Jōmon Médio vaso; cerca de 3000-2000 A.C.

Jōmon artEdit

Os primeiros colonos do Japão foram os Jōmon pessoas (c. 10,500 – c. 300 A.C.), nomeado para o cabo de marcas que decoraram as superfícies dos seus vasos de barro, eram nômades de caçadores-coletores, que mais tarde praticado organizado agricultura e edificou cidades com populações de centenas, se não milhares de pessoas. Eles construíram casas simples de madeira e palha colocadas em Poços de terra rasos para fornecer calor do solo. Eles criavam vasos decorados de cerâmica, figuras de barro chamadas dogū, e jóias de cristal.

early Jomon periodEdit

During the Early Jomon period (5000-2500 A. C.), villages started to be discovered and ordinary everyday objects were found such as ceramic pots purposed for boiling water. Os potes que foram encontrados durante este tempo tinham bottoms planos e tinham desenhos elaborados feitos de materiais como bambu. Além disso, outra descoberta importante foi as primeiras figuras Jomon que podem ter sido usadas como objetos de fertilidade devido aos seios e quadris inchados que exibiram.

Jōmon Médio periodEdit

Jar; do meio para o final do período Jomon; 35º-século 11 A.C.

A Meio período Jōmon (2500-1500 A.C.), constatando-se que do Início do Período Jōmon de muitas maneiras. Estas pessoas tornaram-se menos nômades e começaram a se instalar em aldeias. Eles criaram ferramentas úteis que eram capazes de processar os alimentos que eles coletavam e caçavam, o que tornava a vida mais fácil para eles. Através das numerosas cerâmicas esteticamente agradáveis que foram encontradas durante este período de tempo, é evidente que estas pessoas tinham uma economia estável e mais tempo de lazer para estabelecer belas peças. Além disso, as pessoas do período Jomon médio diferiam de seus ancestrais anteriores porque eles desenvolveram navios de acordo com sua função, por exemplo, eles produziram potes a fim de armazenar itens. As decorações nesses vasos começaram a se tornar mais realistas, em oposição à cerâmica Jomon. Em geral, a produção de obras não só aumentou durante este período, Mas estes indivíduos os tornaram mais decorativos e naturalistas.

Final e Final Jōmon periodEdit

Dogū estatueta do site Ebisuda de Ōsaki, prefeitura de Miyagi (1000-400 A.C.)

Durante a Tarde e Final de período Jōmon (1500-300 A.C.), o clima começou a ficar mais frio, portanto, forçando-os a afastar-se das montanhas. A principal fonte de alimento durante este tempo foi o peixe, que os fez melhorar seus suprimentos de pesca e ferramentas. Este avanço foi uma conquista muito importante durante este tempo. Além disso, o número de navios aumentou em grande medida, o que poderia concluir que cada casa tinha a sua própria estatueta exibida nelas. Embora vários navios foram encontrados durante o período Jomon final e tardio, estas peças foram encontradas danificadas, o que pode indicar que eles os usaram para rituais. Além disso, figuras também foram encontradas e foram caracterizadas por seus corpos carnudos e óculos como olhos.as figuras do Dogu são pequenas figuras humanóides e animais feitas durante a parte posterior do período Jomon. Eles foram feitos em todo o Japão, exceto em Okinawa. Alguns estudiosos teorizam que o Dogu agiu como efígies de pessoas, que manifestaram algum tipo de magia simpática. Os Dogu são feitos de argila e são pequenos, tipicamente de 10 a 30 cm de altura. A maioria das estatuetas parecem ser modeladas como mulheres, e têm grandes olhos, pequenas cintas, e ancas largas. Eles são considerados por muitos como representantes de deusas. Muitos têm grandes abdomens associados à gravidez, sugerindo que Jomon os considerava deusas-mãe.

Yayoi artEdit

a próxima onda de imigrantes foi o povo Yayoi, nomeado para o distrito de Tóquio, onde restos de seus assentamentos foram encontrados pela primeira vez. Essas pessoas, chegando no Japão cerca de 300 a. C., trouxeram seu conhecimento do cultivo de arroz em terras úmidas, a fabricação de armas de cobre e sinos de bronze (dōtaku), e cerâmica movida a roda, alimentada a forno.

• O período Yayoi dōtaku bell, 3º século d.c.

• Bronze espelho escavado em Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto

• Carmaic frasco do período Yayoi

• Vários rituais Yayoi cerâmicas de Yoshinogari Site

• Yayoi de armazenamento, frasco de 500 A.C. – 200 CE

Kofun artEdit

Túmulo do Imperador Nintoku, localizado em Sakai, Japão. A tumba em forma de fechadura tem 486m de comprimento, 305m de largura no fundo e 245m de diâmetro.

a terceira fase da pré – história japonesa, o período Kofun (C. 300-710 D. C.), representa uma modificação da cultura Yayoi, atribuível quer ao desenvolvimento interno quer à força externa. Este período é mais notável por sua cultura tumular e outros artefatos, como espelhos de bronze e esculturas de barro chamadas haniwa, que foram erguidos fora destes túmulos. Ao longo do período Kofun, as características destes túmulos evoluíram de túmulos menores erguidos em colinas e cordilheiras para túmulos muito maiores construídos em terras planas. A maior tumba do Japão, a tumba do Imperador Nintoku, abriga 46 montículos funerários e tem a forma de um buraco de fechadura, uma característica distinta encontrada em túmulos posteriores de Kofun.

Asuka e Nara artEdit

Um dragão-cabeça jarro com Pegasus padrão de incisão, de bronze dourado com prata, Asuka período, do século 7, o antigo templo de Horyu-ji Templo tesouros

Durante a Asuka e Nara períodos, assim chamado porque a sede do governo Japonês foi localizado no Asuka Vale a partir de 542 para 645 e na cidade de Nara, até 784, a primeira grande afluxo de continental a cultura Asiática teve lugar no Japão.a transmissão do Budismo deu o impulso inicial para os contatos entre a China e o Japão. O Japonês reconheceu as facetas da cultura Chinesa que pode proveitosamente ser incorporados em sua própria: um sistema para a conversão de idéias e sons na escrita; historiografia; complexo de teorias de governo, tais como uma eficiente burocracia; e, o mais importante para as artes, novas tecnologias, novas técnicas de construção, métodos mais avançados de fundição em bronze, e de novas técnicas e meios para a pintura.ao longo dos séculos VII e VIII, no entanto, o principal foco nos contatos entre o Japão e o continente asiático foi o desenvolvimento do Budismo. Nem todos os estudiosos concordam em datas significativas e os nomes apropriados para aplicar a diferentes períodos de tempo entre 552, a data oficial da introdução do Budismo no Japão, e 784, quando a capital Japonesa foi transferido de Nara. As designações mais comuns são o período Suiko, 552-645; o período Hakuho, 645-710, e o período Tenpyō, 710-784.

• Pagode e Kondō em Hōryū-ji, do século 8

• Hokkedō em Todai-ji, Século 8

Os primeiros Japoneses esculturas de Buda são datadas de 6 e 7 de século. Eles finalmente derivam da arte Greco – budista de Gandara do século I ao III, caracterizada por padrões de vestuário fluentes e renderização realista, em que traços artísticos chineses foram sobrepostos. Após a arte budista chinesa do Norte de Wei ter se infiltrado em uma península coreana, ícones budistas foram trazidos para o Japão por vários grupos de imigrantes. Particularmente, a forma semi-sentada Maitreya foi adaptada para um estilo de arte grego antigo altamente desenvolvido que foi transmitido para o Japão como evidenciado pelas estátuas Kōryū-ji Miroku Bosatsu e Chūgū-ji Siddhartha. Muitos historiadores retratam a Coreia como um mero transmissor do Budismo. Os Três Reinos, e particularmente Baekje, foram instrumentais como agentes ativos na introdução e formação de uma tradição budista no Japão em 538 ou 552.Ilustram o ponto terminal da transmissão de arte da Rota da Seda durante os primeiros séculos da nossa era. Outros exemplos podem ser encontrados no desenvolvimento da iconografia do Deus vento Fūjin Japonês, os guardiões nio, e os padrões florais quase clássicos nas decorações dos templos.

As primeiras estruturas budistas ainda existentes no Japão, e os edifícios de madeira mais antigos no Extremo Oriente são encontrados no Hōryū-ji a sudoeste de Nara. Construído pela primeira vez no início do século VII como o templo privado do príncipe herdeiro Shotoku, ele consiste de 41 edifícios independentes. Os mais importantes, o salão principal de adoração, ou Kondō (Salão Dourado), e Gojū-no-tō (Pagode de cinco andares), estão no centro de uma área aberta cercada por um claustro coberto. O Kondō, no estilo dos salões de adoração chineses, é uma estrutura de dois andares de construção pós-e-viga, tapada por um irimoya, ou telhado de ladrilhos de cerâmica.

dentro do Kondō, em uma grande plataforma retangular, são algumas das esculturas mais importantes do período. A imagem central é uma Shaka Trindade (623), o Buda histórico, ladeado por dois bodhisattvas, escultura fundida em bronze pelo escultor Tori Busshi (prosperou início do século 7), em homenagem ao recentemente falecido Príncipe Shōtoku. Nos quatro cantos da plataforma estão os reis Guardiões das quatro direções, esculpidos em madeira em torno de 650. Também alojado em Hōryū-ji está o Santuário Tamamushi, uma réplica de madeira de um Kondō, que é definido em uma base de madeira alta que é decorada com pinturas figurais executadas em um meio de pigmentos minerais misturados com laca.a construção do templo no século VIII foi focada em torno do Tōdai-ji em Nara. Construído como sede de uma rede de templos em cada uma das províncias, o Tōdaiji é o mais ambicioso complexo religioso erguido nos primeiros séculos de adoração budista no Japão. Apropriadamente, o Buda 16,2-M (53-pés) (completado 752) consagrado no salão principal do Buda, ou Daibutsuden, é um Buda Rushana, a figura que representa a essência do Budismo, assim como o Tōdaiji representou o centro para o budismo imperialmente patrocinado e sua disseminação em todo o Japão. Apenas alguns fragmentos da estátua original sobreviveram, e o atual hall e Buda central são reconstruções do período Edo.

em torno da Daibutsuden em uma encosta ligeiramente inclinada são um número secundário de salões: o Hokke-dō (Sutra de Lótus Municipal), com a sua imagem principal, o Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, o mais popular do bodhisattva), trabalhada de seca laca (pano embebido em verniz e em forma através de uma armadura de madeira); o Kaidanin (戒壇院, Coordenação Municipal), com as suas magníficas estátuas de argila dos Quatro Guardião Reis; e o armazém, chamado Shōsōin. Esta última estrutura é de grande importância como uma arte-histórico, cache, porque nele são armazenados os utensílios que foram utilizados na cerimônia de dedicação do templo em 752, o olho-ritual de abertura para o Rushana imagem, bem como documentos do governo e muitos secular objetos de propriedade da família Imperial.acredita-se que Choukin (ou chōkin), a arte da gravura ou escultura de metal, tenha começado no período Nara.

Heian artEdit

Taizokai (útero realm) Mandala em uma seda pendurado rolagem, 9º século d.c.

Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji

Em 794 a capital do Japão foi oficialmente transferido para Heian-kyo (atual Kyoto), onde permaneceu até 1868. O termo período Heian refere-se aos anos entre 794 e 1185, quando o xogunato Kamakura foi estabelecido no final da Guerra Genpei. O período é ainda dividido no início Heian e no final Heian, ou era Fujiwara, sendo a data crucial 894, o ano em que as embaixadas imperiais para a China foram oficialmente descontinuadas.arte Heian primitiva: em reação à crescente riqueza e poder do Budismo organizado em Nara, o sacerdote Kūkai (mais conhecido por seu título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) viajou para a China para estudar Shingon, uma forma de budismo Vajrayana, que ele introduziu no Japão em 806. No núcleo da adoração de Shingon está mandalas, diagramas do universo espiritual, que então começou a influenciar o design do templo. A arquitetura budista japonesa também adotou a stupa, originalmente uma forma arquitetônica Indiana, em seu Pagode estilo Chinês.os templos erigidos para esta nova seita foram construídos nas montanhas, longe da corte e dos leigos na capital. A topografia irregular desses locais forçou arquitetos japoneses a repensar os problemas da construção do templo, e ao fazê-lo escolher mais elementos indígenas de design. Telhados de casca de cipreste substituíram os de telha cerâmica, pranchas de madeira foram usadas em vez de pisos de barro, e uma área de adoração separada para os leigos foi adicionada em frente ao santuário principal.

o templo que melhor reflete o espírito dos primeiros templos de Heian Shingon é o Murō-ji (início do século IX), situado profundamente em um posto de ciprestes em uma montanha a sudeste de Nara. A imagem de madeira (o começo do século 9) de Shakyamuni, o “histórico” de Buda, consagrado em um edifício secundário no Murō-ji, é típica do início de Heian escultura, com o seu pesado corpo, coberto por uma espessa cortina de dobras esculpida na honpa-shiki (rolando-onda), estilo e austera, retirado de uma expressão facial.no período Fujiwara, o Budismo da Terra Pura, que oferecia fácil salvação através da crença em Amida (o Buda do Paraíso Ocidental), tornou-se popular. Este período tem o nome da família Fujiwara, então a mais poderosa do país, que governou como regentes do Imperador, tornando-se, de fato, ditadores civis. Ao mesmo tempo, a nobreza de Kyoto desenvolveu uma sociedade dedicada a elegantes atividades estéticas. Tão seguro e belo era o seu mundo que não podiam conceber o paraíso como sendo muito diferente. Eles criaram uma nova forma de salão Buda, o salão Amida, que mistura o secular com o religioso, e abriga uma ou mais imagens de Buda dentro de uma estrutura semelhante às mansões da nobreza.

Byōdō-em Phoenix Hall, Uji, Kyoto

O Hō-ō-dō (Phoenix Hall, concluída 1053) do Byōdō-no, um templo em Uji, a sudeste de Kyoto, é o exemplo dos Fujiwara Amida salas. Consiste em uma estrutura retangular principal ladeada por dois corredores de asa em forma de L e um corredor de cauda, situado na borda de um grande lago artificial. Dentro, uma única imagem dourada de Amida (C. 1053) é instalada em uma plataforma alta. A escultura de Amida foi executada por Jōchō, que usou um novo cânone de proporções e uma nova técnica (yosegi), na qual várias peças de madeira são esculpidas como conchas e unidas por dentro. Aplicado às paredes da sala são pequenas esculturas em relevo do celestiais, o anfitrião acredita ter acompanhado Amida quando ele desceu do Paraíso Ocidental para recolher as almas dos crentes no momento da morte, e transportá-los em flores de lótus para o Paraíso. Pinturas de Raigo nas portas de madeira do Hō-ō-dō, retratando a descida do Buda Amida, são um exemplo antigo de Yamato-e, pintura em estilo japonês, e contêm representações do cenário em torno de Kyoto.

“YUGIRI” de Genji Monogatari Emaki

E-maki: No último século do período Heian, a horizontal, como ilustrado narrativa handscroll, conhecido como e-maki (絵巻, iluminado. “picture scroll”), came to the fore. Datando de cerca de 1130, o Genji Monogatari Emaki, um famoso conto ilustrado de Genji representa o mais antigo registro yamato-e sobrevivente, e um dos pontos altos da pintura japonesa. Escrito por volta do ano 1000 por Murasaki Shikibu, uma dama-de-companhia da Imperatriz Shōshi, o romance trata da vida e dos Amores de Genji e do mundo da corte Heian após sua morte. Os artistas do século XII da versão e-maki conceberam um sistema de Convenções pictóricas que transmitem visualmente o conteúdo emocional de cada cena. Na segunda metade do século, um estilo diferente e mais vivo de ilustração narrativa contínua tornou-se popular. O ban Dainagon Ekotoba (final do século XII), um pergaminho que lida com uma intriga na corte, enfatiza figuras em movimento ativo retratadas em pinceladas executadas rapidamente e cores finas, mas vibrantes.

e-maki também serve como alguns dos primeiros e maiores exemplos dos estilos otoko-e (“imagens masculinas”) e onna-e (“imagens femininas”) da pintura. Há muitas diferenças finas nos dois estilos, apelando às preferências estéticas dos gêneros. Mas talvez mais facilmente perceptíveis são as diferenças no assunto. Onna-e, epitomizada pelo conto de Genji handscroll, normalmente lida com a vida da corte, particularmente as damas da corte, e com temas românticos. Otoko-e frequentemente registrava eventos históricos, particularmente batalhas. O cerco do Palácio de Sanjō (1160), representado na seção “Night Attack on the Sanjō Palace” do “handscroll Monogatari Heiji”, é um exemplo famoso deste estilo.

Kamakura artEdit

, Dourada, bronze relicário em aberto (kondō sukashibari sharitō)

Em 1180, uma guerra eclodiu entre os dois mais poderosos clãs guerreiros: os Taira e Minamoto; cinco anos mais tarde, os Minamoto saiu vitorioso e estabeleceu um estado de facto, sede do governo, na vila costeira de Kamakura, onde permaneceu até 1333. Com a mudança de poder da nobreza para a classe guerreira, as artes tiveram que satisfazer um novo público: homens dedicados às habilidades da guerra, os sacerdotes se comprometeram a tornar o budismo disponível para plebeus analfabetos, e conservadores, a nobreza e alguns membros do sacerdócio que lamentaram o declínio do poder da corte. Assim, o realismo, uma tendência popularizante, e um renascimento clássico caracterizam a arte do período Kamakura. No período Kamakura, Kyoto e Nara permaneceram os centros de produção artística e alta cultura.

Detalhe de Muchaku em Kofuku-ji de Nara por Unkei

Escultura: A escola Kei de escultores, particularmente Unkei, criou um novo e mais realista estilo de escultura. As duas imagens do guardian nio (1203) no grande portão sul do Tōdai-ji em Nara ilustram o estilo dinâmico supra-realista de Unkei. As imagens, de cerca de 8 m (cerca de 26 pés) de altura, foram esculpidas de vários blocos em um período de cerca de três meses, um feito indicativo de um sistema de estúdio desenvolvido de artesãos que trabalham sob a direção de um mestre escultor. As esculturas de madeira policromadas de Unkei (1208, Kofuku-ji, Nara) de dois sábios indianos, Muchaku e Seshin, os lendários fundadores da seita Hossō, estão entre as obras mais realizadas do período; Como rendido por Unkei, eles são imagens notavelmente individualizadas e credíveis. Uma das obras mais famosas deste período é uma tríade Amitabha (concluída em 1195), em Jodo-ji em Ono, criada por Kaikei, sucessor de Unkei.caligrafia e pintura: A Kegon Engi Emaki, a história ilustrada da fundação da seita Kegon, é um excelente exemplo da tendência popularizante da pintura Kamakura. A seita Kegon, uma das mais importantes do período Nara, caiu em tempos difíceis durante a ascensão das seitas de Terra Pura. Após a Guerra Genpei (1180-1185), o sacerdote Myoe de Kozan-ji procurou reviver a seita e também fornecer um refúgio para as mulheres viúvas pela guerra. As esposas dos samurais tinham sido desencorajadas de aprender mais do que um sistema de silabários para transcrever sons e ideias (ver kana), e a maioria era incapaz de ler textos que empregavam ideógrafos chineses (kanji).

assim, o Kegon Engi Emaki combina passagens de texto, escrito com um máximo de sílabas de leitura fácil, e ilustrações que têm o diálogo entre personagens escritos ao lado dos falantes, uma técnica comparável às tiras cômicas contemporâneas. O enredo do e-maki, as vidas dos dois sacerdotes coreanos que fundaram a seita Kegon, é rapidamente passeado e cheio de feitos fantásticos, como uma viagem ao Palácio do Rei do oceano, e uma história comovente mãe.

um trabalho numa veia mais conservadora é a versão ilustrada do diário de Murasaki Shikibu. As versões e-maki de seu romance continuaram a ser produzidas, mas a nobreza, sintonizada com o novo interesse no realismo, ainda nostálgico para os últimos dias de riqueza e poder, reviveu e ilustrou o diário, a fim de recuperar o esplendor dos tempos do autor. Uma das mais belas passagens ilustra o episódio em que Murasaki Shikibu é brincadeira mantido prisioneiro em seu quarto por dois jovens cortesãos, enquanto, do lado de fora, a luz do luar brilha no musgoso margens de riachos, no jardim imperial.durante o período Muromachi (1338-1573), também chamado período Ashikaga, uma profunda mudança ocorreu na cultura japonesa. O clã Ashikaga assumiu o controle do xogunato e mudou sua sede de volta para Kyoto, para o distrito Muromachi da cidade. Com o retorno do governo à capital, as tendências popularizantes do período Kamakura chegaram ao fim, e a expressão cultural assumiu um caráter mais aristocrático, elitista. O Budismo Zen, A seita Ch’an tradicionalmente considerada como tendo sido fundada na China no século VI, foi introduzido pela segunda vez no Japão e enraizado.

Karesansui de Ryōan-ji, Kyoto

Pintura: Por causa de empreendimentos seculares e missões comerciais para a China organizadas por templos Zen, muitas pinturas e objetos de arte chineses foram importados para o Japão e influenciaram profundamente os artistas japoneses que trabalhavam para os templos Zen e o xogunato. Não só essas importações mudaram o assunto da pintura, mas também modificaram o uso da cor; as cores brilhantes de Yamato-e renderam-se aos monocromes da pintura da maneira chinesa, onde as pinturas geralmente têm apenas tons preto e branco ou diferentes de uma única cor.típico da pintura inicial de Muromachi é a representação do sacerdote-pintor Kao (início ativo do século XV) do lendário monge Kensu (Hsien-tzu em chinês) no momento em que ele alcançou a iluminação. Este tipo de pintura foi executado com pinceladas rápidas e um mínimo de detalhes. A captura de um peixe-gato com uma Cabaça (início do século 15, Taizō-no, Myōshin-ji, Kyoto), pelo padre pintor Josetsu (active c. 1400), marca um ponto de viragem no período Muromachi pintura. Executado originalmente para uma tela de baixo nível, ele foi remontado como um pergaminho pendurado com inscrições por figuras contemporâneas acima, uma das quais se refere à pintura como estando no “novo estilo”. No primeiro plano, um homem é representado na margem de um riacho segurando uma cabaça pequena e olhando para um grande peixe-gato deslizante. A névoa enche o meio, e as montanhas de fundo parecem estar longe. É geralmente assumido que o” novo estilo ” da pintura, executado por volta de 1413, se refere a um sentido mais Chinês de espaço profundo dentro do plano da imagem.os principais artistas do Período Muromachi são os sacerdotes-pintores Shūbun e Sesshū. Shūbun, um monge no Templo de Kyoto de Shōkoku-ji, criou na pintura Reading em um Bosque De Bambu (1446) uma paisagem realista com profunda recessão no espaço. Sesshu, ao contrário da maioria dos artistas do período, foi capaz de viajar para a China e estudar a pintura chinesa em sua fonte. A paisagem das Quatro Estações (Sansui Chokan; C. 1486) é uma das obras mais realizadas de Sesshu, representando uma paisagem contínua através das quatro estações.

Azuchi-Momoyama artEdit

Castelo de Himeji, construído em 1580-1609

No período Azuchi–Momoyama (1573-1603), uma sucessão de líderes militares, como Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, e Tokugawa Ieyasu, tentou trazer a paz e a estabilidade política ao Japão depois de uma era de quase 100 anos de guerra. Oda, um pequeno chefe, adquiriu poder suficiente para assumir de facto o controle do governo em 1568 e, cinco anos depois, para expulsar o último Ashikaga shōgun. Hideyoshi assumiu o comando após a morte de Oda, mas seus planos para estabelecer o domínio hereditário foram frustrados por Ieyasu, que estabeleceu o Xogunato Tokugawa em 1603.

Ciprestes Byōbu, tela de dobramento por Kanō Eitoku, 1590

a Pintura: A mais importante escola de pintura no período Momoyama, foi a de que o Kanō escola, e a maior inovação do período foi a fórmula, desenvolvido por Kanō Eitoku, para a criação de paisagens monumentais sobre as portas de correr colocando um quarto. A decoração da sala principal de frente para o Jardim do Jukō-in, um subtemplo de Daitoku-ji (um templo Zen em Kyoto), é talvez o melhor exemplo existente do trabalho de Eitoku. Uma enorme árvore de ume e pinheiros gêmeos são representados em pares de telas deslizantes em cantos diagonalmente opostos, seus troncos repetindo os verticais dos cantos e seus ramos estendendo-se para a esquerda e direita, unificando os painéis adjacentes. A tela de Eitoku, leões chineses, também em Kyoto, revela o estilo ousado e colorido de pintura preferido pelos samurais.

Hasegawa Tohaku, um contemporâneo de Eitoku, desenvolveu um estilo um pouco diferente e mais decorativo para pinturas de tela em grande escala. Em seu Maple Tela (楓図), agora no templo de Chishaku-in (ja:智積院), em Quioto, ele colocou o tronco da árvore no centro e estendeu os membros quase até a borda da composição, criando uma bajular, menos arquitetônico trabalho de Eitoku, mas uma visualmente deslumbrante pintura. Sua tela de seis vezes, Pine Wood (松林図), É uma tradução magistral em tinta monocromática de um bosque de árvores envolto em névoa.

a Arte do período Edo periodEdit

Deus do Vento e Trovão de Deus, Tawaraya Sōtatsu, Século 17

O xogunato Tokugawa, ganhou indiscutível o controle do governo em 1603, com o compromisso de trazer a paz e a estabilidade política e económica para o país, em grande medida foi bem-sucedida. O xogunato sobreviveu até 1867, quando foi forçado a capitular por causa de seu fracasso em lidar com a pressão das nações ocidentais para abrir o país ao comércio exterior. Um dos temas dominantes no período Edo foi a política repressiva do xogunato e as tentativas de artistas para escapar dessas restrições. O mais importante desses foi o fechamento do país para estrangeiros e os apetrechos de suas culturas, e a imposição de códigos estritos de comportamento que afetam todos os aspectos da vida, as roupas que usava um, a pessoa com quem se casou, e as atividades se poderia ou não deve prosseguir.

Nos primeiros anos do período Edo, no entanto, o impacto total de Tokugawa políticas ainda não tinha sido sentida, e alguns do Japão melhores expressões em arquitetura e pintura, foram produzidos: Palácio Katsura, em Quioto, e as pinturas de Tawaraya Sōtatsu, pioneiro da Rinpa escola.

Circuito de estilo Japonês jardim Kōraku-pt em Okayama, começou em 1700

Xilogravura de impressão: xilogravuras foram originalmente utilizados para traduzir as escrituras Budistas, no oitavo século, no Japão. A impressão em bloco de madeira consiste na gravura de imagens ou imagens em um pedaço de madeira, que é então pressionado contra um pedaço de papel. No século VIII, woodblock foi considerado um método conveniente para a reprodução de texto impresso até que outras inovações permitiram que a cor fosse traduzida em papel ou mais conhecido como nishik-e prints. A impressão em blocos de madeira foi o método comum de impressão desde o século XI até o século XIX. Nishiki-e imprimiu bens como calendários que eram comumente vendidos a membros ricos da sociedade durante o período Edo. No período Edo estas gravuras foram retratadas eventos e cenas de atores proeminentes. Ukiyo então foi associado à impressão de madeira no início do período Edo. Estas pinturas de Ukiyo retratavam a vida diária de membros proeminentes da sociedade. Ukiyo começou como pergaminhos esculpidos à mão retratando a vida como um comum normal.Arquitetura: O Palácio separado de Katsura, construído em imitação do Palácio de Genji, contém um conjunto de edifícios de cardumes que combinam elementos da arquitetura clássica japonesa com restaurações inovadoras. Todo o complexo está rodeado por um belo jardim com caminhos para andar.Muitos dos poderosos daimyōs (senhores feudais) construíram um jardim japonês em estilo circuito no país do território, e competiram pela beleza.pintura: Sōtatsu desenvolveu um estilo decorativo Soberbo, recriando temas da literatura clássica, usando figuras brilhantemente coloridas e motivos do mundo natural contra fundo de folhas de ouro. Um de seus melhores trabalhos é o par de telas das ondas em Matsushima na galeria Freer em Washington, D. C. Um século depois, Kōrin reformulou o estilo de Sōtatsu e criou obras visualmente deslumbrantes exclusivamente suas. Talvez os seus melhores sejam as pinturas de tela de flores de ameixa vermelha e branca.escultura: O monge budista Enkū esculpiu 120.000 imagens budistas em um estilo áspero e individual.

Três Belezas dos Dias atuais, por Utamaro, c. 1793

A impressão Fuji Vermelho de Hokusai série Trinta e seis Vistas do Monte Fuji

chuva Súbita no Atake Ponte, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e e a nanga (bunjinga): escola de arte mais conhecida no Ocidente, é que o ukiyo-e pinturas e xilogravuras do demimonde, o mundo do teatro kabuki e o prazer distritos. As impressões Ukiyo-e começaram a ser produzidas no final do século XVII; em 1765 Harunobu produziu a primeira impressão policromada. Designers de impressão da próxima geração, incluindo Torii Kiyonaga e Utamaro, criaram representações elegantes e às vezes perspicazes de cortesãs.no século XIX, as figuras dominantes eram Hokusai e Hiroshige, o último um criador de paisagens românticas e um pouco sentimentais. Os ângulos e formas ímpares através dos quais Hiroshige via muitas vezes a paisagem, e o trabalho de Kiyonaga e Utamaro, com sua ênfase em planos planos planos planos planos e esboços lineares fortes, tiveram um impacto profundo em artistas ocidentais como Edgar Degas e Vincent van Gogh. Através de obras de arte realizadas em museus ocidentais, estes mesmos gravadores mais tarde exerceriam uma influência poderosa sobre as imagens e abordagens estéticas usadas por poetas modernistas como Ezra Pound, Richard Aldington e H. D.

uma escola de Pintura contemporânea com ukiyo-e foi nanga, ou bunjinga, um estilo baseado em pinturas executadas por estudiosos-pintores chineses. Assim como artistas ukiyo-e escolheram retratar figuras da vida fora das restrições do xogunato Tokugawa, artistas bunjin se voltaram para a cultura chinesa. Os exemplares deste estilo são Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, e Yamamoto Baiitsu (ja:大本 山).cerâmica artigos principais: Japonês cerâmica e porcelana Japonesa e exportação de porcelana

Tradicional, principalmente grés, estilos continuou em muitas partes do Japão, mas Japonês cerâmica foram transformados em torno do início do período Edo, por um grande afluxo de coreano oleiros, capturados ou persuadidos a emigrar no curso de Japonês invasões da Coreia no 1590s. Muitos destes foram assentadas no sul da ilha de Kyushu, e eles trouxeram com eles a experiência de versões de Chinês-estilo de câmaras de escalada forno, chamado noborigama no Japão, o que permitiu a altas temperaturas, com um controlo mais preciso. Por volta de 1620 eles descobriram depósitos de caulinita, e começaram a fazer porcelana pela primeira vez no Japão. As primeiras mercadorias (chamadas “Imari primitivo”) eram relativamente pequenas e imitavam a porcelana chinesa de cor Azul e branca, que o Japão havia importado por algum tempo.

a indústria da porcelana expandiu-se muito no final da década de 1650, como o colapso da indústria chinesa da guerra civil levou a ordens muito grandes dos comerciantes chineses e da Companhia Holandesa das Índias Orientais, até então os comerciantes apenas autorizados a fazer negócios no Japão. O primeiro grande período de porcelana de exportação Japonesa durou até cerca de 1740, e a grande maioria da porcelana japonesa foi feita para exportação, principalmente para a Europa, mas também o mundo islâmico para o oeste e sul do Japão.

• Ko-Kutani (antigo Kutani) cinco cores Iroe tipo de amor ewer com pássaro e flor de design em overglaze esmalte, período Edo, Século 17

• Ko-Imari prato, 1700-1740

Laca:artigo principal: Utensílios de laca japoneses com o desenvolvimento da economia e da cultura, a qualidade artística do mobiliário lacado melhorou. Hon’ami Kōetsu e Ogata Kōrin trouxeram os desenhos da Escola Rinpa de pintura para lacquerware. Após a metade do período Edo, inrō para portátil medicina recipientes começou a ser decorado elegantemente com maki-e, a e raden, e tornou-se popular entre a classe samurai e ricos comerciantes no chōnin de classe, e no final do período Edo, que mudou a partir de práticas acessórios para coleções de arte. A exportação de laca continuou após o período Azuchi-Momoyama. Maria Antonieta e Maria Teresa são conhecidos como colecionadores de laca japonesa neste período.

• Inro e Netsuke, do século 18

• Escrever incolor caixa com Lírios em Yatsuhashi, por Ogata Kōrin. Tesouro Nacional arte do período pré-guerra: Meiji (era) Art

  quando o Imperador do Japão recuperou o poder dominante em 1868, o Japão foi novamente invadido por novas e alienígenas formas de cultura. Durante o período pré-guerra, a introdução dos valores culturais ocidentais levou a uma dicotomia na arte japonesa, bem como em quase todos os outros aspectos da cultura, entre valores tradicionais e tentativas de duplicar e assimilar uma variedade de novas ideias. Esta divisão permaneceu evidente no final do século XX, embora muita síntese já tivesse ocorrido, e criou uma atmosfera cultural internacional e estimulou as artes japonesas contemporâneas em direção a formas cada vez mais inovadoras.o governo interessou-se activamente pelo mercado de exportação de arte, promovendo as artes japonesas numa sucessão de feiras mundiais, a começar pela Conferência Mundial de Viena de 1873. Fair.As além de financiar fortemente as feiras, o governo assumiu um papel ativo organizando como a cultura do Japão foi apresentada ao mundo. Ele criou uma empresa semi-pública-a Kiritsu Kosho Kaisha (primeira empresa industrial) – para promover e comercializar as exportações de arte e estabeleceu o Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) para manter os padrões de qualidade. Para a Exposição Internacional centenária de 1876 na Filadélfia, o governo japonês criou um escritório Centenário e enviou um enviado especial para garantir o espaço para os 30.000 itens que seriam exibidos. A Casa Imperial também teve um interesse ativo em artes e ofícios, encomendando obras (“produtos de apresentação”) como presentes para dignitários estrangeiros. Em 1890, o sistema Teishitsu Gigeiin (artista da Casa Imperial) foi criado para reconhecer artistas distintos; Setenta foram nomeados de 1890 a 1944. Entre eles estavam o pintor e artista de laca Shibata Zeshin, o ceramicista Makuzu Kozan, o pintor Hashimoto Gahō, e o artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki.à medida que as importações Ocidentais se tornaram populares, a procura de arte japonesa diminuiu dentro do próprio Japão. Na Europa e na América, a nova disponibilidade da arte japonesa levou a um fascínio pela cultura japonesa; uma loucura conhecida na Europa como Japonisme. Patrocínio Imperial, patrocínio do governo, promoção a novos públicos e Tecnologia Ocidental combinados para promover uma era de inovação artística Japonesa. Nas Artes Decorativas, os artistas japoneses alcançaram novos níveis de sofisticação técnica.hoje, Masayuki Murata possui mais de 10.000 obras de arte Meiji e é um dos colecionadores mais entusiastas. A partir desse tempo, a maioria das excelentes obras de Meiji Arte foram compradas por colecionadores e apenas alguns deles permaneceram no Japão, mas porque ele comprou de volta com muitas obras de países estrangeiros e abriu o Kiyomizu Sannenzaka Museu, o estudo e a reavaliação de Meiji Arte avançou rapidamente no Japão, após o século 21. Nasser Khalili é também um dos colecionadores mais dedicados do mundo da arte Meiji, e sua coleção abrange muitas categorias da arte Meiji. A família Imperial japonesa também possui excelentes obras de arte Meiji, algumas das quais foram doadas ao estado e agora estão armazenadas no Museu das coleções imperiais.

  Arquitetura e GardenEdit

  

  Jardim de Murin-um, desenhado por Jihei Ogawa em 1894-1898

  no início do século 20, Formas de arte europeias foram bem introduzidos e seu casamento produziu edifícios notáveis, como a Estação de Trem de Tóquio e Prédio da Dieta Nacional que ainda hoje existem. Estação de Tóquio, um edifício da arquitetura Giyōfū, cheio de tijolos e estilo pseudo-Europeu. Este estilo de construção foi construído em áreas urbanas.muitos novos jardins artísticos japoneses foram construídos por Jihei Ogawa.

  PaintingEdit

  

  Senhor Kume , por Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan

  A primeira resposta dos Japoneses e Ocidentais formas de arte foi de coração aberto aceitação, e, em 1876, a Arte Tecnológica Escola(ja:工部美術学校) foi aberto, empregando instrutores italianos para ensinar métodos ocidentais. A segunda resposta foi um balanço do pêndulo na direção oposta, liderado por Okakura Kakuzō e pelo americano Ernest Fenollosa, que encorajou os artistas japoneses a manter temas e técnicas tradicionais enquanto criavam obras mais de acordo com o gosto contemporâneo. Esta foi uma estratégia que eventualmente serviu para estender a influência da arte japonesa até Calcutá, Londres e Boston nos anos que antecederam a Primeira Guerra Mundial. Destes dois pólos da teoria artística-derivados da Europa e da Ásia Oriental, respectivamente-desenvolveram Yoga (“pintura de estilo ocidental”) e Nihonga (“pintura japonesa”), categorias que mantiveram a moeda.

  EnamelsEdit

  

  de Flores e de aves padrão de vaso, por Namikawa Yasuyuki

  Durante a era Meiji, Japonês esmalte cloisonné chegou a um técnico de pico, a produção de itens mais avançados do que qualquer outra que já existiam antes. O período de 1890 a 1910 foi conhecido como a” idade de ouro ” dos esmaltes japoneses. Artistas experimentaram com pastas e com o processo de queima para produzir blocos cada vez maiores de esmalte, com menos necessidade de cloisons (fechando tiras de metal). Assim, o esmalte tornou-se um meio mais pictórico, com desenhos semelhantes ou copiados de pinturas tradicionais. Enamelas com um design único para o Japão, em que flores, pássaros e insetos foram usados como temas, tornou-se popular. Em particular, as obras de Namikawa Yasuyuki e Namikawa Sōsuke foram exibidas em feiras mundiais e ganharam muitos prêmios. Juntamente com os dois Namikawa, a companhia Ando Cloisonné produziu muitos cloisonne de alta qualidade. Enamelos japoneses foram considerados inigualáveis graças às novas conquistas no design e coloração.

  LacquerwareEdit

  

  Maki-e, a Fuji Tagonoura, Shibata Zeshin, 1872

  A era Meiji, viu um interesse renovado em laca como artistas, desenvolvemos novos projetos e experimentos com novas texturas e acabamentos. Maki-e (decorando a laca em ouro ou poeira de prata) foi a técnica mais comum para lacquerware de qualidade neste período. Shibata Zeshin foi um lacerador que ganhou uma grande reputação por suas obras desde o Bakumatsu até o período Meiji. O laca chamado Shibayama e Somada, criado no período Edo, tornou-se popular por seu estilo vistoso, incrustado com ouro, prata, marisco, marfim e colorido metal e vidro, e atingiu seu pico durante este período. Laca de Oficinas Japonesas foi reconhecida como tecnicamente superior ao que poderia ser produzido em qualquer outro lugar do mundo.

  MetalworkEdit

  

  Koro, prata, decorados com metais preciosos e cristal de rocha, 1890

  No início da era Meiji, Japonês metal, foi quase totalmente desconhecido fora do país, ao contrário de verniz e de porcelana que tinha sido anteriormente exportadas. A metalurgia estava ligada à prática budista, por exemplo no uso do bronze para sinos de templo e caldeirões de incenso, então havia menos oportunidades para metalúrgicos uma vez que o budismo foi deslocado como a religião do estado. Exposições internacionais trouxeram bronze cast Japonês para uma nova audiência estrangeira, atraindo elogios fortes. A história passada do armamento samurai equipou metalúrgicos Japoneses para criar acabamentos metálicos em uma ampla gama de cores. Combinando e terminando cobre, prata e Ouro em diferentes proporções, eles criaram ligas especializadas, incluindo shakudō e shibuichi. Com esta variedade de ligas e acabamentos, um artista poderia dar a impressão de decoração de cores completas.

  Porcelana e EarthenwareEdit

  

  tigela de Barro por Yabu Meizan, por volta de 1910

  Técnico e artístico de inovações da era Meiji, virou-se de porcelana em um dos mais bem sucedida internacionalmente Japonês decorativos formas de arte. Satsuma ware foi um nome originalmente dado à cerâmica da província de Satsuma, elaboradamente decorado com dourado e esmalte. Estas mercadorias foram altamente elogiadas no Ocidente. Visto no Ocidente como distintamente Japonês, este estilo realmente devia muito a pigmentos importados e influências ocidentais, e tinha sido criado com a exportação em mente. Oficinas em muitas cidades correram para produzir este estilo para satisfazer a demanda da Europa e América, muitas vezes produzindo de forma rápida e barata. Assim, o termo “Satsuma ware” veio a ser associado não com um lugar de origem, mas com produtos de qualidade inferior criados puramente para exportação. Apesar disso, artistas como Yabu Meizan e Makuzu Kozan mantiveram os mais altos padrões artísticos, enquanto também exportavam com sucesso. De 1876 a 1913, Kozan ganhou prêmios em 51 exposições, incluindo a feira mundial e a Exposição Industrial Nacional.

  TextilesEdit

  

  Um composto visão imaginária do Japão: seda têxteis obras de arte

  A 1902 edição da Encyclopædia Britannica escreveu: “Em nenhum ramo da arte aplicada a decorativos gênio do Japão mostram mais atraentes resultados do que a dos têxteis, tecidos, e em nenhum houve mais evidentes progressos durante os últimos anos.”Obras pictóricas muito grandes e coloridas estavam sendo produzidas em Kyoto. O bordado tornou-se uma forma de arte em seu próprio direito, adotando uma gama de técnicas pictóricas, como o chiaroscuro e perspectiva aérea.

  a Arte do Pós-guerra periodEdit

  Imediatamente após a derrota do Japão na II Guerra Mundial em 1945, um grande número de artistas Japoneses caiu sob a influência, ou mesmo associado, o Japão Partido Comunista, que havia sido legalizado pelo U.S.- liderou a ocupação militar do Japão após muitos anos de repressão pela polícia japonesa antes da guerra. Isto teve a ver com o sucesso do Partido Comunista na promoção da noção, nos primeiros anos do pós-guerra, de que o partido tinha sido o único grupo no Japão a ter resistido ao militarismo em tempo de guerra. Além disso, a palavra japonesa para “vanguarda” (前衛, zen’I), como em “vanguarda da revolução comunista”, acontece ser a mesma palavra usada para “vanguarda” como na vanguarda artística. O Japão Partido Comunista logo veio a dominar a arte importantes sociedades e exposições no Japão, e, portanto, a forma predominante de arte no rescaldo da guerra foi realismo socialista que retratava o sofrimento dos pobres e a nobreza da classe trabalhadora, em linha com o Partido Comunista doutrina de que toda a arte deve servir o propósito de fazer avançar a causa da revolução. Em 1952, o Partido Comunista até mandou artistas como Hiroshi Katsuragawa e outros membros da recém-formada Avant-Garde Associação de Arte (前衛美術会, Zen’ei Bijutsukai para as montanhas, para produzir socialista realista de arte em apoio a “montanha de guerrilha esquadrões”, que estavam a tentar fomentar uma revolução violenta no Japão.durante a década de 1950, muitos artistas japoneses ficaram cada vez mais desiludidos com a definição rígida e limitada de “arte” imposta pelo Partido Comunista. No entanto, devido à preeminência contínua de membros do Partido Comunista e apoiadores nas fileiras seniores das sociedades artísticas e júris de Exposições, os artistas acharam extremamente difícil até mesmo mostrar sua arte a menos que eles se conformassem com as diretrizes do partido. Alguns artistas evitaram exposições públicas formais. Outros buscaram reconhecimento, apoio financeiro e oportunidades para mostrar sua arte no exterior, como o Grupo Gutai de artistas conceituais, fundado em 1954. Ainda outros artistas fizeram uso de algumas exposições independentes no Japão, como a Yomiuri independente patrocinada pelo Yomiuri Shinbun, que qualquer um poderia entrar.uma gota de água veio com os protestos massivos de 1960 contra o Tratado de Segurança EUA-Japão (Conhecido como “Anpo” em Japonês), fazendo com que o papel extremamente passivo desempenhado pelo Partido Comunista supostamente” vanguarda”. Quando os protestos não conseguiram parar o Tratado, uma rodada de recriminações levou a uma maior desilusão com o Partido Comunista e a arte socialista realista, fazendo com que muitos mais artistas se afastassem da influência do partido.

  the 1960s: An explosion of new genresEdit

  With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witness an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be called “postmodern. Artistas coletivos, como organizadores Neo-Dada, dimensão Zero, e Hi-Red Center exploraram conceitos como” não-Arte “e” anti-arte”, e conduziu uma variedade de” eventos “audaciosos,” acontecimentos ” e outras formas de arte de performance projetadas para corroer as fronteiras entre a arte e a vida diária. O Grupo Mono-ha também empurrou as fronteiras dividindo a arte, o espaço, a paisagem e o meio ambiente. Outros artistas, como o designer gráfico Tadanori Yokoo, inspiraram-se na contracultura dos anos 60 e na explosão de novas formas de mangá Comics orientados para adultos. Nas artes cênicas, Tatsumi Hijikata foi pioneira em uma nova forma de dança pós-moderna chamada Butoh, e dramaturgos como Jūrō Kara e Satō Makoto criaram o estilo Angura do Teatro “underground” radical. E em fotografia, fotógrafos como Daidō Moriyama foram pioneiros em uma influente nova escola de fotografia pós-guerra que enfatizava a espontaneidade sobre a composição cuidadosamente encenada e celebrava as características ” são, bure, bokeh “(literalmente”áspero, borrado, fora de foco”).

  a proliferação de novos tipos de arte foi apoiada pelo enorme crescimento da economia japonesa na década de 1960, lembrada como o “milagre econômico japonês”.”Ao longo da década de 1960, a economia japonesa cresceu mais de 10% ao ano. O aumento da riqueza criou uma nova classe de consumidores que poderiam se dar ao luxo de gastar dinheiro em arte e apoiar diferentes tipos de arte e artistas. Pela primeira vez na história moderna do Japão, tornou-se viável para um número significativo de artistas para ganhar a vida puramente através da venda de sua arte. O boom da construção da década de 1960 no Japão, que nivelou a antiga arquitetura tradicional japonesa de madeira e papel e substituiu-a por megacidades espumantes de vidro e aço, ajudou a inspirar novas escolas de arquitetura japonesa, como o movimento metabolismo (arquitetura) liderado por Kenzō Tange, que ousadamente se livrou de modelos convencionais e provou ser influente em todo o mundo.ao mesmo tempo, porém, o mundo da arte permaneceu dominado por cliques que promoviam as obras de certos artistas (geralmente homens) em detrimento de outros. Como se tornou muito mais fácil para os japoneses viajar para o exterior na década de 1960, algumas artistas do sexo feminino, como Yayoi Kusama e Yoko Ono, encontraram melhor recepção no exterior, e acamparam para centros artísticos como Londres, Paris e Nova Iorque, assim como muitos artistas do sexo masculino também.o triunfo das novas formas de arte japonesa foi cimentado na Feira Mundial de Osaka de 1970, onde dezenas de artistas de vanguarda e conceituais foram contratados para projetar pavilhões e experiências artísticas para fair-goers. A arte japonesa de vanguarda tinha se tornado global, e tinha se tornado algo que até o governo conservador tinha orgulho de mostrar ao mundo.nas décadas de 1970 e 1980, a arte japonesa continuou em muitas das direções iniciadas nas décadas de 1950 e 1960, mas muitas vezes com orçamentos muito maiores e materiais mais caros. Como a economia do Japão continuou a expandir-se rapidamente, e eventualmente cresceu em uma das maiores bolhas econômicas da história. Com a moeda japonesa a tornar-se incrivelmente forte na sequência do acordo Plaza de 1985, os indivíduos e as instituições Japonesas tornaram-se os principais intervenientes no mercado internacional de arte. Mega-corporações japonesas extraordinariamente ricas começaram a construir seus próprios museus de arte privada e a adquirir coleções de Arte Moderna e contemporânea, e os artistas japoneses também se beneficiaram muito dessas despesas.em particular, a produção artística continuou a tender para longe da pintura e escultura tradicionais na direção de design gráfico, arte pop, arte vestível, arte de performance, arte conceitual e arte de instalação. Vários tipos de arte” Híbrida ” cada vez mais entrou em voga. À medida que a tecnologia avançava, os artistas incorporavam cada vez mais a eletrônica, o vídeo, os computadores, a música sintetizada e os sons, e os jogos de vídeo em sua arte. A estética do mangá e anime, em que muitos artistas mais jovens cresceram imersos, exerceu uma influência crescente, se às vezes bastante sutil. Acima de tudo, os artistas esquivavam-se de qualquer coisa redolente de “alta arte” ou “bela arte” em favor do pessoal, do eclético, do fantástico ou fantasmagórico, e do brincalhão. Na edição, artistas femininas como Mika Yoshizawa tornaram-se cada vez mais aceitos e apoiados pelo mundo da arte no Japão.

  Arte Contemporânea em JapanEdit

  arte contemporânea japonesa assume tantas formas e expressa tantas ideias diferentes como a arte contemporânea mundial em geral. Ele vai desde anúncios, anime, jogos de vídeo e arquitetura, como já mencionado, à escultura, pintura e desenho em todas as suas inúmeras formas. Artistas japoneses fizeram contribuições especialmente notáveis para a arte contemporânea global nos campos da arquitetura, jogos de vídeo, Design Gráfico, moda e, talvez, acima de tudo, Animação. Enquanto o anime no início foi derivado principalmente de histórias de mangá, diversos animes abundam hoje, e muitos artistas e estúdios têm alcançado grande fama como artistas; Hayao Miyazaki e os artistas e animadores do Studio Ghibli são geralmente considerados entre os melhores que o mundo do anime tem para oferecer.ao mesmo tempo, muitos artistas japoneses continuam a usar técnicas artísticas tradicionais japonesas e materiais herdados de tempos pré-modernos, tais como formas tradicionais de papel japonês e cerâmica e pintura com tinta preta e colorida em papel ou seda. Algumas destas obras retratam temas de temas tradicionais em estilos tradicionais, enquanto outras exploram novos e diferentes motivos e estilos, ou criam híbridos de formas de arte tradicionais e contemporâneas, enquanto utilizam meios de comunicação tradicionais ou materiais. Outros ainda esquecem os meios e estilos nativos, abraçando tintas a óleo Ocidental ou qualquer número de outras formas.na escultura, o mesmo se aplica; alguns artistas seguem os modos tradicionais, alguns fazendo-o com um estilo moderno, e alguns escolhem modos, estilos e mídia ocidentais ou novos. Yo Akiyama é apenas um dos muitos escultores japoneses modernos. Ele trabalha principalmente em cerâmica de barro e cerâmica, criando obras que são muito simples e simples, parecendo que eles foram criados a partir da própria terra. Outro escultor, usando ferro e outros materiais modernos, construiu uma grande escultura de Arte Moderna na cidade portuária israelense de Haifa, chamada Hanabi (fogos de artifício). Nahoko Kojima é um artista kirie contemporâneo que foi pioneiro na técnica de Escultura De Corte De Papel que está pendurada em 3D. Takashi Murakami é sem dúvida um dos mais conhecidos artistas japoneses modernos no mundo ocidental. Murakami e os outros artistas em seu estúdio criam peças em um estilo, inspirado no anime, que ele apelidou de “superflat”. Suas peças assumem uma infinidade de formas, da pintura à escultura, algumas realmente enormes em tamanho. Mas a maioria, se não todos mostram muito claramente esta influência anime, utilizando cores brilhantes e detalhes simplificados.

  Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, e Tabaimo são considerados significativos artistas do campo da arte contemporânea Japonesa. O Grupo 1965, um coletivo de artistas, conta o artista contemporâneo Makoto Aida entre seus membros.