Introduction
Table Summary
| Early Renaissance ca. 1400-1500 |
High Renaissance ca. 1500-25 |
Late Renaissance ca. 1525-1600 |
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| Italy | Masaccio, Botticelli | Leonardo, Raphael, Michelangelo | Titian |
| Low Countries | van Eyck | Bruegel | |
| Germany: Dürer | Spain: El Greco (mannerism) | ||
General Features
During the Renaissance, painters embraced classicism (simplicity, balance, clarity; see Western Aesthetics) and physical realism. La Première Renaissance (dirigée par Florence) a été la période de formation de cette approche; en d’autres termes, ce sont les artistes de la Première Renaissance qui ont initialement développé et raffiné les techniques du classicisme et du réalisme physique. Une fois cette fondation établie, le summum du classicisme a été atteint dans la Haute Renaissance (dirigée par Rome). À la fin de la Renaissance (qui n’avait pas de chef particulier, bien que Florence et Rome restent des forces primaires), l’équilibre sévère et la simplicité de la Haute Renaissance étaient détendus, laissant présager l’ère baroque.
Une souche majeure de l’art de la Renaissance tardive était le maniérisme: la recherche délibérée de nouveauté et de complexité. En peinture, le maniérisme impliquait une distorsion des formes physiques (par exemple, une anatomie humaine allongée), une coloration et un éclairage non naturels, la disposition des figures dans des poses complexes et une composition quelque peu déséquilibrée et agitée (par opposition à la composition équilibrée et stable du classicisme pur).23 Le maniérisme, qui était dirigé conjointement par Florence et Rome, était donc tout à fait artificiel et artificiel (c’est-à-dire « maniéré »), d’où son nom. Bien que seule une partie des artistes de la Renaissance tardive appartienne à ce mouvement, les caractéristiques du maniérisme (et sa volonté pure de « briser les règles ») ont eu une grande influence.
Article principal
Les Pays bas
Alors que l’Italie était le cœur de la Renaissance, elle n’était pas la seule à rechercher une peinture physiquement réaliste. Cette poursuite a également été entreprise dans les Pays-Bas (une région qui correspond à peu près à la Belgique et aux Pays-Bas modernes), mais pour des raisons très différentes. Les artistes italiens ont poursuivi le réalisme physique parce qu’il était une composante du classicisme (c’est-à-dire qu’il était utilisé dans l’art de l’antiquité classique); ils souhaitaient avant tout faire revivre l’art de l’Europe classique et l’appliquer aux œuvres chrétiennes. Les peintres des Pays-Bas, d’autre part, étaient simplement passionnés par la capture précise du monde physique qui les entourait.
Le classicisme, après tout, n’appelle qu’un degré limité de réalisme physique. Dans une peinture classique, les détails sont simplifiés (par exemple, robes unies, décors clairsemés) afin de ne pas détourner l’attention du sens général de l’équilibre, de l’harmonie et de la simplicité. Une œuvre classique s’intéresse principalement à la composition dans son ensemble, pas aux détails fins. Cela peut être observé dans les visages classiques (qui ont des caractéristiques génériques idéalisées) et les paysages (qui sont représentés de manière simplifiée et idéalisée).
Les artistes des Pays-Bas, débridés par le classicisme, étaient désireux de peindre le monde qui les entourait dans les moindres détails. Par conséquent, c’est dans les Pays-Bas de la Renaissance que la peinture de genre (peintures de la vie quotidienne) et la peinture de paysage ont émergé. (À l’âge baroque ultérieur, la peinture de genre et les paysages deviendraient enfin des formes dominantes de l’art occidental.) L’Italie de la Renaissance, quant à elle, était principalement préoccupée par des sujets nobles (principalement bibliques, mais aussi classiques et historiques) dans lesquels les figures humaines étaient le centre d’intérêt principal.F207
Ainsi la Renaissance a-t-elle présenté deux régions d’innovation de premier plan dans la peinture occidentale: l’Italie et les Pays-Bas. (Dans les domaines de l’architecture et de la sculpture, l’Italie ne connaissait pas de rival.) À mesure que la Renaissance s’étirait, l’influence des deux régions rayonnait à travers le continent (voir Diffusion de la Renaissance).
Perspective
Conformément à la réputation de polyvalence de l ‘ »homme de la Renaissance », les deux principaux architectes du début de la Renaissance ont apporté une contribution essentielle au monde de l’art visuel: Brunelleschi a élaboré les lois mathématiques de la perspective linéaire et Alberti a développé un système pratique pour les appliquer à la peinture. Ce système, qui a été affiné tout au long de la Renaissance, a finalement permis la création d’illusions tridimensionnelles précises sur des surfaces planes. Comme le mouvement de la Renaissance en général, la perspective linéaire s’est progressivement diffusée depuis l’Italie à travers l’Europe occidentale.4,49
Une perspective vraiment réaliste ne peut cependant pas être obtenue sans augmenter la perspective linéaire avec la perspective atmosphérique (aka la perspective aérienne). Ce type de perspective dicte qu’à mesure que les objets deviennent plus éloignés, ils deviennent moins détaillés et leurs couleurs deviennent plus froides et moins saturées. (Le terme « atmosphérique » reconnaît que ces effets sont causés en partie par l’humidité et la poussière dans l’atmosphère terrestre.) L’utilisation de la perspective atmosphérique dans l’art remonte à l’antiquité.50
Début de la Renaissance
ca. 1400-1500
Le fondateur de la peinture de la Renaissance fut Masaccio, le plus grand successeur de Giotto dans la quête de la perspective réaliste (l’articulation tridimensionnelle de l’espace), de la modélisation (l’articulation tridimensionnelle des surfaces, via l’éclairage / ombrage) et de l’émotion.2,8 Son chef-d’œuvre est Tribute Money, qui fait partie d’une série de peintures murales à la chapelle Brancacci, à Florence. Ce travail montre comment le halo, vestige de l’art médiéval, est adapté à un environnement tridimensionnel comme s’il s’agissait d’un disque solide; le halo finira par disparaître complètement à la Renaissance, bien que certains artistes l’aient modifié en une lumière réaliste brillant de la tête d’une figure.43
L’autre peintre de premier plan du début de la Renaissance était Sandro Botticelli. Ses deux œuvres les plus importantes, Primavera et Naissance de Vénus, sont peut-être les plus célèbres de toutes les peintures du début de la Renaissance.E33, F199
Tout au long du XVe siècle, la peinture de la Renaissance a diffusé à travers l’Italie, avec Venise émergeant comme le principal centre de la Renaissance du nord de l’Italie. Les peintres qui ont travaillé dans cette ville (à la Renaissance et au-delà) sont appelés collectivement l’école vénitienne. La peinture de l’école vénitienne a tendance à présenter des couleurs chaudes et vibrantes et un éclairage puissant.29
Linéaire vs. Peinture picturale
La peinture traditionnelle de la Renaissance en Italie, dirigée par Florence et Rome, est généralement exécutée dans un style linéaire. Un artiste crée une peinture de style linéaire en dressant un croquis précis de la scène, puis en peignant dans les couleurs. Comme les couleurs sont soigneusement contenues dans les lignes du dessin (d’où le terme « linéaire »), les objets d’une peinture de style linéaire ont des formes nettement définies.
La peinture vénitienne, d’autre part, présente généralement un style plus pictural.F429 Dans une peinture de style pictural, l’artiste se préoccupe moins de contenir la couleur dans les lignes ; la liberté de la peinture prime sur les formes nettement définies. De plus, la coloration de la peinture vénitienne est typiquement vibrante, tandis que celle de la peinture traditionnelle de la Renaissance est plus sobre.
Le choix du style (linéaire ou pictural) affecte l’impact global d’une œuvre. Dans la peinture italienne traditionnelle, l’œil tend à être attiré principalement par les formes (c’est-à-dire les lignes et les formes qui définissent les objets); dans la peinture vénitienne, par les zones de couleur. Ainsi, en termes de composition classique équilibrée, le peintre italien dominant s’est concentré sur l’arrangement des formes, tandis que le peintre vénitien s’est concentré sur l’arrangement des zones de couleur.F248-50
Peinture des Premiers Pays Bas
env. 1400-1500
La peinture du XVe siècle de la région des Pays-Bas est appelée peinture des Premiers Pays-Bas (ou « Début flamand » ou « Début néerlandais »). Les premiers artistes des Pays-Bas ont développé la peinture à l’huile moderne. Par rapport à la peinture à l’eau (le type jusqu’ici standard), la peinture à l’huile est plus facile à travailler et plus lente à sécher, ce qui donne à l’artiste un degré de contrôle beaucoup plus fin (ce qui était crucial pour capturer les détails fins).10
De plus, alors que la peinture à base d’eau est opaque, la peinture à l’huile est translucide. La peinture à l’huile peut donc être construite en couches pour produire des couleurs brillantes et brillantes (car la lumière traverse les couches). Cela a permis des couleurs d’une luminosité et d’une saturation sans précédent (voir Théorie des couleurs), éléments clés de la peinture très réaliste.D219, G288
Jan van Eyck, premier des premiers peintres des Pays-Bas, perfectionna les techniques de préparation et de superposition de peinture à l’huile (pour laquelle il a été surnommé le « père de la peinture à l’huile »). Après ce triomphe, l’huile est progressivement devenue le support de peinture standard à travers l’Europe. Le Retable de Gand (sur lequel Jan a collaboré avec son frère) est considéré comme la plus grande œuvre de van Eyck. (Un retable est un ensemble de peintures sur panneau placées derrière un autel.) F179, G291, 11, 15
Le mariage d’Arnolfini est le portrait le plus célèbre de van Eyck. Les vêtements du couple, le manteau du chien et le tapis à motifs séduisent l’œil avec leurs textures finement rendues. De nombreux objets inclus dans la peinture ont été délibérément plantés pour transmettre des significations symboliques (voir interprétations), une pratique courante dans l’art des Pays-Bas.45
High Renaissance
ca. 1500-1525
High Renaissance painting was led by three artists: Leonardo, Michelangelo, and Raphael.17 Alors que les carrières de Léonard et de Raphaël ont culminé et se sont terminées avec la Haute Renaissance, la carrière de Michel-Ange a grimpé en flèche pendant la Haute Renaissance et s’est poursuivie jusqu’à la fin de la Renaissance. L’influence du maniérisme peut être vue dans les œuvres ultérieures de Michel-Ange.
Léonard de Vinci, dont les œuvres survivantes sont peu nombreuses, a établi la composition pyramidale comme structure standard des peintures de la Haute Renaissance (voir Composition visuelle). Da Vinci a été le pionnier de ce type de composition dans Virgin of the Rocks, son œuvre la plus ancienne. La célèbre Cène est une œuvre pyramidale basse; cette peinture atteint également un équilibre émotionnel classique, en contrastant l’agitation des disciples avec le sang-froid du Christ.25
À partir de la Renaissance, le portrait est un genre majeur de la peinture occidentale. L’exemple le plus important de la Renaissance est la Joconde de Léonard de Vinci, la peinture la plus célèbre de tous les temps.
Raphaël est souvent considéré comme le plus grand de tous les peintres de la Renaissance. Son œuvre la plus importante est la Vierge au Chardonneret, tandis que ses chefs-d’œuvre sont les peintures murales décorant quatre salles (connues sous le nom de Stanze di Raffaello, ou « chambres de Raphaël ») du Palais apostolique, la résidence officielle du pape.26 Primaire parmi ces peintures murales est l’École d’Athènes.
Michel-Ange était un peintre réticent, car il considérait toujours la sculpture comme sa véritable vocation. Le Doni Tondo est la seule peinture sur panneau connue de Michel-Ange, tandis que ses œuvres les plus importantes sont les peintures murales et au plafond de la Chapelle Sixtine, une autre composante du Palais apostolique. Parmi celles-ci figurent principalement neuf scènes de création au plafond, dont la Création d’Adam, ainsi que la fresque du Jugement dernier sur le mur de l’autel.26,27
Dürer
Les principales régions de la peinture occidentale à la Renaissance étaient l’Italie et les Pays-Bas; le deuxième niveau était l’Allemagne et la France. La figure exceptionnelle de la Renaissance de ce « deuxième niveau » est l’artiste allemand Albrecht Dürer, dont la carrière s’est principalement déroulée à la Haute Renaissance. Dürer est souvent considéré comme le plus grand peintre allemand, le plus grand artiste de la Renaissance d’Europe du Nord et le plus grand graveur de tous les temps.
Dürer a travaillé dans deux types de gravure: la gravure sur bois et la gravure.
Dans le milieu de la gravure sur bois, une image est sculptée sur la face d’un bloc de bois; pour être précis, l’image est effectivement surélevée en relief en découpant du matériau autour de l’image. Le visage sculpté est ensuite enduit d’encre et pressé contre une feuille de papier, créant ainsi une impression. L’invention de la gravure sur bois en Europe (réalisée dans l’Allemagne de la Renaissance) a considérablement accéléré la diffusion des mouvements artistiques occidentaux, car elle a finalement permis une diffusion rapide des illustrations à travers le continent.E43, F214
Dans l’art de la gravure (inventé peu après la gravure sur bois), une image est grattée dans une plaque métallique (de préférence en cuivre). La gravure adopte donc une approche opposée à la gravure sur bois: l’image elle-même est sculptée dans la surface, ce qui permet un degré de contrôle beaucoup plus fin. Les lignes sculptées sont ensuite remplies d’encre (en frottant l’encre sur la plaque, puis en l’essuyant), et le papier est pressé fermement contre la surface de la plaque.E43, F214, 51
La gravure peut être définie comme « la production d’une image en la rendant d’abord dans un matériau, puis en transférant l’image sur une surface ». Après la gravure sur bois et la gravure, une grande variété de techniques d’impression se sont développées, y compris la gravure à l’eau-forte (dans laquelle l’image est corrodée en une plaque de métal avec de l’acide), la lithographie (dans laquelle l’image est dessinée dans une substance grasse sur une plaque plate; lorsque la plaque est enduite et essuyée, l’encre reste sur la graisse), et le pochoir (dans lequel l’impression est créée en frottant l’encre sur un pochoir; une version populaire est la sérigraphie, ou sérigraphie, dans laquelle l’encre est frottée sur un pochoir en papier fixé sur un écran en soie).51
Renaissance tardive
ca. 1525-1600
Bien que le maniérisme ait prospéré principalement à Florence et à Rome, le plus célèbre de tous les peintres maniéristes est El Greco, le plus grand peintre espagnol de la Renaissance.35 Son œuvre principale, L’Enterrement du comte Orgaz, présente des figures allongées et des distorsions tourbillonnantes de l’espace qui produisent un effet fantastique et onirique.
Le maniérisme n’a eu qu’une influence limitée sur Titien, le plus grand de tous les peintres vénitiens. L’Assomption de la Vierge est souvent considérée comme son chef-d’œuvre. Les peintures de Titien mettent en valeur les couleurs vibrantes et l’éclairage puissant de l’école vénitienne.18
Au XVIe siècle, la peinture de la Renaissance rayonnait d’Italie à travers l’Europe. De nombreux artistes d’Europe du Nord ont répondu en fusionnant la composition classique italienne avec le réalisme finement détaillé de la peinture des Pays-Bas; ceci a été réalisé avec le plus de succès par Dürer.
Pourtant, le plus grand peintre des Pays-Bas du XVIe siècle, Pieter Bruegel (l’Ancien), a choisi de ne pas embrasser l’art italien. Au lieu de scènes bibliques à structure classique, Bruegel préférait raconter la vie quotidienne des paysans contre des intérieurs et des paysages réalistes.H804, 15, 38 Mariage paysan peut être son œuvre la plus célèbre.