1620, ils avaient découvert des gisements de kaolinite et commencèrent à fabriquer de la porcelaine pour la première fois au Japon. Les premières marchandises (appelées « Early Imari ») étaient relativement petites et imitaient la porcelaine bleue et blanche sous glaçure chinoise, que le Japon importait depuis un certain temps.

L’industrie de la porcelaine s’est considérablement développée à la fin des années 1650, car l’effondrement de l’industrie chinoise à la suite de la guerre civile a entraîné de très importantes commandes des commerçants chinois et de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, alors que les commerçants n’étaient autorisés à faire des affaires qu’au Japon. La première grande période de la porcelaine d’exportation japonaise a duré jusqu’aux années 1740 environ, et la majeure partie de la porcelaine japonaise a été fabriquée pour l’exportation, principalement vers l’Europe, mais aussi le monde islamique à l’ouest et au sud du Japon.

• Aiguière à saké de type Iroe à cinq couleurs Ko-Kutani (vieux Kutani) avec motif d’oiseaux et de fleurs en émail glacé, période Edo, 17ème siècle

• Plat Ko-Imari, 1700-1740

Laque:

Avec le développement de l’économie et de la culture, la qualité artistique des meubles laqués s’est améliorée. Hon’ami Kōetsu et Ogata Kōrin ont introduit les dessins de l’école de peinture Rinpa dans la laque. Après le milieu de l’époque d’Edo, l’inrō pour les contenants de médicaments portables a commencé à être magnifiquement décoré de maki-e et de raden, et il est devenu populaire parmi la classe des samouraïs et les riches marchands de la classe des chōnin, et à la fin de l’époque d’Edo, il est passé d’accessoires pratiques à des collections d’art. L’exportation de la laque s’est poursuivie après la période Azuchi-Momoyama. Marie-Antoinette et Marie-Thérèse sont connues comme collectionneuses de laques japonaises à cette époque.

• Inro et Netsuke, 18ème siècle

• Boîte à lettres en laque avec iris chez Yatsuhashi, par Ogata Kōrin. Trésor national

Art d’avant-guerreModifier

Lorsque l’empereur du Japon a repris le pouvoir en 1868, le Japon a de nouveau été envahi par de nouvelles formes de culture étrangères. Pendant la période d’avant-guerre, l’introduction des valeurs culturelles occidentales a conduit à une dichotomie dans l’art japonais, ainsi que dans presque tous les autres aspects de la culture, entre les valeurs traditionnelles et les tentatives de duplication et d’assimilation d’une variété d’idées nouvelles contradictoires. Cette scission est restée évidente à la fin du 20e siècle, bien que beaucoup de synthèses aient déjà eu lieu, et a créé une atmosphère culturelle internationale et stimulé les arts japonais contemporains vers des formes toujours plus innovantes.

Le gouvernement s’intéressa activement au marché de l’exportation d’art, promouvant les arts japonais lors d’une succession d’expositions universelles, à commencer par la Foire mondiale de Vienne de 1873 Fair.As en plus de financer massivement les foires, le gouvernement a joué un rôle actif dans l’organisation de la présentation de la culture japonaise au monde. Il a créé une société semi-publique — la Kiritsu Kosho Kaisha (Première Entreprise de Fabrication Industrielle) — pour promouvoir et commercialiser les exportations d’art et a créé le Hakurankai Jimukyoku (Bureau des expositions) pour maintenir les normes de qualité. Pour l’Exposition internationale du Centenaire de 1876 à Philadelphie, le gouvernement japonais a créé un Bureau du Centenaire et a envoyé un envoyé spécial pour sécuriser l’espace pour les 30 000 objets qui seraient exposés. La Maison impériale s’intéressa également activement aux arts et à l’artisanat, commandant des œuvres (« marchandises de présentation ») comme cadeaux pour des dignitaires étrangers. En 1890, le système Teishitsu Gigeiin (Artiste de la Maison impériale) a été créé pour reconnaître les artistes distingués; soixante-dix ont été nommés de 1890 à 1944. Parmi ceux-ci se trouvaient le peintre et laqueur Shibata Zeshin, le céramiste Makuzu Kōzan, le peintre Hashimoto Gahō et l’émailleur cloisonné Namikawa Yasuyuki.

Au fur et à mesure que les importations occidentales devenaient populaires, la demande d’art japonais diminuait au Japon même. En Europe et en Amérique, la nouvelle disponibilité de l’art japonais a conduit à une fascination pour la culture japonaise; un engouement connu en Europe sous le nom de Japonisme. Le mécénat impérial, le parrainage gouvernemental, la promotion auprès de nouveaux publics et la technologie occidentale se sont combinés pour favoriser une ère d’innovation artistique japonaise. Dans les arts décoratifs, les artistes japonais ont atteint de nouveaux niveaux de sophistication technique.

Aujourd’hui, Masayuki Murata possède plus de 10 000 œuvres d’art Meiji et est l’un des collectionneurs les plus enthousiastes. À partir de cette époque, la plupart des excellentes œuvres de l’Art Meiji ont été achetées par des collectionneurs étrangers et seules quelques-unes d’entre elles sont restées au Japon, mais parce qu’il a racheté de nombreuses œuvres de pays étrangers et ouvert le Musée Kiyomizu Sannenzaka, l’étude et la réévaluation de l’Art Meiji ont rapidement progressé au Japon après le 21e siècle. Nasser Khalili est également l’un des collectionneurs d’art Meiji les plus dévoués au monde, et sa collection englobe de nombreuses catégories d’art Meiji. La Famille impériale japonaise possède également d’excellentes œuvres d’art Meiji, dont certaines ont été données à l’État et sont maintenant conservées au Musée des Collections impériales.

Architecture et GardenEdit

Jardin de Murin-an, conçu par Jihei Ogawa en 1894-1898

Au début au 20ème siècle, les formes d’art européennes ont été bien introduites et leur mariage a produit des bâtiments remarquables comme la gare de Tokyo et le bâtiment de la Diète nationale qui existent encore aujourd’hui. La gare de Tokyo, un bâtiment d’architecture Giyōfū, plein de briques et de style pseudo-européen. Ce style de bâtiment a été construit dans les zones urbaines.

De nombreux nouveaux jardins japonais artistiques ont été construits par Jihei Ogawa.

PaintingEdit

M. Kume, par Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan

La première réponse des Japonais aux formes d’art occidentales a été l’acceptation à cœur ouvert, et en 1876, l’École d’Art technologique (ja:opened) a été ouvert, employant des instructeurs italiens pour enseigner les méthodes occidentales. La deuxième réponse a été un balancement pendulaire dans la direction opposée dirigé par Okakura Kakuzō et l’américain Ernest Fenollosa, qui ont encouragé les artistes japonais à conserver des thèmes et des techniques traditionnels tout en créant des œuvres plus en accord avec le goût contemporain. C’était une stratégie qui a finalement servi à étendre l’influence de l’art japonais jusqu’à Calcutta, Londres et Boston dans les années précédant la Première Guerre mondiale. À partir de ces deux pôles de la théorie artistique — dérivés respectivement de l’Europe et de l’Asie de l’Est — ont développé le yōga (« peinture de style occidental ») et le Nihonga (« peinture japonaise »), catégories qui ont conservé leur monnaie.

EnamelsEdit

Vase à motifs de fleurs et d’oiseaux, par Namikawa Yasuyuki

Pendant l’ère Meiji, l’émail cloisonné japonais a atteint un sommet technique , produisant des articles plus avancés que ceux qui existaient auparavant. La période de 1890 à 1910 était connue comme « l’âge d’or » des émaux japonais. Les artistes ont expérimenté les pâtes et le procédé de cuisson pour produire des blocs d’émail de plus en plus grands, avec moins de besoin de cloisons (bandes métalliques enfermantes). Ainsi, les émaux sont devenus un support plus pictural, avec des dessins similaires ou copiés à partir de peintures traditionnelles. Les émaux au design unique au Japon, dans lesquels des fleurs, des oiseaux et des insectes étaient utilisés comme thèmes, sont devenus populaires. En particulier, les œuvres de Namikawa Yasuyuki et Namikawa Sōsuke ont été exposées lors d’expositions universelles et ont remporté de nombreux prix. Avec les deux Namikawa, la société Ando Cloisonné a produit de nombreux cloisonnés de haute qualité. Les émaux japonais étaient considérés comme inégalés grâce aux nouvelles réalisations en matière de design et de coloration.

LacquerwareEdit

Maki-e Fuji Tagonoura, Shibata Zeshin, 1872

L’ère Meiji a vu un regain d’intérêt pour la laque alors que les artistes développaient de nouveaux designs et expérimentaient de nouvelles textures et finitions. Le maki-e (décorer la laque en poussière d’or ou d’argent) était la technique la plus courante pour la laque de qualité à cette époque. Shibata Zeshin était un laqueur qui a acquis une grande réputation pour ses œuvres du Bakumatsu à l’ère Meiji. La laque appelée Shibayama et Somada, créée à l’époque d’Edo, est devenue populaire pour son style voyant, incrusté d’or, d’argent, de coquillages, d’ivoire et de métal et de verre colorés, et a atteint son apogée pendant cette période. La laque des ateliers japonais a été reconnue comme techniquement supérieure à ce qui pouvait être produit partout ailleurs dans le monde.

MetalworkEdit

Koro, argent décoré de métaux précieux et de cristal de roche, 1890