Midden Jōmon vaas; circa 3000-2000 BCE

Jōmon artEdit

De eerste bewoners van Japan werden de Jōmon mensen, onder c. Van 10.500 – c. 300 V.CHR.) met de naam voor de snoer markeringen die ingericht wordt het oppervlak van de klei schepen, waren nomadische jager-verzamelaars die later beoefend georganiseerde landbouw en gebouwde steden met een bevolking van honderden, zo niet duizenden. Ze bouwden eenvoudige huizen van hout en rieten geplaatst in ondiepe aarden putten om warmte uit de grond te bieden. Ze maakten rijkelijk versierde aardewerk opslagvaten, klei beeldjes genaamd dogū, en kristallen juwelen.

vroege Jōmonperiodedit

tijdens de vroege Jōmonperiode (5000-2500 v.Chr.), begonnen dorpen te worden ontdekt en werden gewone alledaagse voorwerpen gevonden, zoals keramische potten bestemd voor kokend water. De potten die in deze tijd werden gevonden hadden platte bodems en hadden uitgebreide ontwerpen gemaakt van materialen zoals bamboe. Daarnaast was een andere belangrijke vondst de vroege Jomon beeldjes die gebruikt zouden kunnen zijn als vruchtbaarheidsobjecten vanwege de borsten en zwellende heupen die ze tentoonstelden.

Midden Jomon periode

Jar; midden tot laat Jomon periode; 35e-11e eeuw v.Chr.

De Midden Jomon periode (2500-1500 v. Chr.), in tegenstelling tot de vroege Jomon periode in vele opzichten. Deze mensen werden minder nomadisch en begonnen zich te vestigen in dorpen. Ze creëerden nuttige hulpmiddelen die het voedsel konden verwerken dat ze verzamelden en jaagden, wat het leven voor hen makkelijker maakte. Door de talrijke esthetisch aangename keramiek die in deze periode werden gevonden, is het duidelijk dat deze mensen een stabiele economie en meer vrije tijd hadden om mooie stukken vast te stellen. Bovendien verschilden de mensen van het midden-Jomon-tijdperk van hun voorgaande voorouders omdat ze vaten ontwikkelden volgens hun functie, bijvoorbeeld, ze produceerden potten om items op te slaan. De decoraties op deze schepen begonnen er realistischer uit te zien dan de vroege Jōmon Keramiek. Over het geheel genomen nam de productie van werken niet alleen in deze periode toe, maar deze individuen maakten ze meer decoratief en naturalistisch.

Laat en Laatste Jōmon periodEdit

Dogū beeldje van de site Ebisuda van Ōsaki, Miyagi prefecture (1000-400 BCE)

Tijdens de Late en Laatste Jōmon periode (1500-300 BCE), begon het weer kouder, dus dwingen om afstand te nemen van de bergen. De belangrijkste voedselbron in deze tijd was vis, waardoor ze hun visbenodigdheden en gereedschap te verbeteren. Deze vooruitgang was een zeer belangrijke prestatie in deze tijd. Bovendien nam het aantal schepen sterk toe, wat zou kunnen concluderen dat elk huis een eigen beeldje in zich had. Hoewel verschillende vaten werden gevonden tijdens de Late en laatste Jomon periode, werden deze stukken beschadigd gevonden, wat erop kan wijzen dat ze ze voor rituelen gebruikten. Daarnaast werden ook beeldjes gevonden en werden gekenmerkt door hun vlezige lichamen en goggle-achtige ogen.

dogū beeldjes

Dogū (“aarden figuur”) zijn kleine mensachtige en dierlijke beeldjes gemaakt tijdens het latere deel van de Jomon periode. Ze werden gemaakt in heel Japan, behalve Okinawa. Sommige geleerden theoretiseren dat de dogū fungeerde als beeltenissen van mensen, die een soort sympathieke magie manifesteerden. Dogū zijn gemaakt van klei en zijn klein, meestal 10 tot 30 cm hoog. De meeste van de beeldjes lijken te zijn gemodelleerd als vrouw, en hebben grote ogen, kleine taille, en brede heupen. Ze worden door velen beschouwd als vertegenwoordiger van godinnen. Velen hebben grote buik geassocieerd met zwangerschap, wat suggereert dat de Jomon beschouwd hen moeder godinnen.

Yayoi artEdit

de volgende golf van immigranten was de Yayoi-bevolking, genoemd naar het district in Tokio waar de restanten van hun nederzettingen voor het eerst werden gevonden. Deze mensen, aangekomen in Japan rond 300 v. Chr., brachten hun kennis van wetland rijstteelt, de vervaardiging van koperen wapens en bronzen klokken (dōtaku), en wiel-gegooid, oven-gestookte Keramiek.

• De Yayoi periode dōtaku bell, 3e eeuw CE

• Bronzen spiegel opgegraven in Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto

• Carmaic kruik uit de Yayoi periode

• Verschillende ritueel Yayoi pottenbakkerijen van Yoshinogari Site

• Yayoi opslagpot van 500 v.Chr. – 200 v. Chr.

Kofun artEdit

graf van keizer Nintoku in Sakai, Japan. Het sleutelgat – achtige graf is 486m lang, 305m breed aan de onderkant en 245m in diameter.

de derde fase in de Japanse prehistorie, de Kofun periode (C. 300 – 710 AD), vertegenwoordigt een wijziging van de Yayoi cultuur, toe te schrijven aan interne ontwikkeling of externe kracht. Deze periode is het meest opmerkelijk voor zijn grafcultuur en andere artefacten zoals bronzen spiegels en klei sculpturen genaamd haniwa die buiten deze graven werden opgericht. Gedurende de Kofun-periode evolueerden de kenmerken van deze graven van kleinere graven gebouwd op heuveltoppen en richels tot veel grotere graven gebouwd op vlak land. Het grootste graf van Japan, het graf van keizer Nintoku, herbergt 46 grafheuvels en heeft de vorm van een sleutelgat, een karakteristiek die in latere Kofun-graven wordt gevonden.

Asuka en Nara artEdit

een drakenkopkruik met ingesneden Pegasus-patroon, verguld brons met zilver, Asuka-periode, 7e eeuw, voormalige Horyu-ji-Tempelschatten

tijdens de Asuka-en Nara-periode, zo genoemd omdat de zetel van de Japanse overheid gelegen was in de Asuka-vallei van 542 tot 645 en in de stad Nara tot 784, vond de eerste belangrijke instroom van continentale Aziatische cultuur plaats in Japan.de overdracht van het boeddhisme vormde de eerste aanzet tot contacten tussen China en Japan. De Japanners erkenden de facetten van de Chinese cultuur die winstgevend konden worden opgenomen in hun eigen: een systeem voor het omzetten van ideeën en geluiden in het schrijven; historiografie; complexe theorieën van de overheid, zoals een effectieve bureaucratie; en, het belangrijkste voor de Kunsten, nieuwe technologieën, nieuwe bouwtechnieken, meer geavanceerde methoden van het gieten in brons, en nieuwe technieken en media voor de schilderkunst.gedurende de 7e en 8e eeuw was de ontwikkeling van het boeddhisme echter de belangrijkste focus in de contacten tussen Japan en het Aziatische continent. Niet alle geleerden zijn het eens over de belangrijke data en de toepasselijke Namen die van toepassing zijn op verschillende perioden tussen 552, de officiële datum van de introductie van het boeddhisme in Japan, en 784, toen de Japanse hoofdstad werd overgebracht van Nara. De meest voorkomende benamingen zijn de Suiko-periode, 552-645; de Hakuho-periode, 645-710, en de Tenpyo-periode, 710-784.

• Pagode en Kondō op Hōryū-ji, de 8e-eeuwse

• Hokkedō in Todai-ji, 8e eeuw

De oudste Japanse beelden van de Boeddha zijn gedateerd in de 6de en 7de eeuw. Ze vloeien uiteindelijk voort uit de 1e – 3e-eeuwse Greco-boeddhistische kunst van Gandhara, gekenmerkt door vloeiende kledingpatronen en realistische weergave, waarop Chinese artistieke trekken werden gelegd. Nadat de Chinese Noordelijke Wei boeddhistische kunst een Koreaans Schiereiland had geïnfiltreerd, werden Boeddhistische iconen naar Japan gebracht door verschillende immigrantengroepen. Vooral de halfzittende Maitreya-vorm werd aangepast tot een hoogontwikkelde oud-Griekse kunststijl die naar Japan werd overgebracht, zoals blijkt uit de Kōryū-ji Miroku Bosatsu en de chūgū-ji Siddhartha-beelden. Veel historici portretteren Korea als een eenvoudige zender van het boeddhisme. De Drie Koninkrijken, en in het bijzonder Baekje, waren instrumenteel als actieve agenten in de introductie en vorming van een boeddhistische traditie in Japan in 538 of 552.Ze illustreren het eindpunt van de Zijderoute-overdracht van kunst tijdens de eerste eeuwen van onze tijd. Andere voorbeelden kunnen worden gevonden in de ontwikkeling van de iconografie van de Japanse Fūjin Wind God, de niō bewakers, en de bijna-klassieke bloempatronen in de tempel decoraties.de vroegste Boeddhistische structuren die nog bestaan in Japan, en de oudste houten gebouwen in het Verre Oosten zijn te vinden bij de Hōryū-ji ten zuidwesten van Nara. De tempel werd in het begin van de 7e eeuw gebouwd als privétempel van kroonprins Shotoku en bestaat uit 41 onafhankelijke gebouwen. De belangrijkste, de belangrijkste, of Kondo (Gouden Zaal), en Gojū-no-tō (vijf verdiepingen tellende Pagode), staan in het midden van een open gebied omringd door een overdekt klooster. De Kondo, in de stijl van Chinese aanbidding zalen, is een twee verdiepingen tellende structuur van post-en-balk constructie, afgedekt door een irimoya, of heupgeveldak van keramische tegels.in de Kondo, op een groot rechthoekig platform, bevinden zich enkele van de belangrijkste sculpturen uit die periode. Het centrale beeld is een Shaka Drie-eenheid (623), de historische Boeddha geflankeerd door twee bodhisattva ‘ s, sculptuur gegoten in brons door de beeldhouwer Tori Busshi (bloeide begin 7e eeuw) als eerbetoon aan de onlangs overleden prins Shotoku. Op de vier hoeken van het platform zijn de Guardian koningen van de vier richtingen, gesneden in hout rond 650. In Hōryū-ji bevindt zich ook de Tamamushi-schrijn, een houten replica van een Kondo, die is geplaatst op een hoge houten voet die is versierd met figurale schilderijen uitgevoerd in een medium van minerale pigmenten gemengd met lak.het tempelgebouw in de 8e eeuw was geconcentreerd rond de Tōdai-ji in Nara. Gebouwd als hoofdkwartier voor een netwerk van tempels in elk van de provincies, is de Tōdaiji het meest ambitieuze religieuze complex gebouwd in de vroege eeuwen van boeddhistische aanbidding in Japan. De 16,2-m (53-ft) Boeddha (voltooid 752) verankerd in de belangrijkste Boeddha hall, of Daibutsuden, is een Rushana Boeddha, de figuur die de essentie van Boeddhaschap vertegenwoordigt, net zoals de Tōdaiji het centrum vertegenwoordigde voor imperiaal gesponsord Boeddhisme en de verspreiding ervan door heel Japan. Slechts enkele fragmenten van het oorspronkelijke beeld zijn bewaard gebleven, en de huidige hal en de centrale Boeddha zijn reconstructies uit de Edoperiode.rond de Daibutsuden op een zacht glooiende heuvel bevinden zich een aantal secundaire zalen: de Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), met zijn hoofdbeeld, de Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, De meest populaire bodhisattva), vervaardigd van droge lak (doek gedompeld in lak en gevormd over een houten anker); de kaidanin (戒壇院, Wijdingszaal) met zijn prachtige kleibeelden van de vier beschermkoningen; en het magazijn, genaamd de Shosōin. Deze laatste structuur is van groot belang als een kunsthistorische cache, omdat daarin de gebruiksvoorwerpen zijn opgeslagen die werden gebruikt bij de inwijdingsceremonie van de tempel in 752, het openingsritueel voor het Rushana-beeld, evenals overheidsdocumenten en vele seculiere objecten die eigendom zijn van de keizerlijke familie.

Choukin (of chōkin), de kunst van het metaalgraveren of beeldhouwen, wordt verondersteld te zijn begonnen in de Nara-periode.

Heian artEdit

Taizokai (baarmoeder rijk) Mandala op een zijden hangende bladeren, 9e eeuw CE –

Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji

In 794 de hoofdstad van Japan werd officieel overgedragen aan de Heian-kyō (het huidige Kyoto), waar het bleef tot 1868. De term Heian periode verwijst naar de jaren tussen 794 en 1185, toen het Kamakura-shogunaat werd opgericht aan het einde van de Genpei-Oorlog. De periode is verder verdeeld in de vroege Heian en de late Heian, of Fujiwara tijdperk, de cruciale datum is 894, het jaar keizerlijke ambassades naar China werden officieel stopgezet.vroege Heian art: in reactie op de groeiende rijkdom en macht van het georganiseerde boeddhisme in Nara, reisde de priester Kūkai (vooral bekend onder zijn postume titel Kōbō Daishi, 774-835) naar China om Shingon te bestuderen, een vorm van Vajrayana boeddhisme, die hij in 806 introduceerde in Japan. De kern van Shingon-aanbidding is mandala ‘ s, diagrammen van het spirituele universum, die toen het ontwerp van de tempel begon te beïnvloeden. De Japanse boeddhistische architectuur nam ook de stupa over, oorspronkelijk een Indiase architectonische vorm, in zijn Chinese pagode.de tempels voor deze nieuwe sekte werden gebouwd in de bergen, ver weg van het Hof en de leken in de hoofdstad. De onregelmatige topografie van deze sites dwong Japanse architecten om de problemen van de tempelbouw te heroverwegen, en zo te kiezen voor meer inheemse elementen van ontwerp. Cipressen-schors daken vervangen die van keramische tegels, houten planken werden gebruikt in plaats van aarden vloeren, en een aparte aanbidding ruimte voor de leken werd toegevoegd aan de voorkant van het belangrijkste heiligdom.de tempel die het best de geest van de vroege Heian Shingon tempels weerspiegelt is de Murō-ji (begin 9e eeuw), diep in een kiosk van cipressen op een berg ten zuidoosten van Nara. De houten afbeelding (ook begin 9e eeuw) van Shakyamuni, de “historische” Boeddha, verankerd in een secundair gebouw aan de Murō-ji, is typerend voor de vroege Heian sculptuur, met zijn zware lichaam, bedekt met dikke draperie plooien gesneden in de honpa-shiki (rollende-golf) stijl, en zijn sobere, teruggetrokken gezichtsuitdrukking.Fujiwara kunst: in de Fujiwara-periode werd het pure Landboeddhisme, dat gemakkelijke redding bood door het geloof in Amida (de Boeddha van het westerse paradijs), populair. Deze periode is vernoemd naar de Fujiwara familie, toen de machtigste in het land, die regeerde als regenten voor de keizer, steeds, in feite, burgerlijke dictators. Tegelijkertijd, de Kyoto adel ontwikkelde een samenleving gewijd aan elegante esthetische bezigheden. Hun wereld was zo veilig en mooi dat zij zich niet konden voorstellen dat het paradijs veel anders was. Ze creëerden een nieuwe vorm van Boeddha hall, de Amida hall, die het seculiere combineert met het religieuze, en herbergt een of meer Boeddha beelden binnen een structuur die lijkt op de herenhuizen van de adel.

Byōdō-in Phoenix Hall, Uji, Kyoto

De Ho-ō-dō (Phoenix Hall, voltooid 1053) van de Byōdō-in, een tempel in Uji ten zuidoosten van Kyoto, is het voorbeeld van Fujiwara Amida halls. Het bestaat uit een grote rechthoekige structuur geflankeerd door twee L-vormige vleugelgangen en een staart gang, gelegen aan de rand van een grote kunstmatige vijver. Binnen is een enkele gouden afbeelding van Amida (ca. 1053) geïnstalleerd op een hoog platform. De Amida sculptuur werd uitgevoerd door Jōchō, die een nieuwe canon van proporties en een nieuwe techniek (yosegi) gebruikte, waarin meerdere stukken hout als schelpen werden uitgehouwen en van binnenuit werden samengevoegd. Op de muren van de zaal worden kleine reliëfsnijwerken van hemelsen aangebracht, waarvan de gastheer geloofde dat hij Amida vergezelde toen hij van het westelijke paradijs afdaalde om de zielen van gelovigen op het moment van de dood te verzamelen en ze in lotusbloesems naar het paradijs te vervoeren. Raigoschilderingen op de houten deuren van de Ho-ō-dō, die de afstamming van de Amida Boeddha afbeelden, zijn een vroeg voorbeeld van Yamato-e, Japanse stijl, en bevatten afbeeldingen van het landschap rond Kyoto.

“YUGIRI” of Genji Monogatari Emaki

E-maki: In de laatste eeuw van de Heian-periode, de horizontale, geïllustreerde narratieve handscroll, bekend als e-maki (絵巻, lit. “picture scroll”), kwam op de voorgrond. De Genji Monogatari Emaki, een beroemd geïllustreerd verhaal over Genji, dateert uit ongeveer 1130 en vertegenwoordigt de vroegste overlevende yamato-e handscroll, en een van de hoogtepunten van de Japanse schilderkunst. De roman, geschreven over het jaar 1000 door Murasaki Shikibu, een hofdame van keizerin Shōshi, gaat over het leven en de liefde van Genji en de wereld van het Heian Hof na zijn dood. De 12e-eeuwse kunstenaars van de e-maki-versie bedachten een systeem van picturale conventies die visueel de emotionele inhoud van elke scène overbrengen. In de tweede helft van de eeuw werd een andere, levendiger stijl van continue verhalende Illustratie Populair. De Ban Dainagon Ekotoba (eind 12e eeuw), een rol die handelt over een intrige aan het Hof, benadrukt figuren in actieve beweging afgebeeld in snel uitgevoerde penseelstreken en dunne maar levendige kleuren.

E-maki dient ook als enkele van de vroegste en grootste voorbeelden van de Otoko-e (“men’ s pictures”) en onna-e (“women’ s pictures”) stijlen van de schilderkunst. Er zijn veel fijne verschillen in de twee stijlen, een beroep op de esthetische voorkeuren van de geslachten. Maar misschien het meest opvallend zijn de verschillen in onderwerp. Onna-e, belichaamd door het verhaal van Genji handscroll, behandelt meestal het hofleven, in het bijzonder de hofdames, en met romantische thema ‘ s. Otoko-e registreerde vaak historische gebeurtenissen, met name veldslagen. Het Beleg van het Sanjo Paleis (1160), afgebeeld in de “nachtaanval op het Sanjo Paleis” sectie van de Heiji Monogatari handscroll is een beroemd voorbeeld van deze stijl.

Kamakura artEdit

vergulde bronzen reliekschrijn in opengewerkte vorm (Kondo sukashibari sharitō)

In 1180 brak een oorlog uit tussen de twee machtigste strijder clans: de Taira en de Minamoto; vijf jaar later de Minamoto zegevierde en vestigde een de facto zetel van de regering in de badplaats Kamakura, waar het bleef tot 1333. Met de verschuiving van de macht van de adel naar de krijgersklasse, moest de Kunsten een nieuw publiek tevreden stellen: mannen toegewijd aan de vaardigheden van oorlogvoering, priesters toegewijd aan het beschikbaar maken van het Boeddhisme voor ongeletterde gewone mensen, en conservatieven, de adel en sommige leden van het priesterschap die de afnemende macht van het Hof betreurde. Realisme, een populariserende trend en een klassieke revival kenmerken dus de kunst van de Kamakura-periode. In de Kamakura periode, Kyoto en Nara bleven de centra van artistieke productie en hoge cultuur.

Detail van Muchaku bij Kōfuku-ji, Nara door Unkei

sculptuur: De Kei school van beeldhouwers, in het bijzonder Unkei, creëerde een nieuwe, meer realistische stijl van beeldhouwkunst. De twee niō guardian beelden (1203) in de grote zuidelijke poort van de Tōdai-ji in Nara illustreren Unkei ‘ s dynamische supra-realistische stijl. De beelden, ongeveer 8 m (ongeveer 26 ft) hoog, werden gesneden uit meerdere blokken in een periode van ongeveer drie maanden, een prestatie die wijst op een ontwikkeld atelier systeem van ambachtslieden werken onder leiding van een meester beeldhouwer. Unkei ‘ s gepolychromeerde houtsculpturen (1208, Kōfuku-ji, Nara) van twee Indiase wijzen, Muchaku en Seshin, de legendarische oprichters van de hossō-sekte, behoren tot de meest gerealiseerde realistische werken van die periode; zoals weergegeven door Unkei, zijn ze Opmerkelijk geïndividualiseerde en geloofwaardige beelden. Een van de beroemdste werken uit deze periode is een Amitabha Triade (voltooid in 1195), in Jodo-ji in Ono, gemaakt door Kaikei, de opvolger van Unkei.

kalligrafie en schilderen: De Kegon Engi Emaki, de geïllustreerde geschiedenis van de oprichting van de Kegon sekte, is een uitstekend voorbeeld van de populariserende trend in Kamakura schilderkunst. De Kegon sekte, een van de belangrijkste in de Nara periode, viel in moeilijke tijden tijdens de opkomst van de Zuivere Land sekten. Na de Genpei-Oorlog (1180-1185) probeerde priester Myōe van Kozan-ji de sekte nieuw leven in te blazen en ook een toevluchtsoord te bieden voor vrouwen die door de oorlog weduwnaar werden. De vrouwen van samoerai waren ontmoedigd om meer te leren dan een syllabarisch systeem voor het transcriberen van geluiden en ideeën (zie kana), en de meeste waren niet in staat om teksten te lezen die Chinese ideogrammen (Kanji) gebruikt.

De Kegon Engi Emaki combineert dus passages van tekst, geschreven met een maximum aan gemakkelijk leesbare lettergrepen, en illustraties die de dialoog tussen personages naast de sprekers hebben, een techniek die vergelijkbaar is met hedendaagse stripverhalen. Het plot van de e-maki, het leven van de twee Koreaanse priesters die de Kegon-sekte oprichtten, is snel tempo en gevuld met fantastische prestaties zoals een reis naar het paleis van de Ocean King, en een aangrijpend moederverhaal.

een meer conservatief werk is de geïllustreerde versie van Murasaki Shikibu ‘ s dagboek. E-maki versies van haar roman bleef worden geproduceerd, maar de adel, afgestemd op de nieuwe interesse in realisme maar nostalgisch voor de afgelopen dagen van rijkdom en macht, nieuw leven ingeblazen en geïllustreerd het dagboek om de pracht van de tijd van de auteur te heroveren. Een van de mooiste passages illustreert de episode waarin Murasaki Shikibu speels gevangen wordt gehouden in haar kamer door twee jonge hovelingen, terwijl, net buiten, het maanlicht schittert op de bemoste oevers van een riviertje in de keizerlijke tuin.

Muromachi artEdit

tijdens de Muromachi periode (1338-1573), ook wel de Ashikaga periode genoemd, vond een diepgaande verandering plaats in de Japanse cultuur. De Ashikaga-clan nam de controle over het shogunaat over en verplaatste zijn hoofdkwartier terug naar Kyoto, naar het Muromachi-district van de stad. Met de terugkeer van de regering naar de hoofdstad kwam er een einde aan de populariserende trends van de Kamakura-periode en kreeg de culturele expressie een meer aristocratisch, elitair karakter. Zen Boeddhisme, de ch ‘ an sekte traditioneel gedacht te zijn opgericht in China in de 6e eeuw, werd geïntroduceerd voor een tweede keer in Japan en wortel.

Karesansui of Ryōan-ji, Kyoto

schilderij: Vanwege seculiere ondernemingen en handelsmissies naar China georganiseerd door Zen tempels, werden veel Chinese schilderijen en kunstvoorwerpen geïmporteerd in Japan en sterk beïnvloed Japanse kunstenaars werken voor Zen tempels en het shogunaat. Niet alleen veranderden deze importen het onderwerp van de schilderkunst, maar ze veranderden ook het gebruik van kleur; De heldere kleuren van Yamato-e gaven toe aan de monochromen van de schilderkunst op de Chinese manier, waar schilderijen over het algemeen slechts zwart-wit of verschillende tinten van een enkele kleur hebben.kenmerkend voor de vroege Muromachi-schilderkunst is de afbeelding door de priester-schilder Kao (actief begin 15e eeuw) van de legendarische monnik Kensu (Hsien-tzu in het Chinees) op het moment dat hij verlichting bereikte. Dit type schilderij werd uitgevoerd met snelle penseelstreken en een minimum aan detail. Het vangen van een meerval met een kalebas (begin 15e eeuw, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), door de priester-schilder Josetsu (actief rond 1400), markeert een keerpunt in Muromachi schilderij. Oorspronkelijk uitgevoerd voor een laagstaand scherm, is het opnieuw gemonteerd als een hangende rol met inscripties van hedendaagse figuren hierboven, waarvan er één verwijst naar het schilderij als zijnde in de “nieuwe stijl”. Op de voorgrond wordt een man afgebeeld op de oever van een beek met een kleine kalebas en kijkend naar een grote glibberige meerval. Mist vult de middengrond, en de achtergrond bergen lijken ver in de verte. Algemeen wordt aangenomen dat de “nieuwe stijl” van het schilderij, uitgevoerd rond 1413, verwijst naar een meer Chinees gevoel van diepe ruimte binnen het beeldvlak.de belangrijkste kunstenaars uit de Muromachi periode zijn de priester-schilders Shūbun en Sesshū. Shūbun, een monnik in de Kyoto tempel van Shōkoku-ji, creëerde in het schilderij Reading in a Bamboo Grove (1446) een realistisch landschap met diepe recessie in de ruimte. Sesshū was, in tegenstelling tot de meeste kunstenaars uit die periode, in staat om naar China te reizen en de Chinese schilderkunst te bestuderen aan de bron. Het landschap van de vier seizoenen (Sansui Chokan; ca. 1486) is een van Sesshu ‘ s meest succesvolle werken, die een blijvend landschap door de vier seizoenen heen afbeeldt.

Azuchi-Momoyama artEdit

Himeji kasteel, gebouwd in 1580-1609

In de Azuchi–Momoyama periode (1573-1603) een reeks militaire leiders, zoals Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi en Tokugawa Ieyasu, probeerde vrede en politieke stabiliteit in Japan te brengen na een periode van bijna 100 jaar oorlogvoering. Oda, een klein hoofdman, verwierf voldoende macht om de feitelijke controle over de regering over te nemen in 1568 en, vijf jaar later, om de laatste Ashikaga shogun te verdrijven. Hideyoshi nam het bevel over na de dood van Oda, maar zijn plannen om erfelijke Heerschappij te vestigen werden verijdeld door Ieyasu, die in 1603 het Tokugawa-shogunaat stichtte.

cipressen Byōbu, vouwscherm van Kanō Eitoku, 1590

schilderen: de belangrijkste schilderschool in de Momoyama-periode was die van de Kanō-school, en de grootste innovatie van de periode was de formule, ontwikkeld door Kanō Eitoku, voor het creëren van monumentale landschappen op de schuifdeuren die een kamer omsluiten. De decoratie van de grote zaal met uitzicht op de tuin van de Jukō-in, een subtempel van Daitoku-ji (een Zen tempel in Kyoto), is misschien wel het beste voorbeeld van Eitoku ‘ s werk. Een enorme ume boom en dubbele dennen zijn afgebeeld op twee schuifschermen in diagonaal tegenover elkaar liggende hoeken, hun stammen herhalen de verticalen van de hoekpalen en hun takken strekken zich uit naar links en rechts, het verenigen van de aangrenzende panelen. Eitoku ‘ s scherm, Chinese Leeuwen, ook in Kyoto, onthult de gedurfde, felgekleurde stijl van het schilderen de voorkeur van de samoerai.Hasegawa Tōhaku, een tijdgenoot van Eitoku, ontwikkelde een iets andere en meer decoratieve stijl voor grootschalige schermschilderijen. In zijn Esdoornscherm (楓図), nu in de tempel van Chishaku-in (ja:智積院), Kyoto, plaatste hij de stam van de boom in het Midden en strekte de ledematen bijna tot aan de rand van de compositie, waardoor een platter, minder architectonisch werk dan Eitoku, maar een visueel prachtig schilderij. Zijn zesvoudige scherm, Pine Wood (松林図), is een meesterlijke weergave in monochrome inkt van een bos van bomen gehuld in mist.

Art of the Edo periodEdit

windgod en dondergod, Tawaraya Sotatsu, 17e eeuw

het Tokugawa-shogunaat kreeg onbetwiste controle over de regering in 1603 met een verbintenis om vrede en economische en politieke stabiliteit in het land te brengen; in grote mate was het succesvol. Het shogunaat overleefde tot 1867, toen het gedwongen werd om te capituleren omdat het niet kon omgaan met de druk van westerse landen om het land open te stellen voor buitenlandse handel. Een van de dominante thema ‘ s in de Edoperiode was het repressieve beleid van het shogunaat en de pogingen van kunstenaars om aan deze beperkingen te ontsnappen. De belangrijkste hiervan was het sluiten van het land voor buitenlanders en de uitrusting van hun culturen, en het opleggen van strikte gedragscodes die elk aspect van het leven beïnvloeden, de kleding die men droeg, de persoon die men trouwde, en de activiteiten die men al dan niet kon uitoefenen.in de beginjaren van de Edoperiode was de impact van het Tokugawa-beleid echter nog niet voelbaar, en enkele van de beste uitingen van Japan op het gebied van architectuur en schilderkunst werden geproduceerd: het Katsura-paleis in Kyoto en de schilderijen van Tawaraya Sotatsu, pionier van de Rinpa-school.

Circuit stijl Japanse tuin Koraku-en in Okayama, begonnen in 1700

houtblok afdrukken: houtblok afdrukken werden oorspronkelijk gebruikt om Boeddhistische geschriften te vertalen in de achtste eeuw in Japan. Houtsnijwerk bestaat uit het graveren van afbeeldingen of afbeeldingen op een stuk hout, dat vervolgens tegen een stuk papier wordt gedrukt. In de achtste eeuw werd houtblok beschouwd als een handige methode voor de reproductie van gedrukte tekst totdat verdere innovaties toegestaan voor kleur te vertalen op papier of beter bekend als nishik-e prints. Van de elfde tot de negentiende eeuw was blokdruk de gebruikelijke drukmethode. Nishiki-e prints produceerden goederen zoals kalenders die in de Edoperiode vaak werden verkocht aan rijke leden van de samenleving. In de Edoperiode werden in deze prenten gebeurtenissen en scènes van prominente acteurs afgebeeld. Ukiyo werd vervolgens geassocieerd met het drukken van houtblokken in de vroege Edo periode. Deze Ukiyo schilderijen verbeeldden het dagelijks leven van prominente leden van de samenleving. Ukiyo begon voor het eerst als met de hand gebeeldhouwde rollen afgebeeld leven als een normale gewone burger.

architectuur: het Katsura vrijstaande paleis, gebouwd in imitatie van Genji ‘ s paleis, bevat een cluster van shoin gebouwen die elementen van klassieke Japanse architectuur combineren met innovatieve restauraties. Het hele complex is omgeven door een prachtige tuin met paden om te wandelen.Veel van de machtige daimyo ‘ s (feodale heren) bouwden een Circuit stijl Japanse tuin in het gebied land, en streden om de schoonheid.

schilderen: Sōtatsu ontwikkelde een prachtige decoratieve stijl door het opnieuw creëren van thema ‘ s uit de klassieke literatuur, met behulp van briljant gekleurde figuren en motieven uit de natuurlijke wereld tegen bladgoud achtergronden. Een van zijn beste werken is het paar schermen The Waves in Matsushima in de vrijere Galerie in Washington, D. C. Een eeuw later herwerkte Korin Sotatsu ‘ s stijl en creëerde hij visueel prachtige werken die uniek zijn eigen waren. Misschien zijn zijn mooiste zijn de schermschilderingen van rode en witte Pruimenbloesems.

sculptuur: de boeddhistische monnik Enkū sneed 120.000 boeddhistische beelden in een ruwe, individuele stijl.

drie schoonheden van vandaag, door Utamaro, c. 1793

De print-Rood Fuji van Hokusai ‘ s uit de serie zesendertig Uitzicht op de Berg Fuji

Plotselinge Douche aan het Nemen Bridge, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e en nanga (bunjinga): De school van de kunst, het best bekend in het Westen is dat van de ukiyo-e schilderijen en houtsneden van de demimonde, de wereld van het kabuki-theater en het plezier wijken. Ukiyo-e prenten begonnen te worden geproduceerd in de late 17e eeuw; in 1765 Harunobu produceerde de eerste polychroom print. Printontwerpers van de volgende generatie, waaronder Torii Kiyonaga en Utamaro, creëerden elegante en soms inzichtelijke afbeeldingen van courtisanes.in de 19e eeuw waren de dominante figuren Hokusai en Hiroshige, de laatste een maker van romantische en enigszins sentimentele landschapsprenten. De vreemde hoeken en vormen waarmee Hiroshige vaak het landschap bekeek, en het werk van Kiyonaga en Utamaro, met de nadruk op vlakke vlakken en sterke lineaire contouren, hadden een diepgaande impact op Westerse kunstenaars als Edgar Degas en Vincent Van Gogh. Via kunstwerken in Westerse musea zouden diezelfde prentkunstenaars later een krachtige invloed uitoefenen op de beeldtaal en esthetische benaderingen die worden gebruikt door vroegmoderne dichters als Ezra Pound, Richard Aldington en H. D.een school voor Hedendaagse schilderkunst met ukiyo-e was Nanga, of bunjinga, een stijl gebaseerd op schilderijen uitgevoerd door Chinese geleerde-schilders. Net zoals ukiyo-e-kunstenaars ervoor kozen om figuren uit het leven buiten de grenzen van het Tokugawa-shogunaat af te beelden, wendden bunjin-kunstenaars zich tot de Chinese cultuur. De voorbeelden van deze stijl zijn Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, en Yamamoto Baiitsu (Ja:山本梅逸).

Keramiek

hoofdartikelen: Japans aardewerk en porselein en Japans export porselein traditionele, meestal stoneware, stijlen voortgezet in vele delen van Japan, maar Japans keramiek werd getransformeerd rond het begin van de Edo-periode, door een grote toestroom van Koreaanse pottenbakkers, gevangen of overgehaald om te emigreren in de loop van de Japanse invasies van Korea in de jaren 1590. veel van deze werden gevestigd op het zuidelijke eiland Kyushu, en ze brachten ervaring met versies van de Chinese stijl chambered klimoven, genaamd noborigama in Japan, die hoge temperaturen met meer nauwkeurige controle. Rond 1620 hadden ze afzettingen van kaoliniet ontdekt en begonnen ze voor het eerst porselein te maken in Japan. De vroege waren (“vroege Imari” genoemd) waren relatief klein en imiteerden het Chinese onderglazuur blauw en wit porselein, dat Japan al enige tijd importeerde.de porseleinindustrie breidde zich sterk uit in de late jaren 1650, toen de ineenstorting van de Chinese industrie door de burgeroorlog leidde tot zeer grote orders van de Chinese handelaren en de VOC, tegen die tijd mochten de handelaren alleen zaken doen in Japan. De eerste grote periode van de Japanse export porselein duurde tot ongeveer de jaren 1740, en het grootste deel van de Japanse porselein werd gemaakt voor de export, meestal naar Europa, maar ook de islamitische wereld in het westen en zuiden van Japan.

• Ko-Kutani (oude Kutani) vijf kleuren Iroe type sake ewer met een vogel en een bloem design in overglaze email, Edo-periode, 17e-eeuwse

• Ko-Imari schotel, 1700-1740

Lak:

hoofdartikel: Japans lakwerk

met de ontwikkeling van economie en cultuur is de artistieke kwaliteit van gelakt meubilair verbeterd. Hon ‘ ami Kōetsu en Ogata Kōrin brachten de ontwerpen van de Rinpa school van de schilderkunst in lakwerk. Na het midden van de Edo-periode begon de inro voor draagbare medicijncontainers prachtig te worden versierd met Maki-e en raden, en het werd populair onder samoerai en rijke kooplieden in de chōnin-klasse, en aan het einde van de Edo-periode veranderde het van praktische accessoires in kunstcollecties. De uitvoer van lak bleef na de Azuchi-Momoyama periode. Marie Antoinette en Maria Theresa staan in deze periode bekend als verzamelaars van Japans lakwerk.

• Inro en Netsuke, 18e eeuw

• schrijven lakdoos met irissen in yatsuhashi, door Ogata Kōrin. Nationale schat

kunst van de vooroorlogse periode

nadere informatie: Meiji ( era) § Art

toen de keizer van Japan de macht herwon in 1868, werd Japan opnieuw binnengevallen door nieuwe en vreemde vormen van cultuur. Tijdens de vooroorlogse periode leidde de invoering van westerse Culturele waarden tot een tweedeling in de Japanse kunst, evenals in bijna elk ander aspect van de cultuur, tussen traditionele waarden en pogingen om een verscheidenheid aan botsende nieuwe ideeën te dupliceren en te assimileren. Deze splitsing bleef duidelijk in de late 20e eeuw, hoewel er toen al veel synthese had plaatsgevonden, en creëerde een internationale culturele sfeer en stimuleerde hedendaagse Japanse kunst in de richting van steeds meer innovatieve vormen.de regering had een actieve belangstelling voor de exportmarkt van kunst, door Japanse kunst te promoten op een reeks wereldtentoonstellingen, te beginnen met de wereldtentoonstellingen van Wenen in 1873. Fair.As naast de omvangrijke financiering van de beurzen, nam de overheid een actieve rol op zich om te organiseren hoe de Japanse cultuur aan de wereld werd gepresenteerd. Het creëerde een semi-publiek bedrijf-de Kiritsu Kosho Kaisha (eerste industriële productie bedrijf) — om de export van kunst te bevorderen en te commercialiseren en richtte de Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) om de kwaliteitsnormen te handhaven. Voor de 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, creëerde de Japanse regering een Centennial Office en stuurde een speciale gezant om ruimte te beveiligen voor de 30.000 items die zouden worden tentoongesteld. Het keizerlijke huishouden nam ook een actieve interesse in kunst en ambachten, in opdracht van werken (“presentatie waren”) als geschenken voor buitenlandse hoogwaardigheidsbekleders. In 1890 werd het Teishitsu Gigeiin (kunstenaar van het keizerlijke huishouden) systeem opgericht om vooraanstaande kunstenaars te erkennen; zeventig werden benoemd van 1890 tot 1944. Onder hen waren de schilder en lakkunstenaar Shibata Zeshin, keramist Makuzu Kozan, schilder Hashimoto Gahō en cloisonné emaillekunstenaar Namikawa Yasuyuki.naarmate de westerse import populair werd, daalde de vraag naar Japanse kunst binnen Japan zelf. In Europa en Amerika leidde de nieuwe beschikbaarheid van Japanse kunst tot een fascinatie voor de Japanse cultuur; een rage die in Europa bekend staat als Japonisme. Keizerlijk mecenaat, overheidsponsoring, promotie naar een nieuw publiek, en westerse technologie gecombineerd om een tijdperk van Japanse artistieke innovatie te bevorderen. In de decoratieve kunsten bereikten Japanse kunstenaars nieuwe niveaus van technische verfijning.vandaag de dag bezit Masayuki Murata meer dan 10.000 Meiji kunstwerken en is een van de meest enthousiaste verzamelaars. Vanaf die tijd, de meeste van de uitstekende werken van Meiji kunst werden gekocht door buitenlandse verzamelaars en slechts een paar van hen bleef in Japan, maar omdat hij kocht terug Veel werken uit het buitenland en opende de Kiyomizu Sannenzaka Museum, de studie en herevaluatie van Meiji Kunst snel gevorderd in Japan na de 21e eeuw. Nasser Khalili is ook een van ‘ s werelds meest toegewijde verzamelaars van Meiji Kunst, en zijn collectie omvat vele categorieën van Meiji kunst. De Japanse Keizerlijke familie bezit ook uitstekende werken van Meiji-kunst, waarvan sommige werden geschonken aan de staat en zijn nu opgeslagen in het Museum van de keizerlijke collecties.

Architectuur en GardenEdit

Tuin van Murin-een, ontworpen door Jihei Ogawa in 1894-1898

Door het begin van de 20e eeuw, Europese kunstvormen werden geïntroduceerd en hun huwelijk geproduceerd opmerkelijke gebouwen zoals de Tokyo Station en het National Diet Building die nog steeds vandaag de dag bestaan. Tokyo Station, een gebouw van Giyōfū architectuur, vol met bakstenen en pseudo-Europese stijl. Deze stijl van het gebouw werd gebouwd in stedelijke gebieden.veel artistieke nieuwe Japanse tuinen werden gebouwd door Jihei Ogawa.

PaintingEdit

Mr Kume , door Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan

div de eerste reactie van de Japanners op westerse kunstvormen was een openhartige acceptatie, en in 1876 was de technologische kunstacademie(Ja:工部美術学校) werd geopend, met Italiaanse instructeurs om westerse methoden te onderwijzen. De tweede reactie was een pendelzwaai in de tegenovergestelde richting onder leiding van Okakura Kakuzō en de Amerikaan Ernest Fenollosa, die Japanse kunstenaars aanmoedigde om traditionele thema ‘ s en technieken te behouden en werken te maken die meer in overeenstemming zijn met de hedendaagse smaak. Dit was een strategie die uiteindelijk diende om de invloed van de Japanse kunst uit te breiden tot Calcutta, Londen en Boston in de jaren voorafgaand aan de Eerste Wereldoorlog. Uit deze twee polen van de artistieke theorie—afgeleid van respectievelijk Europa en Oost-Azië-ontwikkelden yōga (“westerse schilderkunst”) en Nihonga (“Japanse schilderkunst”), categorieën die valuta hebben behouden.

EnamelsEdit

Flower and bird pattern vaas, door Namikawa Yasuyuki

tijdens het Meiji-tijdperk bereikte het Japanse cloisonné-glazuur een technische piek, het produceren van items geavanceerder dan alle die eerder had bestaan. De periode van 1890 tot 1910 stond bekend als de” Gouden Eeuw ” van het Japanse email. Kunstenaars experimenteerden met pasta ‘ s en met het bakproces om steeds grotere blokken emaille te produceren, met minder behoefte aan cloisons (omsluitende metalen strips). Zo werd emaillering een meer picturaal medium, met ontwerpen die vergelijkbaar zijn met, of gekopieerd zijn van, traditionele schilderijen. Emailleren met een ontwerp dat uniek is voor Japan, waarin bloemen, vogels en insecten als thema ‘ s werden gebruikt, werden populair. In het bijzonder werden de werken van Namikawa Yasuyuki en Namikawa Sosuke tentoongesteld op wereldtentoonstellingen en wonnen vele prijzen. Samen met de twee Namikawa heeft het bedrijf Ando Cloisonné veel hoogwaardige cloisonne geproduceerd. Japanse emailleren werden gezien als ongeëvenaard dankzij de nieuwe prestaties in ontwerp en kleur.

LacquerwareEdit

Maki-e Fuji Tagonoura, Shibata Zeshin, 1872

het Meiji-tijdperk zag een hernieuwde interesse in lak toen kunstenaars nieuwe ontwerpen ontwikkelden en experimenteerden met nieuwe texturen en afwerkingen. Maki-e (het verfraaien van de lak in goud of zilver stof) was de meest voorkomende techniek voor kwaliteit lakwerk in deze periode. Shibata Zeshin was een lakmachine die een hoge reputatie verwierf voor zijn werken van de Bakumatsu tot de Meiji-periode. Lakwerk genaamd Shibayama en Somada, gemaakt in de Edo-periode, werd populair om zijn opzichtige stijl, ingelegd met goud, zilver, schelpdieren, ivoor, en kleurrijke metaal en glas, en bereikte zijn hoogtepunt tijdens deze periode. Lak uit Japanse werkplaatsen werd erkend als technisch superieur aan wat elders in de wereld geproduceerd kon worden.

metaalbewerking

Koro, zilver versierd met edelmetalen en bergkristal, 1890

aan het begin van het Meiji-tijdperk was de Japanse metaalbewerking buiten het land vrijwel geheel onbekend; in tegenstelling tot lak en porselein die eerder waren geëxporteerd. Metaalbewerking was verbonden met boeddhistische praktijk, bijvoorbeeld in het gebruik van brons voor tempelklokken en wierook ketels, dus er waren minder kansen voor metaalbewerkers toen het boeddhisme werd verdrongen als de staatsgodsdienst. Internationale tentoonstellingen brachten Japanse gegoten brons naar een nieuw buitenlands publiek, het aantrekken van sterke lof. De geschiedenis van samurai wapentuig uitgerust Japanse metaalbewerkers om metalen afwerkingen in een breed scala van kleuren te creëren. Door koper, zilver en goud in verschillende verhoudingen te combineren en af te werken, creëerden ze gespecialiseerde legeringen zoals shakudō en shibuichi. Met deze verscheidenheid van legeringen en afwerkingen, kan een kunstenaar de indruk van full-colour decoratie te geven.

porselein en aardewerk

Aardewerk kom door Yabu Meizan, circa 1910

technische en artistieke innovaties van het Meiji-tijdperk maakten van porselein een van de meest internationaal succesvolle Japanse decoratieve kunstvormen. Satsuma ware was een naam die oorspronkelijk werd gegeven aan aardewerk uit de provincie Satsuma, uitgebreid versierd met verguld en email. Deze waren werden zeer geprezen in het Westen. Gezien in het Westen als typisch Japans, was deze stijl eigenlijk veel te danken aan geïmporteerde pigmenten en Westerse invloeden, en was gemaakt met export in het achterhoofd. Workshops in veel steden racete om deze stijl te produceren om te voldoen aan de vraag uit Europa en Amerika, vaak snel en goedkoop produceren. De term “Satsuma ware” werd dus niet geassocieerd met een plaats van oorsprong, maar met waren van lagere kwaliteit die uitsluitend voor de export werden gemaakt. Desondanks behielden kunstenaars als Yabu meizan en Makuzu Kōzan de hoogste artistieke normen terwijl ze ook succesvol exporteerden. Van 1876 tot 1913 won Kozan prijzen op 51 tentoonstellingen, waaronder de Wereldtentoonstelling en de nationale industriële tentoonstelling.

TextilesEdit

a composite imaginary view of Japan: silk textile artwork

the 1902 edition of Encyclopædia Britannica wrote, “In no branch of applied art heeft het decoratieve genie van Japan meer aantrekkelijke resultaten dan die van textiel, en in geen enkele Is er meer opvallende vooruitgang in de afgelopen jaren.”In Kyoto werden zeer grote, kleurrijke picturale werken geproduceerd. Borduurwerk was een kunstvorm op zich geworden, waarbij een scala aan picturale technieken werd toegepast, zoals chiaroscuro en luchtperspectief.direct na de nederlaag van Japan in de Tweede Wereldoorlog in 1945, vielen grote aantallen Japanse kunstenaars onder de invloed van, of sloten zich zelfs aan bij de Japanse Communistische Partij, die net gelegaliseerd was door de VS.- leidde de militaire bezetting van Japan na vele jaren van onderdrukking door de vooroorlogse en oorlogstijd Japanse politie. Dit had te maken met het succes van de Communistische Partij had in het verkopen van het idee in de vroege naoorlogse jaren dat de partij was de enige groep in Japan te hebben weerstaan oorlogsmilitarisme. Bovendien is het Japanse woord voor “voorhoede” (前衛, zen ‘ ei), zoals in “voorhoede van de communistische revolutie”, toevallig hetzelfde woord dat wordt gebruikt voor “avant-garde” als in de artistieke avant-garde. De Japanse Communistische Partij domineerde al snel de grote kunstverenigingen en tentoonstellingen in Japan, en dus was de overheersende vorm van kunst in de onmiddellijke nasleep van de oorlog het socialistisch realisme dat het lijden van de armen en de adel van de arbeidersklasse afbeeldde, in lijn met de doctrine van de Communistische Partij dat alle kunst het doel van het bevorderen van de oorzaak van de revolutie moest dienen. In 1952 beval de Communistische Partij zelfs kunstenaars als Hiroshi Katsuragawa en andere leden van de nieuw gevormde Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen ‘ ei bijutsukai) de bergen in om socialistische realistische kunst te produceren ter ondersteuning van “Berg Guerrilla squads” die een gewelddadige revolutie in Japan probeerden aan te wakkeren.in de loop van de jaren vijftig werden veel Japanse kunstenaars steeds meer gedesillusioneerd door de starre en beperkte definitie van “kunst” die door de Communistische Partij werd afgedwongen. Door de voortdurende overheersing van communistische partijleden en aanhangers in de hogere rangen van artistieke verenigingen en tentoonstellingsjury ‘ s, vonden kunstenaars het uiterst moeilijk om zelfs hun kunst te tonen, tenzij ze zich aan de richtlijnen van de partij hielden. Sommige kunstenaars schuwden zich weg van formele openbare tentoonstellingen. Anderen zochten erkenning, financiële steun en mogelijkheden om hun kunst in het buitenland te tonen, zoals de Gutai group of conceptual artists, opgericht in 1954. Nog andere kunstenaars maakten gebruik van de weinige onbejukte, “onafhankelijke” tentoonstellingen in Japan, zoals de Yomiuri onafhankelijke tentoonstelling gesponsord door de Yomiuri Shinbun, die iedereen kon betreden.een laatste strohalm kwam met de massale protesten van de Anpo in 1960 tegen het Vs-Japan Veiligheidsverdrag (bekend als “Anpo” in het Japans) die de extreem passieve rol van de zogenaamde” voorhoede “Communistische Partij speelden. Toen de protesten er niet in slaagden om het Verdrag te stoppen, leidde een ronde van beschuldigingen tot verdere ontgoocheling met de Communistische Partij en de socialistische realistische kunst, waardoor veel meer kunstenaars zich losten van de invloed van de partij.

De jaren 1960: Een explosie van nieuwe genresEdit

Met de dominantie van het socialistisch realisme vervagen, 1960, getuige een explosie van nieuwe vormen van kunst in Japan, als de arts uitgebreid in nieuwe richtingen die het best kunnen worden aangeduid als “postmodern.”Kunstenaarscollectieven zoals neo-Dada Organisatoren, Zero Dimension, en Hi-Red Center onderzocht concepten zoals” non-art “en” anti-art, “en voerde een verscheidenheid van gedurfde” evenementen, “” happenings, ” en andere vormen van performance kunst ontworpen om de grenzen tussen kunst en het dagelijks leven te eroderen. De Mono-ha groep verlegde ook de grenzen tussen kunst, ruimte, landschap en omgeving. Andere kunstenaars, zoals grafisch ontwerper Tadanori Yokoo, lieten zich inspireren door de tegencultuur van de jaren 1960 en de explosie van nieuwe vormen van volwassen-georiënteerde manga comics. In de podiumkunsten, Tatsumi Hijikata pionierde een nieuwe vorm van postmoderne dans genaamd Butoh, en toneelschrijvers zoals Jūro Kara en Sato Makoto creëerden de Angura stijl van radicale “underground” theater. En in de fotografie, fotografen zoals Daidō Moriyama pionierde een zeer invloedrijke nieuwe school van naoorlogse Fotografie die spontaniteit nadruk op zorgvuldig geënsceneerde compositie en vierden de kenmerken ” zijn, bure, bokeh “(letterlijk”ruw, wazig, out-of-focus”).de verspreiding van nieuwe vormen van kunst werd ondersteund door de enorme groei van de Japanse economie in de jaren zestig, herinnerd als het “Japanese economic miracle.”In de loop van de jaren zestig groeide de Japanse economie met meer dan 10% per jaar. De toenemende rijkdom creëerde een nieuwe klasse consumenten die het zich konden veroorloven om geld uit te geven aan kunst en verschillende soorten kunst en kunstenaars te ondersteunen. Voor het eerst in de moderne geschiedenis van Japan, werd het haalbaar voor grote aantallen kunstenaars om een brood te verdienen puur door de verkoop van hun kunst. De jaren 60 bouw boom in Japan, die de oude hout-en-papier traditionele Japanse architectuur genivelleerd en vervangen door sprankelende mega-steden van glas en staal, hielp inspireren gloednieuwe scholen van de Japanse architectuur, zoals de metabolisme (architectuur) beweging onder leiding van Kenzo Tange, die moedig brak los van conventionele modellen en bleek invloedrijk over de hele wereld.

tegelijkertijd bleef de kunstwereld echter gedomineerd door kliekjes die de werken van bepaalde (meestal mannelijke) kunstenaars boven anderen bevorderden. Omdat het in de jaren zestig veel gemakkelijker werd voor Japanners om naar het buitenland te reizen, vonden sommige vrouwelijke kunstenaars zoals Yayoi Kusama en Yoko Ono een betere ontvangst in het buitenland, en trokken naar artistieke centra zoals Londen, Parijs en New York, net als veel mannelijke kunstenaars.de triomf van de nieuwe vormen van Japanse kunst werd gecementeerd op de Wereldtentoonstelling van Osaka in 1970, waar tientallen avant-garde en conceptuele kunstenaars werden ingehuurd om paviljoens en artistieke ervaringen te ontwerpen voor kermisgangers. Japanse avant-garde kunst was wereldwijd geworden, en was iets geworden dat zelfs de conservatieve regering trots was om aan de wereld te tonen.de jaren zeventig en tachtig: de economische bubbleEdit

de jaren zeventig en tachtig zagen de Japanse kunst zich voortzetten in veel van de richtingen die begonnen waren in de jaren vijftig en zestig, maar vaak met veel grotere budgetten en duurdere materialen. De Japanse economie bleef snel groeien en groeide uiteindelijk uit tot een van de grootste economische bubbels in de geschiedenis. Met de Japanse munt steeds ongelooflijk sterk in de nasleep van de 1985 Plaza Accord, Japanse individuen en instellingen werden grote spelers in de internationale kunstmarkt. Buitengewoon rijke Japanse mega-bedrijven begonnen met de bouw van hun eigen privé kunstmusea en het verwerven van collecties van moderne en Hedendaagse Kunst, en Japanse kunstenaars profiteerden ook sterk van deze uitgaven.

in het bijzonder bleef de artistieke productie zich verder ontwikkelen van de traditionele schilderkunst en beeldhouwkunst in de richting van grafisch ontwerp, popart, draagbare kunst, performancekunst, Conceptuele Kunst en installatiekunst. Verschillende soorten “hybride” kunst kwam steeds meer in de mode. Naarmate de technologie vorderde, namen kunstenaars in toenemende mate elektronica, video, computers, gesynthetiseerde muziek en geluiden en videospelletjes in hun kunst op. De esthetiek van manga en anime, waarin zoveel jongere kunstenaars waren opgegroeid, oefende een toenemende, zij het soms heel subtiele invloed uit. Vooral schuwden kunstenaars alles wat “hoge kunst” of “schone kunst” weerklonk ten gunste van het persoonlijke, Het eclectische, het fantastische of fantasmagorische en het speelse. In editie werden vrouwelijke kunstenaars zoals Mika Yoshizawa meer en meer geaccepteerd en ondersteund door de kunstwereld in Japan.

hedendaagse kunst in JapanEdit

Japanse hedendaagse kunst neemt evenveel vormen aan en brengt zoveel verschillende ideeën tot uitdrukking als wereldwijde hedendaagse kunst in het algemeen. Het varieert van advertenties, anime, video games, en architectuur zoals reeds vermeld, beeldhouwen, schilderen en tekenen in al hun talloze vormen. Japanse kunstenaars hebben vooral opmerkelijke bijdragen geleverd aan de wereldwijde hedendaagse kunst op het gebied van architectuur, videospelletjes, grafisch ontwerp, Mode en misschien wel vooral animatie. Terwijl anime in eerste instantie werden voornamelijk afgeleid van manga verhalen, diverse anime in overvloed vandaag, en veel kunstenaars en studio ‘ s zijn gestegen tot grote faam als kunstenaars; Hayao Miyazaki en de artiesten en animators van Studio Ghibli worden over het algemeen beschouwd als een van de beste die de anime wereld te bieden heeft.tegelijkertijd blijven veel Japanse kunstenaars gebruik maken van traditionele Japanse artistieke technieken en materialen uit premoderne tijden, zoals traditionele vormen van Japans papier en keramiek en schilderen met zwarte en kleurinkt op papier of zijde. Sommige van deze kunstwerken verbeelden traditionele onderwerpen in traditionele stijlen, terwijl andere nieuwe en verschillende motieven en stijlen verkennen, of kruisingen van traditionele en hedendaagse kunstvormen creëren, met behulp van traditionele media of materialen. Weer anderen schuwen inheemse media en stijlen, omarmen Westerse olieverf of een aantal andere vormen.

in sculptuur geldt hetzelfde; sommige kunstenaars houden zich aan de traditionele modi, sommigen doen het met een moderne flair, en sommigen kiezen westerse of gloednieuwe modi, stijlen en media. Yo Akiyama is slechts één van de vele moderne Japanse beeldhouwers. Hij werkt voornamelijk in aardewerk en keramiek, het creëren van werken die zijn zeer eenvoudig en rechttoe rechtaan, het kijken alsof ze zijn gemaakt uit de aarde zelf. Een andere beeldhouwer, met behulp van ijzer en andere moderne materialen, bouwde een grote moderne kunst sculptuur in de Israëlische havenstad Haifa, genaamd Hanabi (vuurwerk). Nahoko Kojima is een hedendaagse Kirie kunstenaar die Pionier is in de techniek van papier gesneden sculptuur die hangt in 3D.

Takashi Murakami is misschien wel een van de meest bekende Japanse moderne kunstenaars in de westerse wereld. Murakami en de andere kunstenaars in zijn atelier maken stukken in een stijl, geïnspireerd door anime, die hij “superflat”heeft genoemd. Zijn stukken nemen een veelheid aan vormen aan, van schilderkunst tot beeldhouwkunst, waarvan sommige echt enorm groot zijn. Maar de meeste, zo niet alle tonen zeer duidelijk deze anime invloed, met behulp van heldere kleuren en vereenvoudigde details.Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano en Tabaimo worden beschouwd als belangrijke kunstenaars op het gebied van hedendaagse Japanse kunst. De groep 1965, een kunstenaarscollectief, telt de hedendaagse kunstenaar Makoto Aida onder haar leden.