- Jōmon artEdit
- Principios del período Jōmoneditar
- Período Jōmon Medioeditar
- Período Jōmon tardío y finaleditar
- Yayoi artEdit
- Kofun artEdit
- Asuka y Nara artEdit
- Heian artEdit
- Kamakura artEdit
- Muromachi artEdit
- Azuchi-Momoyama artEdit
- Arte del período Edoeditar
- el Arte de la Guerra periodEdit
- Arquitectura y jardín Edit
- PaintingEdit
- Esmaltoseditar
- LacquerwareEdit
- MetalworkEdit
- Porcelana y barro Edit
- TextilesEdit
- Arte de la Posguerra.
- La década de 1950: Luchando por liberarse del realismo socialEditar
- La década de 1960: Una explosión de nuevos genreseditar
- Las décadas de 1970 y 1980: Montando la burbuja económicaeditar
- Arte contemporáneo en JapónEditar
Jōmon artEdit
los colonos de Japón eran el pueblo Jōmon (c. 10.500 – c. 300 a. C.), llamado así por las marcas de cuerdas que decoraban las superficies de sus vasijas de barro, eran cazadores-recolectores nómadas que más tarde practicaron la agricultura organizada y construyeron ciudades con poblaciones de cientos, si no miles. Construyeron casas sencillas de madera y paja colocadas en pozos de tierra poco profundos para proporcionar calor desde el suelo. Elaboraron recipientes de almacenamiento de cerámica profusamente decorados, figuras de arcilla llamadas dogū y joyas de cristal.
Principios del período Jōmoneditar
Durante el período Jōmon (5000-2500 a. C.), comenzaron a descubrirse aldeas y se encontraron objetos cotidianos, como ollas de cerámica destinadas a hervir agua. Las macetas que se encontraron durante este tiempo tenían fondos planos y diseños elaborados hechos de materiales como el bambú. Además, otro hallazgo importante fueron las primeras figuras Jōmon que podrían haber sido utilizadas como objetos de fertilidad debido a los pechos y la hinchazón de las caderas que exhibían.
Período Jōmon Medioeditar
El período Jōmon medio (2500-1500 a. C.), contrastado de muchas maneras con el Período Jōmon Temprano. Estas personas se volvieron menos nómadas y comenzaron a establecerse en aldeas. Crearon herramientas útiles que fueron capaces de procesar los alimentos que recolectaron y cazaron, lo que les facilitó la vida. A través de las numerosas cerámicas estéticamente agradables que se encontraron durante este período de tiempo, es evidente que estas personas tenían una economía estable y más tiempo libre para establecer piezas hermosas. Además, la gente del período Jōmon Medio se diferenciaba de sus antepasados anteriores porque desarrollaban vasijas de acuerdo con su función, por ejemplo, producían ollas para almacenar artículos. Las decoraciones de estos recipientes comenzaron a ser más realistas en comparación con las primeras cerámicas de Jōmon. En general, la producción de obras no solo aumentó durante este período, sino que estos individuos las hicieron más decorativas y naturalistas.
Período Jōmon tardío y finaleditar
Durante el Último y Último período Jōmon (1500-300 a.C.), el clima comenzó a enfriarse, lo que los obligó a alejarse de las montañas. La principal fuente de alimento durante este tiempo fue el pescado, lo que les hizo mejorar sus suministros y herramientas de pesca. Este avance fue un logro muy importante durante este tiempo. Además, el número de vasijas aumentó en gran medida, lo que podría concluir que cada casa tenía su propia estatuilla expuesta en ellas. Aunque se encontraron varias vasijas durante el Último y Último Período Jōmon, estas piezas se encontraron dañadas, lo que podría indicar que las usaron para rituales. Además, también se encontraron figuritas que se caracterizaban por sus cuerpos carnosos y sus ojos en forma de gafas.
Figuras Dogū
Los Dogū («figura de tierra») son pequeñas figuras humanoides y animales hechas durante la última parte del período Jōmon. Se fabricaron en todo Japón, excepto en Okinawa. Algunos estudiosos teorizan que el dogū actuaba como efigies de personas, que manifestaban algún tipo de magia simpática. Los Dogū están hechos de arcilla y son pequeños, típicamente de 10 a 30 cm de altura. La mayoría de las figuras parecen ser modeladas como femeninas, y tienen ojos grandes, cinturas pequeñas y caderas anchas. Son considerados por muchos como representantes de diosas. Muchos tienen abdómenes grandes asociados con el embarazo, lo que sugiere que los Jomon las consideraban diosas madres.
Yayoi artEdit
La siguiente ola de inmigrantes fue el pueblo Yayoi, llamado así por el distrito de Tokio donde se encontraron los restos de sus asentamientos. Estas personas, que llegaron a Japón alrededor del 300 a. C., trajeron sus conocimientos sobre el cultivo de arroz en los humedales, la fabricación de armas de cobre y campanas de bronce (dōtaku), y cerámicas lanzadas a ruedas y cocidas en horno.
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El período Yayoi dōtaku bell, 3er siglo CE
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espejo de Bronce excavado en Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto
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Carmaic tarro del período Yayoi
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Rituales Yayoi alfarerías de Yoshinogari Sitio
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Yayoi almacenamiento frasco de 500 A.C. – 200 CE
Kofun artEdit
La tercera etapa de la prehistoria japonesa, el período Kofun (c. 300 – 710 DC), representa una modificación de la cultura Yayoi, atribuible al desarrollo interno o a la fuerza externa. Este período es más notable por su cultura de tumbas y otros artefactos, como espejos de bronce y esculturas de arcilla llamadas haniwa, que se erigieron fuera de estas tumbas. A lo largo del período Kofun, las características de estas tumbas evolucionaron de tumbas más pequeñas erigidas en colinas y crestas a tumbas mucho más grandes construidas en tierras planas. La tumba más grande de Japón, la tumba del emperador Nintoku, alberga 46 túmulos funerarios y tiene la forma de un ojo de cerradura, una característica distintiva que se encuentra en las tumbas Kofun posteriores.
Asuka y Nara artEdit
Durante los períodos Asuka y Nara, llamados así porque la sede del gobierno japonés se encontraba en el Valle de Asuka desde 542 hasta 645 y en la ciudad de Nara hasta 784, la primera afluencia significativa de cultura asiática continental tuvo lugar en Japón.
La transmisión del budismo proporcionó el impulso inicial para los contactos entre China y Japón. Los japoneses reconocieron las facetas de la cultura china que podrían incorporarse a la suya: un sistema para convertir ideas y sonidos en escritura; historiografía; teorías complejas del gobierno, como una burocracia efectiva; y, lo más importante para las artes, nuevas tecnologías, nuevas técnicas de construcción, métodos más avanzados de fundición en bronce y nuevas técnicas y medios para pintar.
A lo largo de los siglos VII y VIII, sin embargo, el foco principal en los contactos entre Japón y el continente asiático fue el desarrollo del budismo. No todos los eruditos están de acuerdo en las fechas significativas y los nombres apropiados para aplicar a varios períodos de tiempo entre 552, la fecha oficial de la introducción del budismo en Japón, y 784, cuando la capital japonesa fue transferida de Nara. Las designaciones más comunes son el período Suiko, 552-645; el período Hakuhō, 645-710, y el período Tenpyō, 710-784.
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Pagoda y Kondō en Hōryū-ji, siglo 8
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Hokkedō a Tōdai-ji, 8 el siglo
Los primeros Japoneses esculturas de Buda son de fecha para el 6 y 7 de siglo. En última instancia, derivan del arte greco – budista de Gandhara del siglo I al III d.C., caracterizado por patrones de vestimenta fluidos y representaciones realistas, en las que se superpusieron rasgos artísticos chinos. Después de que el arte budista Wei del Norte de China se infiltrara en una península coreana, varios grupos de inmigrantes trajeron iconos budistas a Japón. En particular, la forma semi-sentada de Maitreya se adaptó a un estilo de arte griego antiguo altamente desarrollado que se transmitió a Japón, como lo demuestran las estatuas de Kōryū-ji Miroku Bosatsu y Chūgū-ji Siddhartha. Muchos historiadores retratan a Corea como un mero transmisor del budismo. Los Tres Reinos, y particularmente Baekje, fueron instrumentales como agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552.Ilustran el punto final de la transmisión del arte de la Ruta de la Seda durante los primeros siglos de nuestra era. Otros ejemplos se pueden encontrar en el desarrollo de la iconografía del Dios del Viento japonés Fūjin, los guardianes Niō, y los patrones florales casi clásicos en las decoraciones de los templos.
Las primeras estructuras budistas que aún existen en Japón, y los edificios de madera más antiguos del Lejano Oriente se encuentran en el Hōryū-ji al suroeste de Nara. Construido por primera vez a principios del siglo VII como el templo privado del Príncipe Heredero Shōtoku, consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, el salón de culto principal, o Kondō (Salón Dorado), y Gojū-no-tō (Pagoda de cinco pisos), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro techado. El Kondō, al estilo de los salones de culto chinos, es una estructura de dos pisos de construcción de postes y vigas, coronada por un irimoya, o techo a dos aguas de tejas de cerámica.
Dentro del Kondō, en una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes de la época. La imagen central es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico flanqueado por dos bodisatvas, escultura fundida en bronce por el escultor Tori Busshi (florecido a principios del siglo VII) en homenaje al recientemente fallecido príncipe Shōtoku. En las cuatro esquinas de la plataforma se encuentran los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones, tallados en madera alrededor de 650. También se encuentra en Hōryū-ji el Santuario Tamamushi, una réplica de madera de un Kondō, que se encuentra sobre una base de madera alta que está decorada con pinturas figurativas ejecutadas en un medio de pigmentos minerales mezclados con laca.
La construcción del templo en el siglo VIII se centró en torno al Tōdai-ji en Nara. Construido como sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos de culto budista en Japón. Apropiadamente, el Buda de 16,2 m (53 pies) (completado 752) consagrado en la sala principal del Buda, o Daibutsuden, es un Buda Rushana, la figura que representa la esencia de la Budeidad, al igual que el Tōdaiji representaba el centro del Budismo patrocinado imperialmente y su diseminación por todo Japón. Solo sobreviven unos pocos fragmentos de la estatua original, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo.
Agrupados alrededor del Daibutsuden en una ladera de suave pendiente hay una serie de salas secundarias: el Hokke-dō (Salón del Sutra del Loto), con su imagen principal, el Fukukenjaku Kannon (Fuk空羂索観音立像, el bodisatva más popular), hecho de laca seca (tela sumergida en laca y moldeada sobre una armadura de madera); el Kaidanin (Hall, Sala de Ordenación) con sus magníficas estatuas de arcilla de los Cuatro Reyes Guardianes; y el almacén, llamado Shōsōin. Esta última estructura es de gran importancia como escondite histórico-artístico, porque en ella se almacenan los utensilios que se utilizaron en la ceremonia de dedicación del templo en 752, el ritual revelador de la imagen Rushana, así como documentos gubernamentales y muchos objetos seculares propiedad de la familia imperial.
Choukin (o chōkin), el arte del grabado o escultura en metal, se cree que comenzó en el período Nara.
Heian artEdit
En el año 794 la capital de Japón fue oficialmente transferido a Heian-kyō (la actual Kyoto), donde permaneció hasta 1868. El término período Heian se refiere a los años entre 794 y 1185, cuando se estableció el shogunato Kamakura al final de la Guerra Genpei. El período se divide en el Heian temprano y el Heian tardío, o era Fujiwara, siendo la fecha crucial 894, el año en que las embajadas imperiales en China fueron oficialmente descontinuadas.
Arte heian temprano: En reacción a la creciente riqueza y poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kūkai (mejor conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) viajó a China para estudiar Shingon, una forma de Budismo Vajrayana, que introdujo en Japón en 806. En el centro de la adoración Shingon están los mandalas, diagramas del universo espiritual, que luego comenzaron a influir en el diseño del templo. La arquitectura budista japonesa también adoptó la estupa, originalmente una forma arquitectónica india, en su pagoda de estilo chino.
Los templos erigidos para esta nueva secta se construyeron en las montañas, lejos de la Corte y de los laicos en la capital. La topografía irregular de estos sitios obligó a los arquitectos japoneses a repensar los problemas de la construcción de templos y, al hacerlo, a elegir elementos de diseño más indígenas. Los techos de corteza de ciprés reemplazaron a los de baldosas de cerámica, se utilizaron tablones de madera en lugar de pisos de tierra, y se agregó un área de culto separada para los laicos frente al santuario principal.
El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos Heian Shingon es el Murō-ji (principios del siglo IX), ubicado en lo profundo de un rodal de cipreses en una montaña al sureste de Nara. La imagen de madera (también a principios del siglo IX) de Shakyamuni, el Buda «histórico», consagrada en un edificio secundario en el Murō-ji, es típica de la escultura Heian temprana, con su cuerpo pesado, cubierto por gruesos pliegues de cortinas tallados en el estilo honpa-shiki (onda ondulada), y su expresión facial austera y retraída.
Arte Fujiwara: En el período Fujiwara, el Budismo de la Tierra Pura, que ofrecía salvación fácil a través de la creencia en Amida (el Buda del Paraíso Occidental), se hizo popular. Este período lleva el nombre de la familia Fujiwara, entonces la más poderosa del país, que gobernó como regentes del Emperador, convirtiéndose, en efecto, en dictadores civiles. Al mismo tiempo, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a búsquedas estéticas elegantes. Su mundo era tan seguro y hermoso que no podían concebir el Paraíso como algo muy diferente. Crearon una nueva forma de sala de Buda, la sala Amida, que combina lo secular con lo religioso, y alberga una o más imágenes de Buda dentro de una estructura que se asemeja a las mansiones de la nobleza.
El Hō-ō-dō (Phoenix Hall, completado 1053) de la Byōdō-in, un templo en la Uji para el sureste de Kioto, es el ejemplar de Fujiwara Amida salas. Consta de una estructura rectangular principal flanqueada por dos pasillos de alas en forma de L y un pasillo de cola, situado en el borde de un gran estanque artificial. En el interior, una sola imagen dorada de Amida (c. 1053) está instalada en una plataforma alta. La escultura de Amida fue ejecutada por Jōchō, que utilizó un nuevo canon de proporciones y una nueva técnica (yosegi), en la que se tallan múltiples piezas de madera como conchas y se unen desde el interior. Aplicado a las paredes de la sala hay pequeños grabados en relieve de celestiales, la hostia que se cree que acompañó a Amida cuando descendió del Paraíso Occidental para reunir las almas de los creyentes en el momento de la muerte y transportarlas en flores de loto al Paraíso. Las pinturas Raigō en las puertas de madera del Hō-ō-dō, que representan el Descenso del Buda Amida, son un ejemplo temprano del Yamato-e, pintura de estilo japonés, y contienen representaciones del paisaje alrededor de Kioto.
E-maki: En el último siglo del período Heian, horizontal, ilustrado narrativa handscroll, conocido como e-maki (絵巻, lit. «picture scroll»), pasó a primer plano. Que data de alrededor de 1130, el Genji Monogatari Emaki, un famoso Cuento ilustrado de Genji, representa el primer rollo de mano yamato-e que se conserva, y uno de los puntos culminantes de la pintura japonesa. Escrita alrededor del año 1000 por Murasaki Shikibu, una dama de compañía de la emperatriz Shōshi, la novela trata sobre la vida y los amores de Genji y el mundo de la corte Heian después de su muerte. Los artistas del siglo XII de la versión e-maki idearon un sistema de convenciones pictóricas que transmiten visualmente el contenido emocional de cada escena. En la segunda mitad del siglo, un estilo diferente y más animado de ilustración narrativa continua se hizo popular. El Ban Dainagon Ekotoba (finales del siglo XII), un pergamino que trata de una intriga en la corte, enfatiza figuras en movimiento activo representadas con pinceladas de ejecución rápida y colores finos pero vibrantes.
E-maki también sirven como algunos de los primeros y mejores ejemplos de los estilos de pintura otoko-e («cuadros de hombres») y onna-e («cuadros de mujeres»). Hay muchas diferencias finas en los dos estilos, apelando a las preferencias estéticas de los géneros. Pero tal vez lo más fácil de notar son las diferencias en el tema. Onna-e, personificado por la historia de Genji handscroll, se ocupa típicamente de la vida de la corte, en particular de las damas de la corte, y de temas románticos. Otoko-e a menudo registraba eventos históricos, particularmente batallas. El Asedio del Palacio Sanjō (1160), representado en la sección «Ataque Nocturno al Palacio Sanjō» del volante Heiji Monogatari, es un famoso ejemplo de este estilo.
Kamakura artEdit
En 1180, estalló una guerra entre los dos clanes guerreros más poderosos: los Taira y los Minamoto; cinco años más tarde, los Minamoto salieron victoriosos y establecieron una sede de gobierno de facto en el pueblo costero de Kamakura, donde permaneció hasta 1333. Con el cambio de poder de la nobleza a la clase guerrera, las artes tuvieron que satisfacer a un nuevo público: hombres dedicados a las habilidades de la guerra, sacerdotes comprometidos a poner el budismo a disposición de los plebeyos analfabetos, y conservadores, la nobleza y algunos miembros del sacerdocio que lamentaban la disminución del poder de la corte. Así, el realismo, una tendencia popularizadora y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período Kamakura. En el período Kamakura, Kioto y Nara siguieron siendo los centros de producción artística y de alta cultura.
la Escultura: La escuela de escultores Kei, en particular Unkei, creó un estilo de escultura nuevo y más realista. Las dos imágenes Niō guardian (1203) en la Gran Puerta Sur del Tōdai-ji en Nara ilustran el dinámico estilo suprarrealista de Unkei. Las imágenes, de unos 8 m (unos 26 pies) de altura, fueron talladas de múltiples bloques en un período de aproximadamente tres meses, una hazaña indicativa de un sistema de estudio desarrollado de artesanos que trabajan bajo la dirección de un maestro escultor. Las esculturas de madera policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji, Nara) de dos sabios indios, Muchaku y Seshin, los legendarios fundadores de la secta Hossō, se encuentran entre las obras realistas más logradas de la época; según la interpretación de Unkei, son imágenes notablemente individualizadas y creíbles. Una de las obras más famosas de este período es una Tríada de Amitabha (terminada en 1195), en Jōdo-ji in On, creada por Kaikei, el sucesor de Unkei.
Caligrafía y pintura: El Kegon Engi Emaki, la historia ilustrada de la fundación de la secta Kegon, es un excelente ejemplo de la tendencia popularizadora de la pintura Kamakura. La secta de Kegon, una de las más importantes en el período de Nara, cayó en tiempos difíciles durante el ascenso de las sectas de Tierra Pura. Después de la Guerra Genpei (1180-1185), el sacerdote Myōe de Kōzan-ji intentó revivir la secta y también proporcionar un refugio a las mujeres viudas por la guerra. Las esposas de los samuráis habían sido desalentadas de aprender más que un sistema silabario para transcribir sonidos e ideas (véase kana), y la mayoría eran incapaces de leer textos que empleaban ideografías chinas (kanji).
Así, el Kegon Engi Emaki combina pasajes de texto, escritos con un máximo de sílabas de fácil lectura, e ilustraciones que tienen el diálogo entre personajes escritos junto a los altavoces, una técnica comparable a las tiras cómicas contemporáneas. La trama del e-maki, las vidas de los dos sacerdotes coreanos que fundaron la secta Kegon, avanza rápidamente y está llena de hazañas fantásticas, como un viaje al palacio del Rey del Océano y una conmovedora historia de mamá.
Una obra más conservadora es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu. Las versiones E-maki de su novela continuaron produciéndose, pero la nobleza, sintonizada con el nuevo interés en el realismo pero nostálgica por los días pasados de riqueza y poder, revivió e ilustró el diario para recuperar el esplendor de los tiempos de la autora. Uno de los pasajes más bellos ilustra el episodio en el que Murasaki Shikibu es prisionera juguetonamente en su habitación por dos jóvenes cortesanos, mientras, justo afuera, brilla la luz de la luna en las orillas musgosas de un riachuelo en el jardín imperial.
Muromachi artEdit
Durante el período Muromachi (1338-1573), también llamado el período Ashikaga, se produjo un profundo cambio en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su cuartel general de vuelta a Kioto, al distrito Muromachi de la ciudad. Con el regreso del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin, y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. El budismo Zen, la secta Ch’an que tradicionalmente se cree que se fundó en China en el siglo VI, se introdujo por segunda vez en Japón y arraigó.
la Pintura: Debido a las empresas seculares y las misiones comerciales a China organizadas por los templos Zen, muchas pinturas y objetos de arte chinos fueron importados a Japón e influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos Zen y el shogunato. Estas importaciones no solo cambiaron el tema de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; los colores brillantes del Yamato-e cedieron a los monocromos de la pintura al estilo chino, donde las pinturas generalmente solo tienen blanco y negro o diferentes tonos de un solo color.
Típico de la pintura temprana de Muromachi es la representación por el sacerdote pintor Kao (activo a principios del siglo XV) del legendario monje Kensu (Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación. Este tipo de pintura se ejecutó con pinceladas rápidas y un mínimo de detalle. La captura de un bagre con una calabaza (principios del siglo XV, Taizō-in, Myōshin-ji, Kioto), por el sacerdote pintor Josetsu (activo hacia 1400), marca un punto de inflexión en la pintura Muromachi. Ejecutado originalmente para una pantalla baja, se ha vuelto a montar como un pergamino colgante con inscripciones de figuras contemporáneas arriba, una de las cuales se refiere a la pintura como «nuevo estilo». En primer plano se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando a un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el terreno medio, y las montañas del fondo parecen estar lejos en la distancia. Generalmente se asume que el «nuevo estilo» de la pintura, ejecutado alrededor de 1413, se refiere a un sentido más chino del espacio profundo dentro del plano de la imagen.
Los artistas más destacados del período Muromachi son los pintores sacerdotes Shūbun y Sesshū. Shūbun, un monje del templo Shōkoku-ji de Kioto, creó en la pintura Lectura en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar pintura china en su origen. Paisaje de las Cuatro Estaciones (Sansui Chokan; c. 1486) es una de las obras más logradas de Sesshu, que representa un paisaje continuo a través de las cuatro estaciones.
Azuchi-Momoyama artEdit
En el castillo Azuchi–Momoyama período (1573-1603), una sucesión de líderes militares, como Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, intentaron traer la paz y la estabilidad política a Japón después de una era de casi 100 años de guerra. Oda, un cacique menor, adquirió el poder suficiente para tomar el control de facto del gobierno en 1568 y, cinco años más tarde, para derrocar al último shogun Ashikaga. Hideyoshi tomó el mando después de la muerte de Oda, pero sus planes para establecer un gobierno hereditario fueron frustrados por Ieyasu, quien estableció el shogunato Tokugawa en 1603.
la Pintura: La más importante escuela de pintura en el período Momoyama fue el de la escuela Kanō, y la mayor innovación de la época era la fórmula, desarrollado por Kanō Eitoku, para la creación de monumentales paisajes en las puertas correderas que encierra una habitación. La decoración de la sala principal que da al jardín del Jukō-in, un subtemplo de Daitoku-ji (un templo Zen en Kioto), es quizás el mejor ejemplo existente de la obra de Eitoku. Un enorme árbol ume y pinos gemelos se representan en pares de pantallas deslizantes en esquinas diagonalmente opuestas, sus troncos repiten las verticales de los postes de las esquinas y sus ramas se extienden a izquierda y derecha, unificando los paneles adyacentes. La pantalla de Eitoku, Leones chinos, también en Kioto, revela el estilo de pintura audaz y de colores brillantes preferido por los samuráis.
Hasegawa Tōhaku, un contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para las pinturas de pantalla a gran escala. En su pantalla de arce( ja), ahora en el templo de Chishaku-in (ja:ja), Kioto, colocó el tronco del árbol en el centro y extendió las extremidades casi hasta el borde de la composición, creando una obra más plana y menos arquitectónica que Eitoku, pero una pintura visualmente hermosa. Su biombo de seis caras, Madera de pino (松林図), es una representación magistral en tinta monocromática de un bosque de árboles envuelto en niebla.
Arte del período Edoeditar
El shogunato Tokugawa obtuvo el control indiscutible del gobierno en 1603 con el compromiso de llevar la paz y la estabilidad económica y política al país; en gran medida tuvo éxito. El shogunato sobrevivió hasta 1867, cuando se vio obligado a capitular debido a su incapacidad para hacer frente a la presión de las naciones occidentales para abrir el país al comercio exterior. Uno de los temas dominantes en el período Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas de escapar de estas restricciones. La más importante de ellas fue el cierre del país a los extranjeros y los pertrechos de sus culturas, y la imposición de estrictos códigos de conducta que afectaban a todos los aspectos de la vida, la ropa que se vestía, la persona con la que se casaba y las actividades que se podían o no se debían realizar.
En los primeros años del período Edo, sin embargo, el impacto total de las políticas Tokugawa aún no se había sentido, y se produjeron algunas de las mejores expresiones de arquitectura y pintura de Japón: el Palacio Katsura en Kioto y las pinturas de Tawaraya Sōtatsu, pionero de la escuela Rinpa.
Impresión en madera: Las impresiones en madera se utilizaron originalmente para traducir escrituras budistas en el siglo VIII en Japón. La impresión en bloque de madera consiste en el grabado de imágenes o dibujos en un trozo de madera, que luego se presiona contra un trozo de papel. En el siglo VIII, los bloques de madera se consideraban un método conveniente de reproducción de texto impreso hasta que las innovaciones posteriores permitieron traducir el color en papel o, mejor conocido como impresiones Nishik-e. La impresión en bloque de madera fue el método común de impresión desde el siglo XI hasta el siglo XIX. Las impresiones Nishiki-e producían productos como calendarios que se vendían comúnmente a miembros ricos de la sociedad durante el período Edo. En el período Edo, estos grabados representaban eventos y escenas de actores prominentes. El ukiyo se asoció a la impresión en madera a principios del período Edo. Estas pinturas de Ukiyo representaban la vida cotidiana de miembros prominentes de la sociedad. Ukiyo comenzó como pergaminos esculpidos a mano que representaban la vida como un plebeyo normal.
Arquitectura: El Palacio Independiente de Katsura, construido a imitación del palacio de Genji, contiene un conjunto de edificios shoin que combinan elementos de la arquitectura clásica japonesa con renovaciones innovadoras. Todo el complejo está rodeado por un hermoso jardín con senderos para caminar.Muchos de los poderosos daimyō (señores feudales) construyeron un jardín japonés de estilo Circuito en el territorio, y compitieron por la belleza.
Pintura: Sōtatsu desarrolló un magnífico estilo decorativo recreando temas de la literatura clásica, utilizando figuras de colores brillantes y motivos del mundo natural contra fondos de pan de oro. Una de sus mejores obras es el par de pantallas The Waves en Matsushima en la Galería Freer en Washington, D. C. Un siglo más tarde, Kōrin reelaboró el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente hermosas de forma única. Tal vez sus mejores pinturas son las pantallas de Flores de Ciruelo Rojas y Blancas.
Escultura: El monje budista Enkū talló 120.000 imágenes budistas en un estilo tosco e individual.
Ukiyo-e y nanga (bunjinga): La escuela de arte más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y grabados en madera de la demimonde, el mundo del teatro kabuki y los distritos de placer. Las impresiones Ukiyo-e comenzaron a producirse a finales del siglo XVII; en 1765 Harunobu produjo la primera impresión policromada. Los diseñadores de impresión de la próxima generación, incluidos Torii Kiyonaga y Utamaro, crearon representaciones elegantes y a veces perspicaces de cortesanas.
En el siglo XIX las figuras dominantes eran Hokusai e Hiroshige, este último un creador de estampados de paisajes románticos y algo sentimentales. Los extraños ángulos y formas a través de los cuales Hiroshige veía a menudo el paisaje, y el trabajo de Kiyonaga y Utamaro, con su énfasis en planos planos y fuertes contornos lineales, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh. A través de obras de arte conservadas en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían más tarde una poderosa influencia en las imágenes y los enfoques estéticos utilizados por poetas modernistas tempranos como Ezra Pound, Richard Aldington y H. D.
Una escuela de pintura contemporánea con ukiyo-e fue nanga, o bunjinga, un estilo basado en pinturas ejecutadas por pintores eruditos chinos. Así como los artistas ukiyo-e eligieron representar figuras de la vida fuera de las restricciones del shogunato Tokugawa, los artistas bunjin se volcaron a la cultura china. Los ejemplares de este estilo son Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).
Cerámica
La industria de la porcelana se expandió enormemente a finales de la década de 1650, ya que el colapso de la industria china a causa de la guerra civil llevó a pedidos muy grandes de los comerciantes chinos y de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, para entonces los comerciantes solo permitían hacer negocios en Japón. El primer gran período de la porcelana japonesa de exportación duró hasta aproximadamente la década de 1740, y la mayor parte de la porcelana japonesa se hizo para la exportación, principalmente a Europa, pero también al mundo islámico al oeste y al sur de Japón.
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Ko-Kutani (antiguo Kutani) cinco colores Iroe tipo de bien aguamanil con los pájaros y las flores de diseño en esmalte sobre cubierta, periodo Edo, Siglo 17
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Ko-Imari plato, 1700-1740
la Laca:
Con el desarrollo de la economía y la cultura, la calidad artística de los muebles lacados ha mejorado. Hon’ami Kōetsu y Ogata Kōrin trajeron los diseños de la escuela de pintura Rinpa al lacado. Después de mediados del período Edo, el inrō para recipientes portátiles de medicamentos comenzó a decorarse magníficamente con maki-e y raden, y se hizo popular entre la clase samurai y los ricos comerciantes de la clase chōnin, y al final del período Edo, cambió de accesorios prácticos a colecciones de arte. La exportación de artículos de laca continuó después del período Azuchi-Momoyama. María Antonieta y María Teresa son conocidas como coleccionistas de laca japonesa en este período.
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Inro y Netsuke, siglo 18
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Escribir la laca cuadro con flores de lis en Yatsuhashi, por Ogata Kōrin. Tesoro nacional
el Arte de la Guerra periodEdit
Cuando el emperador de Japón recuperó el poder en 1868, Japón fue invadido una vez más por nuevas y extrañas formas de cultura. Durante el período de Preguerra, la introducción de los valores culturales occidentales llevó a una dicotomía en el arte japonés, así como en casi todos los demás aspectos de la cultura, entre los valores tradicionales y los intentos de duplicar y asimilar una variedad de ideas nuevas que chocan. Esta división se mantuvo evidente a finales del siglo XX, aunque para entonces ya se había producido mucha síntesis, y creó una atmósfera cultural internacional y estimuló el arte japonés contemporáneo hacia formas cada vez más innovadoras.
El gobierno se interesó activamente en el mercado de exportación de arte, promoviendo el arte japonés en una sucesión de ferias mundiales, comenzando con la Feria Mundial de Viena de 1873 Fair.As además de financiar en gran medida las ferias, el gobierno tomó un papel activo en la organización de la presentación de la cultura japonesa al mundo. Creó una empresa semipública, la Kiritsu Kosho Kaisha (Primera Empresa de Fabricación Industrial), para promover y comercializar las exportaciones de arte y estableció la Hakurankai Jimukyoku (Oficina de Exposiciones) para mantener los estándares de calidad. Para la Exposición Internacional del Centenario de 1876 en Filadelfia, el gobierno japonés creó una Oficina del Centenario y envió un enviado especial para asegurar el espacio para los 30.000 artículos que se exhibirían. La Casa Imperial también se interesó activamente por las artes y oficios, encargando obras («artículos de presentación») como regalos para dignatarios extranjeros. En 1890, se creó el sistema Teishitsu Gigeiin (Artista de la Casa Imperial) para reconocer a artistas distinguidos; setenta fueron nombrados de 1890 a 1944. Entre ellos se encontraban el pintor y artista de laca Shibata Zeshin, el ceramista Makuzu Kōzan, el pintor Hashimoto Gahō y el artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki.
A medida que las importaciones occidentales se hicieron populares, la demanda de arte japonés disminuyó dentro del propio Japón. En Europa y América, la nueva disponibilidad del arte japonés llevó a una fascinación por la cultura japonesa; una locura conocida en Europa como Japonisme. El patrocinio imperial, el patrocinio gubernamental, la promoción a nuevos públicos y la tecnología occidental se combinaron para fomentar una era de innovación artística japonesa. En las artes decorativas, los artistas japoneses alcanzaron nuevos niveles de sofisticación técnica.
Hoy en día, Masayuki Murata posee más de 10.000 obras de arte Meiji y es uno de los coleccionistas más entusiastas. A partir de ese momento, la mayoría de las excelentes obras de Arte Meiji fueron compradas por coleccionistas extranjeros y solo algunas de ellas permanecieron en Japón, pero debido a que compró muchas obras de países extranjeros y abrió el Museo Kiyomizu Sannenzaka, el estudio y la reevaluación del Arte Meiji avanzó rápidamente en Japón después del siglo XXI. Nasser Khalili es también uno de los coleccionistas de arte Meiji más dedicados del mundo, y su colección abarca muchas categorías de arte Meiji. La Familia Imperial Japonesa también posee excelentes obras de Arte Meiji, algunas de las cuales fueron donadas al estado y ahora se almacenan en el Museo de las Colecciones Imperiales.
Arquitectura y jardín Edit
n el siglo XX, las formas de arte europeas fueron bien introducidas y su matrimonio produjo edificios notables como la Estación de Tren de Tokio y el Edificio de la Dieta Nacional que aún existen hoy en día. La estación de Tokio, un edificio de arquitectura Giyōfū, lleno de ladrillos y estilo pseudo europeo. Este estilo de edificio fue construido en áreas urbanas.
Muchos nuevos jardines artísticos japoneses fueron construidos por Jihei Ogawa.
PaintingEdit
La primera respuesta de los japoneses a las formas de arte occidentales fue la aceptación de corazón abierto , y en 1876 la Escuela de Arte Tecnológico(ja:工部美術学.), empleando instructores italianos para enseñar métodos occidentales. La segunda respuesta fue un giro del péndulo en la dirección opuesta encabezado por Okakura Kakuzō y el estadounidense Ernest Fenollosa, que alentó a los artistas japoneses a conservar los temas y técnicas tradicionales mientras creaban obras más acordes con el gusto contemporáneo. Esta fue una estrategia que finalmente sirvió para extender la influencia del arte japonés hasta Calcuta, Londres y Boston en los años previos a la Primera Guerra Mundial. De estos dos polos de la teoría artística, derivados de Europa y de Asia Oriental, respectivamente, se desarrollaron el yōga («pintura de estilo occidental») y el Nihonga («pintura japonesa»), categorías que han mantenido su vigencia.
Esmaltoseditar
Durante la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó un nivel técnico pico, produciendo artículos más avanzados que cualquiera que hubiera existido antes. El período de 1890 a 1910 fue conocido como la «edad de Oro» de los esmaltes japoneses. Los artistas experimentaron con pastas y con el proceso de cocción para producir bloques de esmalte cada vez más grandes, con menos necesidad de cloisons (envolturas de tiras de metal). Así, los esmaltes se convirtieron en un medio más pictórico, con diseños similares o copiados de pinturas tradicionales. Los esmaltes con un diseño único en Japón, en el que se usaban flores, pájaros e insectos como temas, se hicieron populares. En particular, las obras de Namikawa Yasuyuki y Namikawa Sōsuke se exhibieron en ferias mundiales y ganaron muchos premios. Junto con los dos Namikawa, la compañía Ando Cloisonné ha producido muchos cloisonne de alta calidad. Los esmaltes japoneses se consideraron inigualables gracias a los nuevos logros en diseño y coloración.
LacquerwareEdit
La era Meiji, vio a un renovado interés en la laca artistas desarrollaron nuevos diseños y experimentaron con nuevas texturas y acabados. Maki-e (decorar la laca en polvo de oro o plata) fue la técnica más común para lacados de calidad en este período. Shibata Zeshin fue un lacador que ganó una gran reputación por sus obras desde el Bakumatsu hasta el período Meiji. El lacado llamado Shibayama y Somada, creado en el período Edo, se hizo popular por su estilo llamativo, con incrustaciones de oro, plata, mariscos, marfil y metal y vidrio coloridos, y alcanzó su apogeo durante este período. La laca de los talleres japoneses fue reconocida como técnicamente superior a la que se podía producir en cualquier otro lugar del mundo.
MetalworkEdit
Al comienzo de la era Meiji, los japoneses la metalistería era casi totalmente desconocida fuera del país, a diferencia de la laca y la porcelana que se habían exportado anteriormente. La metalistería estaba relacionada con la práctica budista, por ejemplo, en el uso de bronce para campanas de templo y calderos de incienso, por lo que hubo menos oportunidades para los trabajadores del metal una vez que el budismo fue desplazado como la religión del Estado. Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a un nuevo público extranjero, atrayendo fuertes elogios. La historia pasada del armamento samurai equipó a los metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Combinando y acabando cobre, plata y oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas como shakudō y shibuichi. Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color.
Porcelana y barro Edit
Las innovaciones técnicas y artísticas de la era Meiji convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés más exitosas a nivel internacional. La cerámica de Satsuma era un nombre dado originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma, elaboradamente decorada con dorado y esmalte. Estas mercancías fueron muy elogiadas en Occidente. Visto en Occidente como distintivo japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y las influencias occidentales, y había sido creado pensando en la exportación. Talleres en muchas ciudades compitieron para producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y barata. Por lo tanto, el término «artículos de Satsuma» llegó a asociarse no con un lugar de origen, sino con artículos de menor calidad creados exclusivamente para la exportación. A pesar de esto, artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan mantuvieron los más altos estándares artísticos mientras exportaban con éxito. De 1876 a 1913, Kōzan ganó premios en 51 exposiciones, incluyendo la Feria Mundial y la Exposición Industrial Nacional.
TextilesEdit
La edición de 1902 de la Enciclopedia Británica escribió, «En ninguna rama del arte aplicado muestra el genio decorativo de Japón resultados más atractivos que el de las telas textiles, y en ninguna de ellas se ha registrado un progreso más notable durante los últimos años.»En Kioto se estaban produciendo obras pictóricas muy grandes y coloridas. El bordado se había convertido en una forma de arte por derecho propio, adoptando una gama de técnicas pictóricas como el claroscuro y la perspectiva aérea.
Arte de la Posguerra.
Inmediatamente después de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial en 1945, un gran número de artistas japoneses cayeron bajo la influencia del Partido Comunista de Japón, que acababa de ser legalizado por Estados Unidos, o incluso se unieron a él.- dirigió la ocupación militar de Japón después de muchos años de represión por parte de la policía japonesa antes y durante la guerra. Esto tuvo que ver con el éxito que el Partido Comunista había tenido en vender la noción en los primeros años de la posguerra de que el partido había sido el único grupo en Japón que se había resistido al militarismo en tiempos de guerra. Además, la palabra japonesa para «vanguardia» (zen, zen’ei), como en «vanguardia de la revolución comunista», resulta ser la misma palabra usada para «vanguardia» que en la vanguardia artística. El Partido Comunista de Japón pronto llegó a dominar las principales sociedades de arte y exposiciones en Japón, y por lo tanto la forma predominante de arte en el período inmediatamente posterior a la guerra fue el realismo socialista que representaba el sufrimiento de los pobres y la nobleza de la clase obrera, en línea con la doctrina del Partido Comunista de que todo el arte debe servir al propósito de promover la causa de la revolución. En 1952, el Partido Comunista incluso ordenó a artistas como Hiroshi Katsuragawa y otros miembros de la recién formada Asociación de Arte de Vanguardia (Zen会, Zen’ei Bijutsukai) salir a las montañas para producir arte realista socialista en apoyo de los «escuadrones guerrilleros de montaña» que intentaban fomentar una revolución violenta en Japón.
A lo largo de la década de 1950, muchos artistas japoneses se desilusionaron cada vez más con la definición rígida y limitada de «arte» impuesta por el Partido Comunista. Sin embargo, debido a la continua preeminencia de los miembros y partidarios del Partido Comunista en los rangos superiores de las sociedades artísticas y los jurados de exposiciones, a los artistas les resultaba extremadamente difícil mostrar su arte a menos que se ajustaran a las directrices del Partido. Algunos artistas rehuyeron las exposiciones públicas formales. Otros buscaron reconocimiento, apoyo financiero y oportunidades para mostrar su arte en el extranjero, como el grupo de artistas conceptuales Gutai, fundado en 1954. Otros artistas hicieron uso de las pocas exposiciones «independientes» no compradas en Japón, como la Exposición Independiente Yomiuri patrocinada por el Yomiuri Shinbun, a la que cualquiera podía entrar.
Una gota de agua llegó con las masivas protestas de la Anpo de 1960 contra el Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido como «Anpo» en japonés») al papel extremadamente pasivo desempeñado por el Partido Comunista supuestamente de «vanguardia». Cuando las protestas no lograron detener el tratado, una ronda de recriminaciones llevó a una mayor desilusión con el Partido Comunista y el arte realista socialista, causando que muchos más artistas se separaran de la influencia del Partido.
La década de 1960: Una explosión de nuevos genreseditar
Con el dominio del realismo socialista desvaneciéndose, la década de 1960 fue testigo de una explosión de nuevas formas de arte en Japón, a medida que las artes se expandían en nuevas direcciones que podrían denominarse «posmodernas».»Colectivos de artistas como Neo-Dada Organizers, Zero Dimension y Hi-Red Center exploraron conceptos como «no-arte» y «anti-arte», y llevaron a cabo una variedad de audaces «eventos», «happenings» y otras formas de arte escénico diseñadas para erosionar los límites entre el arte y la vida cotidiana. Del mismo modo, el grupo Mono-ha superó los límites que dividen el arte, el espacio, el paisaje y el medio ambiente. Otros artistas, como el diseñador gráfico Tadanori Yokoo, se inspiraron en la contracultura de la década de 1960 y la explosión de nuevas formas de cómics manga orientados a adultos. En las artes escénicas, Tatsumi Hijikata fue pionera en una nueva forma de danza postmoderna llamada Butoh, y dramaturgos como Jūrō Kara y Satō Makoto crearon el estilo Angura de teatro radical «subterráneo». Y en fotografía, fotógrafos como Daidō Moriyama fueron pioneros en una nueva escuela de fotografía de posguerra extremadamente influyente que enfatizaba la espontaneidad sobre la composición cuidadosamente escenificada y celebraba las características » are, bure, bokeh «(literalmente»áspero, borroso, desenfocado»).
La proliferación de nuevos tipos de arte fue apoyada por el tremendo crecimiento de la economía japonesa en la década de 1960, recordado como el «milagro económico japonés».»A lo largo de la década de 1960, la economía japonesa creció más de un 10% al año. El aumento de la riqueza creó una nueva clase de consumidores que podían permitirse gastar dinero en arte y apoyar diferentes tipos de arte y artistas. Por primera vez en la historia moderna de Japón, se hizo viable para un número significativo de artistas ganarse la vida exclusivamente a través de la venta de su arte. El auge de la construcción en Japón en la década de 1960, que niveló la antigua arquitectura tradicional japonesa de madera y papel y la reemplazó con brillantes megaciudades de vidrio y acero, ayudó a inspirar nuevas escuelas de arquitectura japonesa, como el movimiento de Metabolismo (arquitectura) liderado por Kenzō Tange, que se liberó audazmente de los modelos convencionales y demostró ser influyente en todo el mundo.
Al mismo tiempo, sin embargo, el mundo del arte permaneció dominado por camarillas que promovían las obras de ciertos artistas (generalmente hombres) sobre otros. A medida que se hizo mucho más fácil para los japoneses viajar al extranjero en la década de 1960, algunas artistas femeninas como Yayoi Kusama y Yoko On encontraron una mejor recepción en el extranjero, y se fueron a centros artísticos como Londres, París y Nueva York, al igual que muchos artistas masculinos.
El triunfo de las nuevas formas de arte japonés se consolidó en la Feria Mundial de Osaka de 1970, donde se contrató a decenas de artistas de vanguardia y conceptuales para diseñar pabellones y experiencias artísticas para los asistentes a la feria. El arte de vanguardia japonés se había globalizado y se había convertido en algo que incluso el gobierno conservador estaba orgulloso de mostrar al mundo.
Las décadas de 1970 y 1980: Montando la burbuja económicaeditar
En las décadas de 1970 y 1980, el arte japonés continuó en muchas de las direcciones que comenzaron en las décadas de 1950 y 1960, pero a menudo con presupuestos mucho más grandes y materiales más caros. A medida que la economía de Japón se expandía rápidamente, y finalmente se convirtió en una de las burbujas económicas más grandes de la historia. Con la moneda japonesa cada vez más fuerte a raíz del Acuerdo Plaza de 1985, los individuos e instituciones japoneses se convirtieron en actores importantes en el mercado internacional del arte. Las mega-corporaciones japonesas extraordinariamente ricas comenzaron a construir sus propios museos de arte privados y a adquirir colecciones de arte moderno y contemporáneo, y los artistas japoneses también se beneficiaron enormemente de estos gastos.
En particular, la producción artística continuó alejándose de la pintura y la escultura tradicionales hacia el diseño gráfico, el arte pop, el arte portátil, el arte escénico, el arte conceptual y el arte de instalación. Varios tipos de arte «híbrido» entraron cada vez más en boga. A medida que la tecnología avanzaba, los artistas incorporaban cada vez más la electrónica, el video, las computadoras, la música y los sonidos sintetizados y los videojuegos en su arte. La estética del manga y el anime, en la que tantos artistas jóvenes habían crecido inmersos, ejerció una influencia creciente, aunque a veces bastante sutil. Por encima de todo, los artistas evitaron todo lo que volviera a ser «arte de alto nivel» o «bellas artes» en favor de lo personal, lo ecléctico, lo fantástico o fantasmagórico, y lo lúdico. En la edición, artistas femeninas como Mika Yoshizawa fueron cada vez más aceptadas y apoyadas por el mundo del arte en Japón.
Arte contemporáneo en JapónEditar
El arte contemporáneo japonés adopta tantas formas y expresa tantas ideas diferentes como el arte contemporáneo mundial en general. Abarca desde anuncios, anime, videojuegos y arquitectura, como ya se mencionó, hasta escultura, pintura y dibujo en todas sus innumerables formas. Los artistas japoneses han hecho contribuciones especialmente notables al arte contemporáneo global en los campos de la arquitectura, los videojuegos, el diseño gráfico, la moda y, quizás, sobre todo, la animación. Mientras que el anime al principio se derivó principalmente de historias de manga, el anime diverso abunda hoy en día, y muchos artistas y estudios han alcanzado una gran fama como artistas; Hayao Miyazaki y los artistas y animadores de Studio Ghibli son generalmente considerados como los mejores del mundo del anime.
Al mismo tiempo, muchos artistas japoneses continúan utilizando técnicas y materiales artísticos tradicionales japoneses heredados de tiempos premodernos, como formas tradicionales de papel y cerámica japoneses y pintura con tinta negra y de color sobre papel o seda. Algunas de estas obras de arte representan temas tradicionales en estilos tradicionales, mientras que otras exploran motivos y estilos nuevos y diferentes, o crean híbridos de formas de arte tradicionales y contemporáneas, mientras utilizan medios o materiales tradicionales. Otros evitan los medios y estilos nativos, abrazando las pinturas al óleo occidentales o cualquier otra forma.
En escultura, lo mismo es cierto; algunos artistas se adhieren a los modos tradicionales, algunos lo hacen con un toque moderno, y algunos eligen modos, estilos y medios occidentales o nuevos. Yo Akiyama es solo uno de los muchos escultores japoneses modernos. Trabaja principalmente en cerámica de barro y cerámica, creando obras que son muy simples y directas, pareciendo que fueron creadas de la tierra misma. Otro escultor, usando hierro y otros materiales modernos, construyó una gran escultura de arte moderno en la ciudad portuaria israelí de Haifa, llamada Hanabi (Fuegos artificiales). Nahoko Kojima es una artista contemporánea de Kirie que ha sido pionera en la técnica de la Escultura Cortada en papel que cuelga en 3D.
Takashi Murakami es posiblemente uno de los artistas japoneses modernos más conocidos en el mundo occidental. Murakami y los otros artistas de su estudio crean piezas con un estilo inspirado en el anime, al que ha apodado «superflat». Sus piezas toman una multitud de formas, desde la pintura hasta la escultura, algunas de tamaño verdaderamente masivo. Pero la mayoría, si no todos, muestran muy claramente esta influencia del anime, utilizando colores brillantes y detalles simplificados.
Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano y Tabaimo son considerados artistas importantes en el campo del arte japonés contemporáneo. El Grupo 1965, un colectivo de artistas, cuenta con el artista contemporáneo Makoto Aida entre sus miembros.