Circuit style Japanese garden K Jacobraku-en i Okayama, påbörjad 1700

Woodblock printing: Woodblock prints användes ursprungligen för att översätta buddhistiska skrifter i åttonde århundradet i Japan. Träblockutskrift består av gravyr av bilder eller bilder på ett trästycke, som sedan pressas mot ett papper. Under åttonde århundradet ansågs träblock vara en bekväm metod för reproduktion av tryckt text tills ytterligare innovationer möjliggjorde att färg översattes på papper eller bättre känd som Nishik-e-utskrifter. Träblockutskrift var den vanliga metoden för utskrift från elfte till artonhundratalet. Nishiki – e prints producerade varor som kalendrar som vanligtvis såldes till rika samhällsmedlemmar under Edo-perioden. Under Edo-perioden avbildades dessa utskrifter händelser och scener av framstående aktörer. Ukiyo var sedan associerad med träblocktryck i början av Edo-perioden. Dessa Ukiyo målningar avbildas dagliga livet för framstående medlemmar i samhället. Ukiyo började först som handskulpterade rullar avbildade livet som en vanlig vanligare.

arkitektur: Katsura fristående palats, byggt i imitation av Genjis palats, innehåller Ett kluster av shoin-byggnader som kombinerar element i klassisk japansk arkitektur med innovativa omställningar. Hela komplexet är omgivet av en vacker trädgård med stigar för promenader.Många av de kraftfulla daimy ASICS (feodala herrar) byggde en krets stil japansk trädgård i territoriet landet, och tävlade om skönhet.

Painting: s Jacobtatsu utvecklade en fantastisk dekorativ stil genom att återskapa teman från klassisk litteratur, med briljant färgade figurer och motiv från den naturliga världen mot guldbladsbakgrund. Ett av hans finaste verk är paret skärmar vågorna på Matsushima i Freer Gallery i Washington, DC. Ett sekel senare omarbetade K Sacririn s Sacritatsus stil och skapade visuellt underbara verk unikt sin egen. Kanske hans finaste är skärmmålningarna av röda och vita plommonblommor.

skulptur: den buddhistiska munken Enk Jacobi ristade 120 000 buddhistiska bilder i en grov, individuell stil.

tre skönheter i dag, av Utamaro, c. 1793

den tryckta röda Fuji från Hokusais serie trettiosex visningar av Mount Fuji

plötslig dusch vid atake Bridge, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e och Nanga (Bunjinga): konstskolan som är mest känd i väst är Ukiyo-e-målningarna och träblockavtryck av ukiyo-e och Nanga demimonde, världen av kabuki-teatern och nöjesdistrikten. Ukiyo – e utskrifter började produceras i slutet av 17-talet; i 1765 Harunobu producerade den första polykrom tryck. Utskriftsdesigners av nästa generation, inklusive Torii Kiyonaga och Utamaro, skapade eleganta och ibland insiktsfulla skildringar av kurtisaner.

på 19-talet var de dominerande figurerna Hokusai och Hiroshige, den senare en skapare av romantiska och något sentimentala landskapstryck. De udda vinklar och former genom vilka Hiroshige ofta betraktade landskap, och Kiyonaga och Utamaros arbete, med tonvikt på plana plan och starka linjära konturer, hade en djupgående inverkan på sådana västerländska konstnärer som Edgar Degas och Vincent van Gogh. Via konstverk som hålls i västerländska museer skulle samma tryckmakare senare utöva ett kraftfullt inflytande på de bilder och estetiska tillvägagångssätt som används av tidiga modernistiska poeter som Ezra Pound, Richard Aldington och H. D.en skola för målning samtida med ukiyo-e var nanga, eller bunjinga, en stil baserad på målningar utförda av kinesiska forskare-målare. Precis som Ukiyo-e-artister valde att skildra figurer från livet utanför Tokugawa-shogunatets strikturer, vände bunjin-artister sig till Kinesisk kultur. Exemplarerna av denna stil är ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden och Yamamoto Baiitsu (ja:Kubi).

keramik

huvudartiklar: Japanskt keramik och porslin och japanskt exportporslin

traditionellt, mestadels stengods, stilar fortsatte i många delar av Japan, men japansk keramik omvandlades runt början av Edo-perioden, av en stor tillströmning av koreanska keramiker, fångade eller övertalade att emigrera under de japanska invasionerna av Korea på 1590-talet. många av dessa bosatte sig på södra ön Kyushu, och de tog med sig erfarenhet av versioner av den kinesiska stilkammare klättringsugnen, kallad noborigama i Japan, vilket möjliggjorde höga temperaturer med mer exakt kontroll. Omkring 1620 hade de upptäckt avlagringar av kaolinit och började göra Porslin för första gången i Japan. De tidiga varorna (kallade ”Early Imari”) var relativt små och imiterade det kinesiska underglaset blått och vitt porslin, som Japan hade importerat under en tid.porslinsindustrin expanderade kraftigt i slutet av 1650-talet, eftersom den kinesiska industrins kollaps från inbördeskriget ledde till mycket stora order från de kinesiska handlarna och det Nederländska Ostindiska företaget, då handlarna bara fick göra affärer i Japan. Den första stora perioden av japanskt exportporslin varade fram till omkring 1740-talet, och den stora delen av japanskt porslin gjordes för export, mestadels till Europa, men också den islamiska världen väster och söder om Japan.

• Ko-Kutani (gamla Kutani) fem färger Iroe typ skull ewer med fågel och blomma design i overglaze emalj, Edo period, 17th century

• ko-Imari maträtt, 1700-1740

lackvaror:

Huvudartikel: Japansk lack

med utvecklingen av ekonomi och kultur har den konstnärliga kvaliteten på lackerade möbler förbättrats. Hon ’ ami k Jacobetsu och Ogata K Jacobrin förde designen av Rinpa School of painting till lackvaror. Efter mitten av Edo-perioden började INR Kubi för bärbara medicinbehållare dekoreras gorgeously med maki-e och raden, och det blev populärt bland samurai-klassen och rika köpmän i ch jacobnin-klassen, och i slutet av Edo-perioden ändrades det från praktiska tillbehör till konstsamlingar. Exporten av lackvaror fortsatte efter Azuchi-Momoyama-perioden. Marie Antoinette och Maria Theresa är kända som samlare av japanska lackvaror under denna period.

• Inro och Netsuke, 18th century

• skrivlacklåda med iris på yatsuhashi, av Ogata k jacogrin. Nationell skatt

konst av Förkrigstidenredigera

ytterligare information: Meiji (era), när Japans kejsare återfick den styrande makten 1868, invaderades Japan återigen av nya och främmande kulturformer. Under förkrigstiden ledde införandet av västerländska kulturvärden till en dikotomi i japansk konst, liksom i nästan alla andra aspekter av kulturen, mellan traditionella värderingar och försök att duplicera och assimilera en mängd olika kolliderande nya ideer. Denna splittring förblev tydlig i slutet av 20-talet, även om mycket syntes hade då redan inträffat, och skapade en internationell kulturell atmosfär och stimulerade samtida japansk konst mot allt mer innovativa former.

regeringen tog ett aktivt intresse för konstexportmarknaden och främjade japansk konst på en rad världsmässor, som började med 1873 Wienvärldens Fair.As förutom att kraftigt finansiera mässorna tog regeringen en aktiv roll för att organisera hur Japans kultur presenterades för världen. Det skapade ett semi-offentligt företag-Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — för att främja och kommersialisera export av konst och etablerade Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) för att upprätthålla kvalitetsstandarder. För 1876 Centennial International Exhibition i Philadelphia skapade den japanska regeringen ett Centennialkontor och skickade en särskild sändebud för att säkra plats för de 30 000 objekt som skulle visas. Det kejserliga hushållet intresserade sig också aktivt för konst och hantverk, idrifttagande verk (”presentationsvaror”) som gåvor för utländska dignitarier. År 1890 skapades Teishitsu Gigeiin (konstnär till det kejserliga hushållet) för att känna igen framstående konstnärer; sjuttio utsågs från 1890 till 1944. Bland dessa var målaren och lackkonstnären Shibata Zeshin,keramicisten Makuzu K.

När västerländsk import blev populär minskade efterfrågan på japansk konst inom Japan själv. I Europa och Amerika ledde den nya tillgängligheten av japansk konst till en fascination för japansk kultur; en vurm känd i Europa som Japonisme. Imperial beskydd, regeringens sponsring, marknadsföring till ny publik och västerländsk teknik kombineras för att främja en era av japansk konstnärlig innovation. I dekorativ konst nådde japanska konstnärer nya nivåer av teknisk sofistikering.idag äger Masayuki Murata mer än 10 000 Meiji-konstverk och är en av de mest entusiastiska samlarna. Från den tiden, de flesta av de utmärkta verk av Meiji konst köptes av utländska samlare och endast ett fåtal av dem kvar i Japan, men eftersom han köpte tillbaka många verk från utlandet och öppnade Kiyomizu Sannenzaka Museum, studien och omvärdering av Meiji Konst snabbt avancerade i Japan efter det 21: a århundradet. Nasser Khalili är också en av världens mest hängivna samlare av Meiji konst, och hans samling omfattar många kategorier av Meiji konst. Den japanska kejserliga familjen äger också utmärkta verk av Meiji-konst, av vilka några donerades till staten och lagras nu i Museum of the Imperial Collections.

arkitektur och Trädgårdredigera

trädgård av Murin-an, designad av Jihei Ogawa 1894-1898

i början 20th century, Europeiska konstformer introducerades väl och deras äktenskap producerade anmärkningsvärda byggnader som Tokyo tågstation och National Diet Building som fortfarande finns idag. Tokyo Station, en byggnad av GIY Ubif Ubic arkitektur, full av tegel och pseudo-europeisk stil. Denna byggnadsstil byggdes i stadsområden.

många konstnärliga nya japanska trädgårdar byggdes av Jihei Ogawa.

Målningsedit

Mr Kume , av Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan

Japans första svar på västerländska konstformer var öppenhjärtad acceptans, och 1876 teknologisk konstskola(ja:S) öppnades, anställa italienska instruktörer för att undervisa västerländska metoder. Det andra svaret var en pendelsving i motsatt riktning som leddes av Okakura Kakuz Kubi och den amerikanska Ernest Fenollosa, som uppmuntrade japanska artister att behålla traditionella teman och tekniker samtidigt som de skapade verk mer i linje med modern smak. Detta var en strategi som så småningom tjänade till att utvidga inflytandet från japansk konst så långt som Calcutta, London och Boston under åren fram till första världskriget. Av dessa två polacker av konstnärlig teori-härledda från Europa respektive från Östasien-utvecklade y kubga (”västerländsk målning”) och Nihonga (”japansk målning”), kategorier som har behållit valuta.

EnamelsEdit

blomma och fågel mönster vas, av Namikawa Yasuyuki

under Meiji-eran nådde japanska cloisonn peak, producerar objekt mer avancerade än någon som hade funnits tidigare. Perioden från 1890 till 1910 var känd som ”guldåldern” av japanska emaljer. Konstnärer experimenterade med pastor och med avfyrningsprocessen för att producera allt större block av emalj, med mindre behov av cloisons (omslutande metallremsor). Således blev emaljer ett mer bildmedium, med mönster som liknar eller kopieras från traditionella målningar. Emaljer med en design som är unik för Japan, där blommor, fåglar och insekter användes som teman, blev populära. I synnerhet uppvisades verk av Namikawa Yasuyuki och Namikawa s Sirasuke på världsmässor och vann många utmärkelser. Tillsammans med de två Namikawa har Ando Cloisonn Uzbei-företaget producerat många högkvalitativa cloisonne. Japanska emaljer betraktades som oöverträffade tack vare de nya prestationerna inom design och färgning.

Lackvareedit

Maki-e Fuji Tagonoura, Shibata Zeshin, 1872

Meiji-eran såg ett förnyat intresse för lack när konstnärer utvecklade nya mönster och experimenterade med nya texturer och finish. Maki-e (dekorera lacken i guld eller silverdamm) var den vanligaste tekniken för kvalitetslackvaror under denna period. Shibata Zeshin var en lack som fick ett högt rykte för sina verk från Bakumatsu till Meiji-perioden. Lack som heter Shibayama och Somada, skapad under Edo-perioden, blev populär för sin pråliga stil, inlagd med guld, silver, skaldjur, elfenben och färgstark metall och glas och nådde sin topp under denna period. Lack från japanska verkstäder erkändes som tekniskt överlägsen vad som kunde produceras någon annanstans i världen.

MetalworkEdit

Koro, silver dekorerad med ädla metaller och Bergkristall, 1890

i början av Meiji-eran, japanska metallarbeten var nästan helt okänd utanför landet, till skillnad från lack och porslin som tidigare hade exporterats. Metallarbete var kopplat till buddhistisk praxis, till exempel vid användning av brons för tempelklockor och rökelsekannor, så det fanns färre möjligheter för metallarbetare när buddhismen förflyttades som statsreligion. Internationella utställningar förde Japansk gjuten brons till en ny utländsk publik och lockade starkt beröm. Samurai-vapens tidigare historia utrustade japanska metallarbetare för att skapa metalliska ytor i ett brett spektrum av färger. Genom att kombinera och efterbehandla koppar, silver och guld i olika proportioner skapade de specialiserade legeringar inklusive shakud Jacobi och shibuichi. Med denna mängd legeringar och ytbehandlingar kan en konstnär ge intrycket av fullfärgsdekoration.

porslin och EarthenwareEdit

lergods skål av Yabu Meizan, cirka 1910

tekniska och konstnärliga innovationer från Meiji-eran gjorde porslin till en av de mest internationellt framgångsrika japanska dekorativa konstformerna. Satsuma ware var ett namn som ursprungligen gavs till keramik från Satsuma-provinsen, omsorgsfullt dekorerad med förgylld och emalj. Dessa varor berömdes mycket i väst. Sett i väst som distinkt japanska, denna stil faktiskt skyldig mycket till importerade pigment och västerländska influenser, och hade skapats med export i åtanke. Workshops i många städer tävlade för att producera denna stil för att tillgodose efterfrågan från Europa och Amerika, som ofta producerar snabbt och billigt. Så termen ”Satsuma ware” kom att associeras inte med en ursprungsort utan med varor av lägre kvalitet som skapats enbart för export. Trots detta upprätthöll artister som Yabu Meizan och Makuzu K Jacobzan de högsta konstnärliga standarderna samtidigt som de framgångsrikt exporterade. Från 1876 till 1913 vann K Cigarzan priser på 51 utställningar, inklusive världsmässan och National Industrial Exhibition.

TextilesEdit

en sammansatt imaginär vy av Japan: silketextilkonstverk

1902 års upplaga av Encyclopedia Asicdia Britannica skrev, ”i nr gren av tillämpad konst visar Japans dekorativa geni mer attraktiva resultat än textiltyger, och i ingen har det varit mer iögonfallande framsteg under de senaste åren.”Mycket stora, färgglada bildverk producerades i Kyoto. Broderi hade blivit en konstform i sig och antog en rad bildtekniker som chiaroscuro och flygperspektiv.

efterkrigstidens konstredigera

omedelbart efter Japans nederlag under andra världskriget 1945 föll ett stort antal japanska konstnärer under påverkan av eller till och med gick med i Japans kommunistiska parti, som just hade legaliserats av USA.- ledde militär ockupation av Japan efter många års förtryck av den japanska polisen före kriget och krigstiden. Detta hade att göra med framgången för kommunistpartiet hade i peddling uppfattningen under de tidiga efterkrigsåren att partiet hade varit den enda gruppen i Japan som har motstått krigstid militarism. Dessutom råkar det japanska ordet för ”avantgarde” (kub, zen ’ ei), som i ”avantgarde av den kommunistiska revolutionen”, vara samma ord som används för ”Avantgarde” som i den konstnärliga avantgarde. Japans kommunistiska parti kom snart att dominera de stora konstföreningarna och utställningarna i Japan, och därmed var den dominerande konstformen i omedelbar efterdyning av kriget socialistisk realism som avbildade de fattigas lidande och arbetarklassens adel, i linje med kommunistpartiets doktrin att all konst skulle tjäna syftet att främja revolutionens sak. År 1952 beordrade kommunistpartiet till och med konstnärer som Hiroshi Katsuragawa och andra medlemmar av den nybildade Avantgarde Art Association (Uzbek, Zen ’ ei bijutsukai ut i bergen för att producera socialistisk realistisk konst till stöd för ”Mountain gerilla squads” som försökte underblåsa en våldsam revolution i Japan.

1950-talet: kämpar för att bryta sig loss från socialistisk realismEdit

under 1950-talet blev många japanska konstnärer alltmer desillusionerade med den styva och begränsade definitionen av ”konst” som kommunistpartiet tillämpade. Men på grund av den pågående överlägsenheten hos kommunistpartiets medlemmar och anhängare i de ledande leden av konstnärliga samhällen och utställningsjurier, tyckte konstnärer att det var extremt svårt att ens visa sin konst om de inte överensstämde med partiets riktlinjer. Vissa konstnärer skakade bort från formella offentliga utställningar. Andra sökte erkännande, ekonomiskt stöd och möjligheter att visa sin konst utomlands, såsom Gutai group of conceptual artists, grundad 1954. Ytterligare andra konstnärer använde sig av de få oskadade, ”oberoende” utställningarna i Japan, såsom Yomiuri Independent Exhibition sponsrad av Yomiuri Shinbun, som vem som helst kunde komma in.

ett sista Strå kom med de massiva Anpo-protesterna från 1960 mot säkerhetsavtalet mellan USA och Japan (känt som ”Anpo” på japanska”) gör den extremt passiva roll som det förmodligen ”vanguard” kommunistpartiet spelar. När protesterna misslyckades med att stoppa fördraget ledde en runda anklagelser till ytterligare desillusionering med kommunistpartiet och socialistisk realistisk konst, vilket fick många fler konstnärer att bryta sig loss från partiets inflytande.

1960-talet: en explosion av nya genresEdit

med dominansen av socialistisk realism bleknar, 1960-talet bevittnade en explosion av nya konstformer i Japan, som konsten expanderade i nya riktningar som bäst kan kallas ”postmodern.”Konstnärskollektiv som Neo-Dada-arrangörer, Zero Dimension och Hi-Red Center utforskade begrepp som ”icke-konst” och ”anti-konst” och genomförde en mängd djärva ”händelser”, ”händelser” och andra former av performance som syftar till att erodera gränserna mellan konst och vardag. Mono – ha-gruppen drev på samma sätt gränserna som delade konst, utrymme, landskap och miljö. Andra artister, som grafisk formgivare Tadanori Yokoo, hämtade inspiration från 1960-talets motkultur och explosionen av nya former av vuxenorienterade manga-serier. I scenkonsten, Tatsumi Hijikata banade väg för en ny form av postmodern dans som heter Butoh, och dramatiker som J Ozunr Sat Makoto skapade angura-stilen för radikal ”underjordisk” teater. Och i fotografi, fotografer som daid Kubi Moriyama pionjärer en extremt inflytelserik ny skola för efterkrigsfotografering som betonade spontanitet över noggrant iscensatt komposition och firade egenskaperna ”är, bure, bokeh” (bokstavligen ”grov, suddig, Out-of-focus”).

spridningen av nya typer av konst stöddes av den enorma tillväxten av Japans ekonomi på 1960-talet, ihågkommen som det ”japanska ekonomiska miraklet.”Under 1960-talet växte den japanska ekonomin med över 10% per år. Stigande rikedom skapade en ny klass av konsumenter som hade råd att spendera pengar på konst och stödja olika typer av konst och konstnärer. För första gången i Japans moderna historia blev det lönsamt för ett betydande antal konstnärer att leva rent genom att sälja sin konst. 1960-talets byggboom i Japan, som utjämnade den gamla trä-och-papper traditionella japanska arkitekturen och ersatte den med gnistrande megastäder av glas och stål, hjälpte till att inspirera helt nya skolor av japansk arkitektur, såsom Metabolism (arkitektur)-rörelsen ledd av Kenz Kubi Tange, som djärvt bröt sig fri från konventionella modeller och visade sig vara inflytelserik runt om i världen.samtidigt förblev konstvärlden dominerad av klick som främjade verk av vissa (vanligtvis manliga) konstnärer över andra. Eftersom det blev mycket lättare för japaner att resa utomlands på 1960-talet, hittade vissa kvinnliga artister som Yayoi Kusama och Yoko Ono bättre mottagning utomlands och decamped för konstnärliga centra som London, Paris och New York, liksom många manliga artister också.

triumfen för de nya formerna av japansk konst cementerades på Osaka World ’ s Fair 1970, där dussintals avantgarde-och konceptkonstnärer anställdes för att designa paviljonger och konstnärliga upplevelser för mässbesökare. Japansk avantgardekonst hade blivit global och hade blivit något även den konservativa regeringen var stolt över att visa upp för världen.

1970-och 1980-talet: ridning av ekonomiska bubbleEdit

1970-och 1980-talet såg japansk konst fortsätta i många av de riktningar som började på 1950-och 1960-talet, men ofta med mycket större budgetar och dyrare material. När Japans ekonomi fortsatte att expandera snabbt och så småningom växte till en av de största ekonomiska bubblorna i historien. Med japansk valuta blev otroligt stark i kölvattnet av Plaza Accord 1985 blev japanska individer och institutioner stora aktörer på den internationella konstmarknaden. Utomordentligt rika japanska mega-företag började bygga sina egna privata konstmuseer och förvärva samlingar av modern och samtida konst, och japanska konstnärer gynnades också av dessa utgifter.i synnerhet fortsatte konstnärlig produktion att trenda bort från traditionell målning och skulptur i riktning mot grafisk design, popkonst, bärbar konst, performance, konceptuell konst och installationskonst. Olika typer av” hybrid ” konst kom alltmer till mode. När tekniken avancerade införlivade konstnärer alltmer Elektronik, video, datorer, syntetiserad musik och ljud och videospel i sin konst. Estetiken i manga och anime, som så många yngre artister hade vuxit upp nedsänkt i, utövade ett ökande om ibland ganska subtilt inflytande. Framför allt undvek konstnärer allt redolent av ”high art” eller ”fine art” till förmån för det personliga, det eklektiska, det fantastiska eller fantasmagoriska och det lekfulla. I upplagan blev kvinnliga artister som Mika Yoshizawa mer och mer accepterade och stödda av konstvärlden i Japan.

samtida konst på JapanEdit

Japansk samtida konst tar lika många former och uttrycker så många olika tankar som världsomspännande samtida konst i allmänhet. Det sträcker sig från annonser, anime, videospel och arkitektur som redan nämnts, till skulptur, målning och ritning i alla sina otaliga former. Japanska konstnärer har gjort särskilt anmärkningsvärda bidrag till global samtida konst inom arkitektur, videospel, grafisk design, Mode och kanske framför allt animering. Medan anime först härrör främst från manga berättelser, varierande anime vimlar idag, och många artister och studior har stigit till stor berömmelse som artister; Hayao Miyazaki och konstnärerna och animatörerna i Studio Ghibli anses allmänt vara bland de bästa anime-världen har att erbjuda.samtidigt fortsätter många japanska konstnärer att använda traditionella japanska konstnärliga tekniker och material som ärvts från förmoderna tider, såsom traditionella former av japanskt papper och keramik och målning med svart och färgfärg på papper eller siden. Några av dessa konstverk skildrar traditionella ämnen i traditionella stilar, medan andra utforskar nya och olika motiv och stilar, eller skapar hybrider av traditionella och samtida konstformer, medan de använder traditionella medier eller material. Ytterligare andra undviker inhemska medier och stilar, omfamnar västerländska oljemålningar eller ett antal andra former.

i skulptur gäller detsamma; vissa artister håller sig till de traditionella lägena, vissa gör det med en modern stil, och vissa väljer västerländska eller helt nya lägen, stilar och media. Yo Akiyama är bara en av många moderna japanska skulptörer. Han arbetar främst i lera keramik och keramik, skapa verk som är mycket enkel och okomplicerad, ser ut som de skapades ur jorden själv. En annan skulptör, med järn och andra moderna material, byggde en stor modern konstskulptur i den israeliska hamnstaden Haifa, kallad hanabi (fyrverkerier). Nahoko Kojima är en samtida kirie-konstnär som har banat väg för tekniken för Pappersskuren skulptur som hänger i 3D.

Takashi Murakami är utan tvekan en av de mest kända japanska moderna konstnärerna i västvärlden. Murakami och de andra artisterna i hans studio skapar bitar i en stil, inspirerad av anime, som han har kallat ”superflat”. Hans bitar tar en mängd former, från målning till skulptur, några riktigt massiva i storlek. Men de flesta om inte alla visar mycket tydligt detta anime inflytande, med ljusa färger och förenklade detaljer.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, daid Kubi Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano och Tabaimo anses vara betydande konstnärer inom samtida japansk konst. Gruppen 1965, ett konstnärskollektiv, räknar samtida konstnär Makoto Aida bland sina medlemmar.