Sie nennen es Hallyu, die koreanische Welle: Die Idee, dass die südkoreanische Popkultur an Bedeutung gewonnen hat, um ein wichtiger Treiber der globalen Kultur zu werden, von koreanischen Dramen auf Netflix über koreanische Hautpflegeprodukte, die die Kosmetikindustrie dominieren, bis hin zu köstlichen koreanischen Tacos auf Ihrer lokalen Lieblingskarte. Und im Mittelpunkt von Hallyu steht die ständig wachsende Popularität von K-Pop — kurz natürlich für koreanische Popmusik.

K-Pop ist dank seiner unverwechselbaren Mischung aus süchtig machenden Melodien, raffinierten Choreografien und Produktionswerten und einer endlosen Parade attraktiver südkoreanischer Künstler, die Jahre in anstrengenden Studiosystemen verbringen, zu einem wahrhaft globalen Phänomen geworden Lernen, in synchroner Perfektion zu singen und zu tanzen.

Hallyu baut seit zwei Jahrzehnten, aber insbesondere K-Pop ist in den letzten fünf bis 10 Jahren für ein globales Publikum zunehmend sichtbar geworden. Südkoreanische Künstler haben die Billboard Hot 100-Charts mindestens achtmal erreicht, seit die Wonder Girls sie 2009 mit ihrem Crossover—Hit „Nobody“ — der in vier verschiedenen Sprachen, darunter Englisch, veröffentlicht wurde – zum ersten Mal geknackt haben, und der Export von K-Pop hat Südkoreas Musikindustrie auf eine beeindruckende 5-Milliarden-Dollar-Industrie gebracht.Jetzt, da Südkorea die Olympischen Winterspiele 2018 in Pyeongchang in einem Moment extrem erhöhter geopolitischer Spannungen ausrichtet, hat K-Pop eine ganz neue gesellschaftspolitische Bedeutung erlangt, da Südkorea stolz seinen bekanntesten Export vor der Welt zeigt.

Was uns die Eröffnungs- und Schlusszeremonien der Olympischen Winterspiele über K-Pop (und umgekehrt) erzählten

Während der olympischen Eröffnungszeremonien am 9. Februar 2018 marschierten die Athleten in der Parade der Nationen, begleitet von einer ausgewählten Gruppe von K-Pop-Hits, die jeweils in das Bild spielten, das Südkorea gerade präsentieren möchte: eines eines Landes, das ein voll integrierter Teil der globalen Kultur ist.

Die Songs der Parade of Nations haben alle eine bedeutende internationale und digitale Präsenz und werben jeweils für die interkulturelle Geläufigkeit von K-Pop. Twice’s „Likey“ ist ein großer Hit für die Gruppe und hat es kürzlich schneller auf 100 Millionen Aufrufe auf YouTube geschafft als jeder andere Song einer K-Pop-Girlgroup. (Das Video zeigt die Mädchen prominent auf einer lustigen Exkursion nach Vancouver und vermarktet die Idee, dass sie auf der ganzen Welt zu Hause sind.) Big Bangs „Fantastic Baby“ war einer der ersten K-Pop-Hits, die Einzug in die amerikanische Kultur hielten, und wurde zusammen mit „Gangnam Style“, das auch während der Parade der Nationen gespielt wurde, in Glees K-Pop-Episode gezeigt.

Psys allgegenwärtiger Hit von 2012 ist teils doof Komödie und teils klaräugige Satire, gemacht von einem Musiker, der Teil einer Welle südkoreanischer Musiker ist, die an amerikanischen Musikschulen studiert haben. „Gangnam Style“ hat fünf Jahre lang mehr als 3 Milliarden Aufrufe auf YouTube gesammelt und war das meistgesehene Video in der Geschichte der Plattform, bevor es 2017 entthront wurde.

Insgesamt zeigen uns diese Songs und Performer, dass K-Pop-Stars sich in allem auszeichnen können, vom Singen über Comedy, Rap, Tanz bis hin zu sozialen Kommentaren. Und ihr Spaß, singende Melodien machen deutlich, dass die südkoreanische Musikindustrie die Pop-Produktionsmaschine zu einem sprudelnden Fließband mit lächerlich eingängigen Melodien perfektioniert hat, die von lächerlich talentierten Menschen in lächerlich spritzigen Videos gesungen werden. Wenn Red Velvet in ihrer Single „Red Flavor“ „Bet you wanna (bet you wanna) dance like this“ singen, senden sie eine Botschaft an die Welt, dass Südkorea modern, aber gesund, farbenfroh, einladend und unterhaltsam ist.

Und bei der Abschlussfeier der Olympischen Spiele sahen wir Live-Auftritte von zwei weiteren K-Pop-Ikonen: solokünstlerin CL, ehemals Mitglied der Powerhouse-Girlgroup 2NE1, und multinationale Band Exo. CL’s Auftritt war ein Beweis für ihren Erfolg bei der Erreichung eines der heiligen Grale für K-Pop – ein Crossover in US-Ruhm, oder zumindest auf die Billboard Hot 100. CL ist seit 2015 zweimal auf der Liste gelandet.Exo ist mittlerweile wohl einer der zwei oder drei größten K-Pop-Erfolge. Die Band passte perfekt zu den Olympischen Spielen – sie sind mehrsprachig und wurden mit der Absicht gegründet, in Mandarin und Japanisch sowie in Südkorea aufzutreten. Und für mehrere Jahre, Exo wurde in zwei Untergruppen aufgeteilt, eine hauptsächlich in Korea und eine hauptsächlich in China. All dies machte sie zu einer großartigen Wahl, um als symbolischer Übergang zwischen den Nationen zu dienen, da Tokio sich auf die Ausrichtung der Olympischen Sommerspiele 2020 vorbereitet, gefolgt von Peking, das die Olympischen Winterspiele 2022 ausrichtet.

Prominent aus der Live-Performance-Liste bei den Olympischen Spielen fehlte die beliebteste K-Pop-Band im Universum im Moment: BTS. BTS wurde 2017 zu einem unbestrittenen US-Phänomen, mit zwei Songs, die die Billboard Hot 100 erreichten, einer riesigen Performance bei den American Music Awards, einer Silvester-Performance auf dem Times Square und einem Remix ihrer neuesten Single „Mic Drop“ von Steve Aoki. Wenn es möglich ist, einer „Welle“, die endlos zu sein scheint, einen Wendepunkt zuzuschreiben, BTS könnte es sein; Es scheint sicherlich, dass die All-Boy—Gruppe so weit gegangen ist, wie eine südkoreanische Band in Bezug auf den Einzug in die amerikanische Kultur gehen kann – sie zierte kürzlich das Cover des American Billboard Magazine. Aber während die Band bei den Olympischen Spielen fehlte, spielte ihr Song „DNA“ — der andere ihrer beiden Hits von 2017 — zumindest während der Eröffnungszeremonien, sehr zur Freude der Fans.

Nichts davon ist zufällig. K-Pop ist dank eines extrem reglementierten, koordinierten Produktionssystems zum internationalen Gesicht Südkoreas geworden. Mehr als jede andere internationale Musikindustrie, K-Pop wurde strategisch entwickelt, um seinen Weg in Ihr Gehirn zu finden — und Südkorea und seine Kultur auf die Weltbühne zu bringen.

Wie sind wir hierher gekommen? Durch eine Kombination aus globalen politischen Veränderungen, versierte Korporatisierung und Medienmanagement, und eine Menge roher Talente, die durch eine sehr mächtige Star-Mühle gemahlen werden.

K-Pop begann 1992 mit einer elektrischen Hip-Hop-Performance

K—Pop, wie wir ihn kennen, würde ohne Demokratie und Fernsehen nicht existieren – insbesondere Südkoreas Reformation seiner demokratischen Regierung im Jahr 1987 mit der damit einhergehenden Modernisierung und Lockerung der Zensur und die Auswirkungen dieser Veränderung auf das Fernsehen.Vor der Gründung der Sechsten Republik gab es nur zwei Rundfunknetze im Land, und sie kontrollierten weitgehend, welche Musik Südkoreaner hörten; Sänger und Musiker waren nicht viel mehr als Werkzeuge der Netzwerke. Netzwerke führten die Öffentlichkeit vor allem durch Wochenend-Musiktalentshows in Musikstars ein. Das Radio existierte, stand aber wie die Fernsehsender unter strenger staatlicher Kontrolle. Unabhängige Musikproduktion gab es nicht wirklich, und Rockmusik war umstritten und verboten; musiker und Lieder wurden in erster Linie über das Medium der im Fernsehen übertragenen Talentshow der Öffentlichkeit vorgestellt, und Radio diente als wenig mehr als eine Nebenplattform für Entertainer, die an diesen Wochenend-TV-Wettbewerben erfolgreich waren.Vor der Liberalisierung der südkoreanischen Medien in den späten 80er Jahren war die Musik, die von Rundfunknetzen produziert wurde, in erster Linie langsame Balladen oder „Trab“, eine Lawrence Welk-artige Verschmelzung traditioneller Musik mit alten Popstandards. Nach 1987 expandierte der Rundfunk des Landes jedoch rasch, und die Südkoreaner wurden regelmäßiger mehr Musik von außerhalb des Landes ausgesetzt, einschließlich zeitgenössischer amerikanischer Musik.Aber das Fernsehen war immer noch die dominierende, zentralisierte Medienform des Landes: Ab 1992 waren nationale Fernsehsender über 99 Prozent der südkoreanischen Haushalte eingedrungen, und die Zuschauerzahlen waren an den Wochenenden am höchsten, als die Talentshows stattfanden. Diese im Fernsehen übertragenen Talentshows waren entscheidend für die Einführung von Musikgruppen in das südkoreanische Publikum; sie haben immer noch einen enormen kulturellen Einfluss und bleiben der größte Erfolgsfaktor einer südkoreanischen Band.Wie Moonrok-Redakteurin Hannah Waitt in ihrer ausgezeichneten Serie über die Geschichte des K-Pop hervorhebt, ist K-Pop als Genre ungewöhnlich, da es dank einer Band namens Seo Taiji and Boys ein definitives Startdatum hat. Seo Taiji war zuvor Mitglied der südkoreanischen Heavy-Metal-Band Sinawe, Das war selbst ein kurzer, aber sehr einflussreicher Teil der Entwicklung der koreanischen Rockmusik in den späten 80er Jahren. Nachdem sich die Band aufgelöst hatte, wandte er sich dem Hip-Hop zu und rekrutierte zwei herausragende südkoreanische Tänzer, Yang Hyun-Suk und Lee Juno, um sich ihm als Backups in einer Gruppe namens Seo Taiji and Boys anzuschließen. Am 11. April 1992 spielten sie ihre Single „Nan Arayo (I Know)“ in einer Talentshow:

Die Jungs gewannen nicht nur die Talentshow nicht, sondern die Jury gab der Band auch die niedrigste Punktzahl des Abends. Aber unmittelbar nach dem Song debütierte, „Ich weiß“ ging nach oben Südkorea Einzel Charts für eine rekordverdächtige 17 Wochen, was für mehr als stehen würde 15 Jahre als längste Nr. 1 streak in der Geschichte des Landes.“I Know“ war das erste Mal, dass moderne Popmusik im amerikanischen Stil mit der südkoreanischen Kultur verschmolzen war. Seo Taiji und Boys waren Innovatoren, die Normen in Bezug auf Musikstile, Songthemen, Mode und Zensur in Frage stellten. Sie sangen über Teenie-Angst und den sozialen Druck, in einem zermürbenden Bildungssystem erfolgreich zu sein, und bestand darauf, ihre eigene Musik zu kreieren und ihre eigenen Songs außerhalb der hergestellten Netzwerkumgebung zu schreiben.Als Seo Taiji and Boys sich 1996 offiziell auflösten, hatten sie Südkoreas Musik— und Performancelandschaft verändert und den Weg für andere Künstler geebnet, noch experimenteller zu sein und noch mehr Grenzen zu überschreiten – und für Musikstudios, um schnell einzugreifen und zu übernehmen und aus den Überresten des Broadcast-zentrierten Systems ein völlig neues Studiosystem zu bilden.

Zwischen 1995 und 1998 erschienen drei kraftvolle Musikstudios: SM Entertainment (oft als SM Town bezeichnet) im Jahr 1995; JYP Entertainment im Jahr 1997; und YG Entertainment im Jahr 1998, erstellt von einem der Mitglieder von Seo Taiji and Boys, Yang Hyun-suk. Zusammen, Diese Studios begannen bewusst zu kultivieren, was als Idolgruppen bekannt werden würde.Die erste Idol-Gruppe in Südkorea erschien 1996, als SM-Gründer Lee Soo-man eine Gruppe namens H.O.T. gründete, indem er fünf Sänger und Tänzer zusammenstellte, die das repräsentierten, was Jugendliche seiner Meinung nach von einer modernen Popgruppe sehen wollten.

H.O.T. teilte Merkmale mit den heutigen Idolgruppen: eine Kombination aus Singen, Tanzen und Rappen und unterschiedliche Persönlichkeiten, die durch Musik vereint sind. 1999 wurde die Band ausgewählt, um in einem großen Benefizkonzert mit Michael Jackson aufzutreten, zum Teil wegen ihres Potenzials, internationale Popstars zu werden — ein Hinweis darauf, dass die Branche bereits in den 90er Jahren auf das Potenzial von K-Pop für globalen Erfolg eingestellt war.

Dieses Potenzial zeigt sich in der eifrigen Förderung mehrsprachiger Künstler wie BoA, die im Jahr 2000 im Alter von 13 Jahren ihr öffentliches Debüt gab und in den folgenden Jahren dank einer Marke, die auf rohem Talent und multikultureller Positivität aufbaut, zu einem der bekanntesten Exporte Südkoreas geworden ist.

Die ganze Zeit baute K-Pop als Ganzes eine eigene Marke auf, die auf Flash, Stil und viel Qualität basierte.

Fragen Sie nicht, was einen K-Pop-Song ausmacht. Fragen Sie, was einen K-Pop-Performer ausmacht.

Es gibt drei Dinge, die K-Pop zu einem so sichtbaren und einzigartigen Beitrag zur Popmusik machen: außergewöhnlich hochwertige Performance (insbesondere Tanz), eine extrem ausgefeilte Ästhetik und eine „Inhouse“ -Methode der Studioproduktion, die musikalische Hits produziert, wie Fließbänder Autos produzieren.Kein Song verkörpert diese Eigenschaften perfekter als Girls’Generation’s 2009er Hit „Gee“, ein Breakout-Erfolg, der zu einem Zeitpunkt kam, als K—Pop aufgrund einer Reihe von Meilenstein-Hits international Aufsehen erregte – insbesondere Big Bang’s „Haru, Haru“, Wonder Girls‘ „Nobody“ und Brown Eyed Girls‘ „Abracadabra.“ „Gee“ war ein viraler Internet-Ohrwurm, der aus typischen K-Pop-Fanbereichen ausbrach und die Mädchengeneration in Schlagdistanz zum US-Ruhm brachte.Die Kombination aus frechem, farbenfrohem Konzept, cleverer Choreografie, süßen Mädchen und eingängigem Songwriting macht „Gee“ zum Inbegriff des K-Pop—Songs: Es macht Spaß, ist ansteckend und unvergesslich – und es wurde alles andere als algorithmisch von einer Studiomaschine produziert, die für perfekten Gesang, perfekten Tanz, perfekte Videos und perfekte Unterhaltung verantwortlich ist. Die damals neun Mitglieder der Girls’Generation wurden werkseitig zu den perfekten, männlichen Puppen zusammengebaut, die Sie im Musikvideo des Songs sehen, durch extreme Studioaufsicht und jahrelange harte Arbeit jeder Frau — insgesamt 52 Jahre Ausbildung, beginnend in ihrer Kindheit.Durch hart umkämpfte Auditions, beginnend im Alter von 10 bis 12 Jahren, führen Musikstudios talentierte Kinder in das K-Pop-Regime ein. Die Kinder besuchen spezielle Schulen, wo sie spezielle Gesangs- und Tanzstunden nehmen; sie lernen, wie sie ihr öffentliches Verhalten moderieren und sich auf das Leben als Popstar vorbereiten können; Sie verbringen Stunden in täglichen Proben und treten in Musikshows am Wochenende sowie in speziellen Gruppenaufführungen auf. Durch diese Leistungen, glückliche Kinder können Fangemeinde gewinnen, bevor sie offiziell „debütieren.“ Und wenn sie alt genug sind, wenn sie wirklich zu den wenigen Glücklichen gehören, werden die Studios sie in eine Idolgruppe aufnehmen oder sogar gelegentlich als Solokünstler starten.

Sobald eine Idolgruppe perfekt ausgebildet ist, generieren die Studios Popsongs für sie, vermarkten sie, bringen sie ins Fernsehen, schicken sie auf Tour und bestimmen, wann sie als nächstes ihr „Comeback“ feiern — ein Begriff, der normalerweise die neueste Albumveröffentlichung einer Band signalisiert, in der Regel begleitet von großem Tamtam, speziellen TV-Auftritten und einem völlig neuen thematischen Konzept.Aufgrund der Kontrolle, die sie über ihre Künstler ausüben, sind südkoreanische Musikstudios direkt verantwortlich für die Gestaltung des globalen Images von K-Pop als Genre. Aber die Industrie ist notorisch ausbeuterisch, und das Studioleben ist zermürbend bis zu dem Punkt, dass es leicht zu missbräuchlichen übergehen kann; Darsteller werden regelmäßig langfristige Verträge unterzeichnet, bekannt als „Sklavenverträge,“Wenn sie noch Kinder sind, die ihr privates Verhalten genau diktieren, Dating Leben, und öffentliches Verhalten.

Die Studios sind auch ein Nährboden für räuberisches Verhalten und Belästigung durch Studio-Führungskräfte. In den letzten Jahren hat die zunehmende öffentliche Aufmerksamkeit für diese Probleme zu Veränderungen geführt; Im Jahr 2017 stimmten mehrere Studios einer erheblichen Vertragsreform zu. Immer noch, wie der jüngste Selbstmord des Shinee-Künstlers Kim Jong-hyun enthüllte, Der Druck der Studiokultur wird selten veröffentlicht und kann diejenigen, die innerhalb des Systems aufwachsen, ernsthaft belasten.

Trotz alledem wird das Klausurleben eines K-Pop-Stars von Tausenden südkoreanischer Teenager und Jugendlicher begehrt – so sehr, dass begehbare Vorsprechen, um Kinder für die Studioprogramme zu scouten, häufig in Südkorea und New York stattfinden.

Zusätzlich zu den Studio-Auditions ist in den letzten Jahren eine Welle neuer TV-Audition-Shows entstanden, die Unbekannten die Chance geben, entdeckt zu werden und eine Fangemeinde aufzubauen. Oft als Idol-Shows oder Survival-Shows bezeichnet, sind diese Audition-Shows vergleichbar mit American Idol und X-Factor. Die Teilnehmer dieser Shows können es alleine schaffen oder gruppiert werden — wie die kürzlich debütierte Gruppe JBJ (kurz für den Fan-Spitznamen „Just Be Joyful“), bestehend aus Jungen, die letztes Jahr an der Talentshow Produce 101 Season 2 teilgenommen haben und dann in eine temporäre Gruppe aufgenommen wurden, nachdem die Fans angefangen hatten, zusammengesetzte Instagram-Fotos von ihnen allen zu machen. Die Band hat nur einen Sieben-Monats-Vertrag; genießen Sie es, solange es dauert!

Diese vom Fernsehen gesponserten Idolshows haben zu Rückschlägen bei den Studios geführt, die sie als unreifes Talent ansehen – und natürlich die Studiogewinne senken. Das liegt daran, dass der Erfolg einer K-Pop-Gruppe direkt mit ihren Live-TV-Auftritten verbunden ist. Heute gibt es zahlreiche Talentshows, zusammen mit vielen weiteren Sortenshows und bekannten Chart-TV—Countdown—Shows wie Inkigayo und M Countdown, Welche Faktoren spielen eine Rolle, wie erfolgreich – und daher bankfähig – ein K-Pop-Idol oder eine Idolgruppe ist. Der Gewinn einer Wochenend-Musikshow oder eines wöchentlichen Chart-Countdowns bleibt eine der höchsten Auszeichnungen, die ein Künstler oder eine Musikgruppe in der südkoreanischen Musikindustrie erreichen kann.Aufgrund dieser Abhängigkeit von Live-Performance-Shows sind die Performance—Elemente eines Songs — wie einfach es ist, live zu singen, wie einfach es für ein Publikum ist, aufzugreifen und mitzusingen, die Wirkung seiner Choreografie, seine Kostümierung – alle entscheidend für seinen Erfolg. Gruppen gehen routinemäßig all-out für ihre Leistungen: Zeuge Nach der Schule zu lernen, eine ganze Drumline-Sequenz für Live-Auftritte ihrer Single „Bang!“ sowie so ziemlich jede Live-Performance, die hier erwähnt wird.

All diese Betonung der Live-Auftritte macht die Fans zu einem äußerst aktiven Teil des Erlebnisses. K-Pop-Fans haben die Kunst des Fangesangs perfektioniert, in denen Fans in Live-Studiopublikum und Live-Auftritten alternative Fangesänge über die musikalischen Intros zu Songs schreien, und manchmal als Kontrapunkt zu Refrains, als eine Show der Einheit und Unterstützung.

Diese Kollektivität hat dazu beigetragen, dass die K-Pop-Fangemeinde im In- und Ausland absolut massiv und in einem Maße intensiv ist, das schwer zu überschätzen ist. Fans unterstützen ihre Lieblingsgruppenmitglieder intensiv, und viele Fans geben sich alle Mühe, um sicherzustellen, dass ihre Lieblingsidole aussehen und die Rolle von Weltklasse-Darstellern spielen. K-Con, die größte US-amerikanische K-Pop-Convention, ist im Laufe der Jahre exponentiell gewachsen und umfasst jetzt sowohl Los Angeles als auch New York.

(Es gibt auch Anti-Fans, die auf Bandmitglieder abzielen — am notorischsten ein Anti, der 2006 versuchte, ein Mitglied von DBSK zu vergiften. Aber je weniger über sie gesagt wird, desto besser.)

Sie könnten erwarten, dass K-Pop-Gruppen angesichts all dieses externen Drucks weitgehend dysfunktionale Chaos wären. Stattdessen, Der moderne K-Pop scheint nahtlos zu sein, herrlich, gut geölte Maschine – komplett mit ein paar eklatanten Widersprüchen, die es umso faszinierender machen.

Moderner K-Pop ist ein Bündel bunter Widersprüche