“Mirror, mirror, on the wall, who’s the fairest … sabes que mais, esquece. Estou bem.”Michael (Jim Parsons) and Donald (Matt Bomer) in The Boys in The Band. Everett Scott Branco/NETFLIX ocultar legenda

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“espelho, Espelho na parede, quem é a mais justa … sabes que mais, esquece. Estou bem.”Michael (Jim Parsons) and Donald (Matt Bomer) in The Boys in The Band.

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Inspirado, pelo menos em parte, pelo crítico de Stanley Kauffman desafio para gays dramaturgos abandonar todas as dicas e codificação e velada metáfora de modo a honesta e abertamente retratam a vida dos homossexuais em seu trabalho, de Mart Crowley e Os Meninos da Banda estreou off-Broadway, em 1968.

a estrutura era simples e não, para qualquer teatrólogo regular, não familiar: ao longo de uma noite, os personagens se reúnem, se embebedam e se voltam uns contra os outros. Dizem-se coisas que não podem ficar por dizer. Segredos são revelados. Cortina,luzes da casa.a diferença, é claro, foi que 1.It era um grupo de homens gays a reunir-se, a beber e a atacar, e dois. A vida dos homens gays em 1968 sendo o que eles eram, a maioria das chicotadas que ocorrem no palco acabou por ser auto-flagelação. Estes personagens eram cáusticamente engraçados, Sim, mas também estavam cheios de culpa, vergonha e auto-ódio.

a peça foi um sucesso, e foi transformado em um filme de stagey dirigido por William Friedkin em 1970. O filme não foi um sucesso.

havia muitas razões para isso, mas certamente uma delas deve ter sido o que aconteceu no ano que caiu entre a estréia da peça e a estréia do filme: os motins de Stonewall de 1969.

o humor tinha mudado. Para muitos teatros em 1968, entrar na cidade de Scarsdale ou Ronkonkoma para tomar “the homosexual play” deve ter parecido uma maneira de mergulhar um dedo do pé na contracultura boêmia que a revista Life estava sempre acontecendo. Após a revolta de Stonewall, no entanto, a comunidade queer foi flush com um senso de raiva justa e desafio. De repente, o aglomerado de Crowley de virada para dentro, neurótico, auto-aversão, mas extremamente confortável (principalmente) homens brancos não parecia mais uma declaração ousada. Pareciam Caricaturas largas do canto mais escuro e autoconsciente do armário.

mas a decisão de Crowley de centrar uma peça na vida dos homens gays em 1968 foi importante, e permanece assim, em termos de representação da mídia de grupos marginalizados. Representações de bichas no entretenimento têm geralmente seguido a mesma série lenta e constante de passos, ao longo do tempo, que representações de mulheres e pessoas de cor têm:primeiro, somos o vilão-o inimigo que o herói (Branco, hetero, masculino) deve vencer, para restabelecer o status quo.a seguir, somos a vítima – a pobre alma lastimável que o herói (Branco, heterossexual, masculino) deve defender abnegadamente (ou, muitas vezes, vingar) para estabelecer a sua virtude.então, somos o aliado – o ajudante, o amigo atrevido que dispara uma linha afiada para encorajar o herói a perseguir o seu sonho.finalmente, se tivermos sorte, após anos de luta, seremos o nosso próprio herói, contando as nossas próprias histórias.os rapazes da banda saltaram a linha. Crowley colocou seus homens gays no centro do palco, no centro de suas próprias histórias, e fez isso com uma honestidade que não estava interessado em defesa, desculpas ou auto – justificação. Isso porque, crucialmente, a lente através da qual o público viu a ação da peça não pertencia ao mundo reto, e não fez concessões a ela. A peça mal reconheceu o mundo hetero, pelo menos não de uma forma que tinha personagens raiando contra a homofobia opressiva. Mas então, não foi necessário, como o ponto de Crowley é que seus personagens interiorizaram tanto a repulsa cultural pela homossexualidade que eles se tornaram seus próprios vilões, vítimas e, apenas de má vontade, aliados.ao longo dos anos, tanto a peça como o filme tiveram seus defensores vocais, mas por um longo tempo, muitos na comunidade queer os mantiveram em baixa estima. Queer theater e queer cinema, que cresceu desafiador nos anos após Stonewall, assumiu um novo senso de urgência e raiva como a AIDS devastou a comunidade. Perante a epidemia, as confortáveis rainhas de caxemira de Crowley a trocarem as suas barbas cansadas pareceram loucamente inessenciais, até mesmo insensíveis, e frases como “mostra-me um homossexual feliz e eu mostro-te um cadáver gay” assumiram uma nova patina de falta de gosto.a versão cinematográfica dos meninos da banda que estreou hoje no Netflix é uma adaptação do breve, amplamente elogiado all-star, all-queer 2018 Broadway run que marcou seu 50º aniversário. Eu digo adaptação; é mais um corte-e-pasta, como todo o elenco da Broadway permanece intacto, reprisando seus respectivos papéis, juntamente com o diretor Joe Mantello. Tentativas foram feitas para melhorar a peça em torno de suas bordas — o filme começa com uma montagem dos vários personagens indo sobre o seu dia antes de ir para a festa de aniversário. Mas os rapazes da banda continuam a ser um esforço de stand-and-deliver em que os personagens são tão aptos a lançar em monólogos como eles são para manter uma conversa. a encenação é um pouco amenizada pelos atores do filme — que, mais do que o elenco de 1970 conseguiu fazer, calibram suas performances para a intimidade da câmera, em vez da parte de trás da casa. Há uma qualidade imperdoável para, digamos, o retrato de Tuc Watkins de um homem “hetero” no processo de divórcio de sua esposa em favor de Larry (Andrew Rannells) um espírito livre louche que em um ponto entrega uma monografia contra a monogamia.mas essa qualidade ligeiramente refinada não serve bem a todos.: O inquietantemente simétrico Donald de Matt Bomer-que é, no papel, uma confusão neurótica e angustiada — surge como uma cifra calma e branda, e suas primeiras expressões de nervosismo soam falsas, como se ele estivesse expressando auto-depreciação em um esforço para se apegar aos outros. (Uma Boazona feita para a era do Twitter!)

A melhor coisa sobre a peça e o filme, estruturalmente, é a sua isca-e-interruptor central: A festa de aniversário em questão está sendo lançada para Harold (Zachary Quinto), que não aparece até a pausa do ato, permitindo que os outros personagens para falar sobre o quão desagradável e vingativo ele é antes de ele chegar. Mas é claro, é o lançador de festas de aniversário Michael (Jim Parsons), o nosso personagem central aparentemente simpático, que acaba por ser o verdadeiro lançador de bombas, à medida que ele desce para a hostilidade embriagada e vituperativa. Quinto está pendurado na periferia da peça, mas coloca uma volta de Eartha Kitt na sua entrega, fazendo com que cada linha de diálogo descreva um arco gracioso e filigreado através do ar desordenado apartamento de Michael em West Village. Parsons excavates the despair at the core of Michael wry persona, and he does drunk great (they don’t give Oscars for drunk-walking, but if they did, he would walk away with one, overcorting for every tiny stumble along the way.)

Esses são os grandes atores, mas os artistas que recebem menos linhas –Robin de Jesús e Michael Benjamin Washington — que fazem a maior impressões, no final do jogo quando o álcool combina com uma sala mal-considerado jogo de festa que deixa seus personagens emocionalmente feridos.

O elevador mais pesado, em termos de desempenho, é suportado por Brian Hutchison, como visitante de Michael, putativamente heterossexual antigo colega de quarto da Faculdade. O personagem é pouco desenhado — ele só está lá para conduzir o enredo — e suas ações não são claramente motivadas (não importa o ataque do personagem de Jesús, por que em nome de Judy não o cara simplesmente sair?) but Hutchison gamely attempts to connect the script’s disparate dots; he mostly succeeds.

O que é impressionante é como esta peça é provável que aterre, em 2020, com os telespectadores que ainda não estão familiarizados com ela. Porque é provável que lhes pareça…estranhamente familiar.os ritmos do diálogo de Crowley, a aridez destes pacóvios, até mesmo o centro da peça “os piores homofóbicos são secretamente gays” – a espinha dorsal narrativa-nos anos desde que a peça estreou, eles foram absorvidos por centenas, mesmo milhares de outras peças, filmes e programas de televisão. Dizer que ver os rapazes e a banda hoje é como descobrir um episódio perdido, prolongado e muito especial de Will e Grace-completo com dublê de celebridades! — não é para denegrir a peça de Crowley, mas para abordar o quanto de seu DNA encontrou seu caminho em tantos aspectos díspares da cultura.

sim, seus personagens são tipos, que tendem a anunciar os contornos de suas personalidades imediatamente após fazer sua entrada. E sim, atacam-se uns aos outros com uma espécie de vingança brincalhona. E nada disso vai parecer particularmente inovador ou novo para qualquer um que tenha apanhado alguns minutos da Corrida De Arrasto de RuPaul: desengonçado.com uma representação mais estranha vem uma impaciência crescente com representações de vida estranha que são muito idealizadas, muito esfoladas, muito auto-conscientemente estilizadas para nos apresentar como modelos ou paragons, porque fazê-lo é reduzir-nos, eliminar a nossa complexidade e a nossa humanidade. É também valorizar as percepções de um público imaginado em linha reta sobre as nossas vidas autênticas. Crowley não criou as rainhas auto-laceradoras Dos Meninos da banda para refletir nossos melhores eus, mas para capturar e mostrar algo essencial sobre nossos verdadeiros eus, em um momento em que a maioria dos homens gays ainda escondendo os deles. O que ele encontrou não foi, e não é, bonito (Bomer conspicually excepted). Mas hoje, depois de gerações de retratos de queer media que variaram desde o desafio estridente e gráfico do Novo Cinema Queer ao schitcky, e pouco codificado setups-e-punchlines das Golden Girls, A impressão que o agora-52-ano de idade os meninos e a banda deixa com você não é mais a de desesperança e auto-aversão. Já existe há muito tempo. Seja qual for o poder único que possuiu para falar ao seu momento cultural, desvaneceu-se com esse momento, e a natureza cáustica dos seus personagens foi suavizada pelo tempo, e pelos seus muitos imitadores. o filme Netflix Contenta-se em deixar a peça de Crowley permanecer um artefato perfeitamente preservado de um momento ruim, sem lutar para impor paralelos contemporâneos ou meta-significados no topo. E esse é o impulso certo. Porque atinge impiedosamente os aspectos menos lisonjeiros da vida interior dos homens gays, não precisa de ser actual. Mas será sempre relevante.