Medio Jōmon vaso; circa 3000-2000 BCE

Jōmon artEdit

I primi abitanti del Giappone sono stati i Jōmon persone (c. 10,500 – c. 300 A.C.), chiamato per il cavo di simboli che decoravano le superfici dei vasi di creta, erano nomadi di cacciatori-raccoglitori, che poi praticato organizzato agricoltura e costruito città con una popolazione di centinaia se non migliaia. Costruirono semplici case di legno e paglia incastonate in fosse di terra poco profonde per fornire calore al suolo. Realizzarono vasi di ceramica riccamente decorati, figurine di argilla chiamate dogū e gioielli di cristallo.

Periodo Jōmonimodifica

Durante il primo periodo Jōmon (5000-2500 a.C.), i villaggi iniziarono ad essere scoperti e furono trovati oggetti di uso quotidiano come vasi di ceramica destinati all’acqua bollente. I vasi che sono stati trovati durante questo periodo avevano fondi piatti e avevano disegni elaborati realizzati con materiali come il bambù. Inoltre, un’altra scoperta importante furono le prime figurine Jōmon che potrebbero essere state usate come oggetti di fertilità a causa dei seni e dei fianchi gonfi che esibivano.

Medio Jōmon periodEdit

Vaso; medio-fine del periodo Jomon; 35 ° -11 ° secolo A.C.

Il Medio periodo Jōmon (2500-1500 BCE), contrastato dall’Inizio Periodo Jōmon in molti modi. Queste persone divennero meno nomadi e iniziarono a stabilirsi nei villaggi. Hanno creato strumenti utili che sono stati in grado di elaborare il cibo che hanno raccolto e cacciato che ha reso la vita più facile per loro. Attraverso le numerose ceramiche esteticamente gradevoli che sono state trovate durante questo periodo di tempo, è evidente che queste persone avevano un’economia stabile e più tempo libero per stabilire bei pezzi. Inoltre, le persone del periodo medio Jōmon differivano dai loro antenati precedenti perché sviluppavano vasi in base alla loro funzione, ad esempio producevano vasi per conservare oggetti. Le decorazioni su questi vasi iniziarono a diventare più realistiche rispetto alle prime ceramiche Jōmon. Nel complesso, la produzione di opere non solo è aumentata durante questo periodo, ma questi individui li hanno resi più decorativi e naturalistici.

Tardo e Finale Jōmon periodEdit

Dogū figurina dal sito Ebisuda di Ōsaki, prefettura di Miyagi (1000-400 BCE)

Durante il Tardo e Finale del periodo Jōmon (1500-300 BCE), il tempo ha iniziato a diventare più freddo, quindi costringendoli a trasferirsi lontano dalle montagne. La principale fonte di cibo durante questo periodo era il pesce, che li ha fatti migliorare i loro rifornimenti e strumenti di pesca. Questo progresso è stato un risultato molto importante durante questo periodo. Inoltre, il numero di navi in gran parte aumentato che potrebbe eventualmente concludere che ogni casa aveva la propria figurina visualizzata in loro. Anche se vari vasi sono stati trovati durante il periodo Jōmon tardo e finale, questi pezzi sono stati trovati danneggiati, il che potrebbe indicare che li usavano per i rituali. Inoltre, sono state trovate anche figurine e sono state caratterizzate dai loro corpi carnosi e occhialini come occhi.

Dogū figurine

Dogū (“figura di terra”) sono piccole figurine umanoidi e animali realizzati durante la parte successiva del periodo Jōmon. Sono stati fatti in tutto il Giappone, tranne Okinawa. Alcuni studiosi teorizzano il dogū agito come effigi di persone, che ha manifestato una sorta di magia simpatica. I Dogū sono fatti di argilla e sono piccoli, in genere alti da 10 a 30 cm. La maggior parte delle figurine sembrano essere modellati come femminile, e hanno grandi occhi, piccoli fianchi, e fianchi larghi. Sono considerati da molti rappresentativi delle dee. Molti hanno grandi addominali associati alla gravidanza, suggerendo che i Jomon li consideravano dee madri.

Yayoi artEdit

La prossima ondata di immigrati fu il popolo Yayoi, chiamato per il distretto di Tokyo dove furono trovati i resti dei loro insediamenti. Queste persone, che arrivarono in Giappone intorno al 300 a. C., portarono la loro conoscenza della coltivazione del riso nelle zone umide, della produzione di armi in rame e campane in bronzo (dōtaku) e della ceramica lanciata a ruota e cotta in forno.

• Il periodo Yayoi dōtaku campana, 3 ° secolo dc

• specchio di Bronzo di scavo in Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto

• Carmaic vaso dal periodo Yayoi

• Vari rituali Yayoi ceramiche da Yoshinogari Sito

• Yayoi storage jar da 500 A.C. – 200 CE

Kofun artEdit

Tomba dell’Imperatore Nintoku trova a Sakai, Giappone. La tomba a forma di buco della serratura è lunga 486 m, larga 305 m nella parte inferiore e 245 m di diametro.

Il terzo stadio nella preistoria giapponese, il periodo Kofun (c. 300 – 710 DC), rappresenta una modifica della cultura Yayoi, attribuibile allo sviluppo interno o alla forza esterna. Questo periodo è più notevole per la sua cultura tomba e altri manufatti come specchi di bronzo e sculture di argilla chiamati haniwa che sono stati eretti al di fuori di queste tombe. Durante il periodo Kofun, le caratteristiche di queste tombe si sono evolute da tombe più piccole erette su colline e creste a tombe molto più grandi costruite su terreni pianeggianti. La tomba più grande del Giappone, la tomba dell’imperatore Nintoku, ospita 46 tumuli e ha la forma di un buco della serratura, una caratteristica distinta trovata all’interno delle tombe Kofun successive.

Asuka e Nara artEdit

Un drago testa lanciatore con Pegasus modello inciso, in bronzo dorato con argento, periodo Asuka, 7 ° secolo, ex Tempio di Horyu-ji tesori

Durante il Asuka e Nara periodi, così chiamata perché la sede del governo Giapponese era situato nel Asuka Valle da 542 a 645 e nella città di Nara fino 784, il primo notevole afflusso continentale cultura Asiatica ha avuto luogo in Giappone.

La trasmissione del buddismo ha fornito l’impulso iniziale per i contatti tra Cina e Giappone. I giapponesi riconobbero le sfaccettature della cultura cinese che potevano essere proficuamente incorporate nella propria: un sistema per convertire idee e suoni in scrittura; storiografia; teorie complesse del governo, come una burocrazia efficace; e, cosa più importante per le arti, nuove tecnologie, nuove tecniche di costruzione, metodi più avanzati di fusione in bronzo e nuove tecniche e media per la pittura.

Nel corso del vii e VIII secolo, tuttavia, l’attenzione principale nei contatti tra il Giappone e il continente asiatico è stato lo sviluppo del buddismo. Non tutti gli studiosi concordano sulle date significative e sui nomi appropriati da applicare a vari periodi di tempo tra il 552, la data ufficiale dell’introduzione del buddismo in Giappone, e il 784, quando la capitale giapponese fu trasferita da Nara. Le denominazioni più comuni sono il periodo Suiko, 552-645; il periodo Hakuhō, 645-710, e il periodo Tenpyō, 710-784.

• Pagoda e Kondō a Hōryū-ji, 8 ° secolo

• Hokkedō al tempio di tōdai-ji, 8 ° secolo

I primi Giapponese sculture del Buddha sono datata al 6 ° e 7 ° secolo. Alla fine derivano dall’arte greco – buddista del Gandhara dal 1 ° al 3 ° secolo d.C., caratterizzata da modelli di abiti fluenti e resa realistica, su cui sono stati sovrapposti tratti artistici cinesi. Dopo che l’arte buddista cinese del Nord Wei si era infiltrata in una penisola coreana, le icone buddiste furono portate in Giappone da vari gruppi di immigrati. In particolare, la forma Maitreya semi-seduta è stata adattata in uno stile artistico greco antico altamente sviluppato che è stato trasmesso al Giappone come evidenziato dalle statue Kōryū-ji Miroku Bosatsu e Chūgū-ji Siddhartha. Molti storici ritraggono la Corea come un semplice trasmettitore del buddismo. I Tre Regni, e in particolare Baekje, furono fondamentali come agenti attivi nell’introduzione e nella formazione di una tradizione buddhista in Giappone nel 538 o nel 552.Illustrano il punto terminale della trasmissione dell’arte sulla Via della Seta durante i primi secoli della nostra era. Altri esempi possono essere trovati nello sviluppo dell’iconografia del Dio del vento giapponese Fūjin, i guardiani Niō e i motivi floreali quasi classici nelle decorazioni del tempio.

Le prime strutture buddhiste ancora esistenti in Giappone, e i più antichi edifici in legno in Estremo Oriente si trovano presso l’Hōryū-ji a sud-ovest di Nara. Costruito all’inizio del vii secolo come tempio privato del principe ereditario Shōtoku, si compone di 41 edifici indipendenti. Le più importanti, la sala di culto principale, o Kondō (Sala d’oro), e Gojū-no-tō (Pagoda a cinque piani), si trovano al centro di un’area aperta circondata da un chiostro coperto. Il Kondō, nello stile delle sale di culto cinesi, è una struttura a due piani di costruzione post-e-trave, ricoperta da un irimoya, o tetto a capanna di piastrelle di ceramica.

All’interno del Kondō, su una grande piattaforma rettangolare, si trovano alcune delle sculture più importanti del periodo. L’immagine centrale è una Trinità Shaka (623), il Buddha storico affiancato da due bodhisattva, scultura in bronzo dello scultore Tori Busshi (fiorita all’inizio del vii secolo) in omaggio al principe Shōtoku recentemente scomparso. Ai quattro angoli della piattaforma si trovano i Re Guardiani delle Quattro Direzioni, scolpiti in legno intorno al 650. Anche ospitato a Hōryū-ji è il Santuario Tamamushi, una replica in legno di un Kondō, che è impostato su un’alta base di legno che è decorato con dipinti figurali eseguiti in un mezzo di pigmenti minerali mescolati con lacca.

La costruzione del tempio nell’viii secolo era incentrata sul Tōdai-ji a Nara. Costruito come sede di una rete di templi in ciascuna delle province, il Tōdaiji è il più ambizioso complesso religioso eretto nei primi secoli del culto buddista in Giappone. Appropriatamente, il Buddha di 16,2 m (53 piedi) (completato 752) racchiuso nella sala principale del Buddha, o Daibutsuden, è un Buddha Rushana, la figura che rappresenta l’essenza della Buddhità, proprio come il Tōdaiji rappresentava il centro per il Buddismo Imperialmente sponsorizzato e la sua diffusione in tutto il Giappone. Solo pochi frammenti della statua originale sopravvivono, e l’attuale sala e il Buddha centrale sono ricostruzioni del periodo Edo.

raggruppate attorno al Daibutsuden su una dolce collina sono un certo numero di secondaria sale: i Hokke-dō (Lotus Sutra del Municipio), con la sua immagine principale, il Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, il più popolare bodhisattva), predisposto secchi di vernice (panno imbevuto in lacca e modellato nel corso di una armatura di legno); il Kaidanin (戒壇院, Sala di Ordinazione) con le sue magnifiche statue di argilla di Quattro Tutore Re; e il magazzino, chiamato Shōsōin. Quest’ultima struttura è di grande importanza come cache storico-artistica, perché in essa sono conservati gli utensili che sono stati utilizzati nella cerimonia di dedicazione del tempio nel 752, il rituale di apertura degli occhi per l’immagine Rushana, così come i documenti governativi e molti oggetti secolari di proprietà della famiglia imperiale.

Si pensa che Choukin (o chōkin), l’arte dell’incisione o della scultura in metallo, sia iniziata nel periodo Nara.

Heian artEdit

Taizokai (grembo regno) Mandala in seta appeso scorrimento, 9 ° secolo CE

Taishakuten Śakra, 839, tô preso nella-ji

794 la capitale del Giappone è stata ufficialmente trasferita a Heian-kyō (l’attuale Kyoto), dove è rimasto fino al 1868. Il termine periodo Heian si riferisce agli anni tra il 794 e il 1185, quando lo shogunato Kamakura fu istituito alla fine della guerra Genpei. Il periodo è ulteriormente diviso in Heian precoce e il tardo Heian, o Fujiwara era, la data fondamentale è 894, l’anno ambasciate imperiali in Cina sono stati ufficialmente interrotti.

Early Heian art: In reazione alla crescente ricchezza e potere del buddhismo organizzato a Nara, il sacerdote Kūkai (meglio conosciuto con il suo titolo postumo Kōbō Daishi, 774-835) si recò in Cina per studiare lo Shingon, una forma di buddhismo Vajrayana, che introdusse in Giappone nell ‘ 806. Al centro del culto di Shingon ci sono i mandala, diagrammi dell’universo spirituale, che poi hanno iniziato a influenzare il design del tempio. L’architettura buddista giapponese adottò anche lo stupa, originariamente una forma architettonica indiana, nella sua pagoda in stile cinese.

I templi eretti per questa nuova setta furono costruiti in montagna, lontano dalla Corte e dai laici della capitale. La topografia irregolare di questi siti costrinse gli architetti giapponesi a ripensare i problemi della costruzione del tempio, e così facendo a scegliere più elementi di design indigeni. I tetti di corteccia di cipresso sostituirono quelli di piastrelle di ceramica, le tavole di legno furono usate al posto dei pavimenti di terra e un’area di culto separata per i laici fu aggiunta davanti al santuario principale.

Il tempio che meglio riflette lo spirito dei primi templi Shingon Heian è il Murō-ji (inizio 9 ° secolo), situato in profondità in una bancarella di cipressi su una montagna a sud-est di Nara. L’immagine lignea (anche all’inizio del IX secolo) di Shakyamuni, il Buddha “storico”, racchiusa in un edificio secondario al Murō-ji, è tipica della scultura Heian, con il suo corpo pesante, coperto da spesse pieghe di panneggio scolpite nello stile honpa-shiki (onde rotanti), e la sua espressione facciale austera e ritirata.

Arte Fujiwara: Nel periodo Fujiwara, il buddismo della Terra Pura, che offriva una facile salvezza attraverso la fede in Amida (il Buddha del Paradiso occidentale), divenne popolare. Questo periodo prende il nome dalla famiglia Fujiwara, allora la più potente del paese, che governò come reggenti per l’imperatore, diventando, in effetti, dittatori civili. Contemporaneamente, la nobiltà di Kyoto ha sviluppato una società dedicata a eleganti inseguimenti estetici. Il loro mondo era così sicuro e bello che non potevano concepire il Paradiso come molto diverso. Hanno creato una nuova forma di Buddha hall, la sala Amida, che fonde il laico con il religioso, e ospita una o più immagini di Buddha all’interno di una struttura simile alle dimore della nobiltà.

Byōdō-in Phoenix Hall, Uji, Kyoto

Il Hō-ò-dō (Phoenix Hall, completato 1053) del Byōdō-in, un tempio in Uji a sud-est di Kyoto, è l’esemplare di Fujiwara Amida sale. È costituito da una struttura principale rettangolare affiancata da due corridoi ad ala a L e da un corridoio di coda, posto ai margini di un grande stagno artificiale. All’interno, un’unica immagine dorata di Amida (c. 1053) è installata su un’alta piattaforma. La scultura Amida è stata eseguita da Jōchō, che ha utilizzato un nuovo canone di proporzioni e una nuova tecnica (yosegi), in cui più pezzi di legno sono scolpiti come conchiglie e uniti dall’interno. Applicati alle pareti della sala sono piccole sculture in rilievo di celestiali, l’ospite credeva di aver accompagnato Amida quando discese dal Paradiso occidentale per raccogliere le anime dei credenti al momento della morte e trasportarle in fiori di loto in Paradiso. I dipinti Raigō sulle porte di legno dell’Hō-ō-dō, raffiguranti la Discesa del Buddha Amida, sono un primo esempio di Yamato-e, pittura in stile giapponese, e contengono rappresentazioni del paesaggio intorno a Kyoto.

“YUGIRI” di Genji Monogatari Emaki

E-maki: Nell’ultimo secolo del periodo Heian, orizzontale, illustrati narrativa rotolo, noto come e-maki (絵巻, lit. “immagine di scorrimento”), è venuto alla ribalta. Risalente a circa il 1130, il Genji Monogatari Emaki, un famoso racconto illustrato di Genji rappresenta il primo handscroll yamato-e sopravvissuto, e uno dei punti più alti della pittura giapponese. Scritto intorno all’anno 1000 da Murasaki Shikibu, dama di compagnia dell’imperatrice Shōshi, il romanzo tratta della vita e degli amori di Genji e del mondo della corte Heian dopo la sua morte. Gli artisti del 12 ° secolo della versione e-maki hanno ideato un sistema di convenzioni pittoriche che trasmettono visivamente il contenuto emotivo di ogni scena. Nella seconda metà del secolo, uno stile diverso e più vivace di illustrazione narrativa continua divenne popolare. Il Ban Dainagon Ekotoba (fine del 12 ° secolo), un rotolo che tratta di un intrigo a corte, enfatizza le figure in movimento attivo raffigurate in pennellate rapidamente eseguite e colori sottili ma vibranti.

E-maki è anche uno dei primi e più grandi esempi di otoko-e (“quadri maschili”) e onna-e (“quadri femminili”) stili di pittura. Ci sono molte belle differenze nei due stili, facendo appello alle preferenze estetiche dei generi. Ma forse più facilmente evidenti sono le differenze in materia. Onna-e, incarnata dal racconto di Genji handscroll, si occupa tipicamente di vita di corte, in particolare le signore di corte, e con temi romantici. Otoko-e registrava spesso eventi storici, in particolare battaglie. L’assedio del Palazzo Sanjō (1160), raffigurato nella sezione “Attacco notturno al Palazzo Sanjō” dell’handscroll Heiji Monogatari è un famoso esempio di questo stile.

Kamakura artEdit

reliquiario in bronzo Dorato e traforato (kondō sukashibari sharitō)

Nel 1180, un scoppiò la guerra tra due dei più potenti clan guerriero: Taira e Minamoto; cinque anni più tardi, i Minamoto è emerso vittorioso, e ha stabilito un de facto, la sede del governo, nel borgo marinaro di Kamakura, dove rimase fino al 1333. Con lo spostamento del potere dalla nobiltà alla classe guerriera, le arti dovevano soddisfare un nuovo pubblico: uomini dediti alle abilità della guerra, sacerdoti impegnati a rendere il buddismo disponibile per i cittadini comuni analfabeti, e conservatori, la nobiltà e alcuni membri del sacerdozio che si rammaricavano del potere in declino della corte. Quindi, il realismo, una tendenza divulgativa e un revival classico caratterizzano l’arte del periodo Kamakura. Nel periodo Kamakura, Kyoto e Nara rimasero i centri della produzione artistica e dell’alta cultura.

Dettaglio di Muchaku a Kōfuku-ji, Nara di Unkei

Scultura: La scuola di scultori Kei, in particolare Unkei, ha creato un nuovo stile di scultura più realistico. Le due immagini Niō guardian (1203) nella Grande Porta sud del Tōdai-ji a Nara illustrano lo stile dinamico sovrarealistico di Unkei. Le immagini, alte circa 8 m (circa 26 ft), sono state scolpite in blocchi multipli in un periodo di circa tre mesi, un’impresa indicativa di un sistema di studio sviluppato di artigiani che lavorano sotto la direzione di un maestro scultore. Le sculture in legno policromato di Unkei (1208, Kōfuku-ji, Nara) di due saggi indiani, Muchaku e Seshin, i leggendari fondatori della setta Hossō, sono tra le opere realistiche più compiute del periodo; come reso da Unkei, sono immagini notevolmente individualizzate e credibili. Una delle opere più famose di questo periodo è una Triade di Amitabha (completata nel 1195), in Jōdo-ji in On, creata da Kaikei, il successore di Unkei.

Calligrafia e pittura: Il Kegon Engi Emaki, la storia illustrata della fondazione della setta Kegon, è un eccellente esempio della tendenza divulgativa nella pittura Kamakura. La setta Kegon, una delle più importanti del periodo Nara, cadde in tempi difficili durante l’ascesa delle sette della Terra Pura. Dopo la guerra Genpei (1180-1185), il sacerdote Myōe di Kōzan-ji cercò di far rivivere la setta e anche di fornire un rifugio alle donne vedove dalla guerra. Le mogli dei samurai erano state scoraggiate dall’imparare più di un sistema sillabario per trascrivere suoni e idee (vedi kana), e la maggior parte erano incapaci di leggere testi che impiegavano ideografi cinesi (kanji).

Così, il Kegon Engi Emaki combina passaggi di testo, scritti con un massimo di sillabe facilmente leggibili, e illustrazioni che hanno il dialogo tra personaggi scritti accanto agli altoparlanti, una tecnica paragonabile a fumetti contemporanei. La trama di e-maki, le vite dei due sacerdoti coreani che hanno fondato la setta Kegon, è rapidamente ritmata e piena di imprese fantastiche come un viaggio al palazzo del Re dell’Oceano e una commovente storia di mamma.

Un’opera più conservatrice è la versione illustrata del diario di Murasaki Shikibu. Le versioni di E-maki del suo romanzo continuarono ad essere prodotte, ma la nobiltà, in sintonia con il nuovo interesse per il realismo ma nostalgico per i giorni passati di ricchezza e potere, rianimò e illustrò il diario per riconquistare lo splendore dei tempi dell’autore. Uno dei passaggi più belli illustra l’episodio in cui Murasaki Shikibu viene scherzosamente tenuta prigioniera nella sua stanza da due giovani cortigiani, mentre, appena fuori, il chiaro di luna brilla sulle rive muschiose di un ruscello nel giardino imperiale.

Muromachi artEdit

Durante il periodo Muromachi (1338-1573), chiamato anche periodo Ashikaga, ebbe luogo un profondo cambiamento nella cultura giapponese. Il clan Ashikaga prese il controllo dello shogunato e spostò il suo quartier generale a Kyoto, nel distretto Muromachi della città. Con il ritorno del governo nella capitale, le tendenze divulgative del periodo Kamakura si conclusero e l’espressione culturale assunse un carattere più aristocratico ed elitario. Buddismo Zen, la setta Ch’an tradizionalmente pensato per essere stato fondato in Cina nel 6 ° secolo, è stato introdotto per la seconda volta in Giappone e ha messo radici.

Karesansui di Ryōan-ji, Kyoto

Pittura: A causa delle imprese secolari e delle missioni commerciali in Cina organizzate dai templi Zen, molti dipinti e oggetti d’arte cinesi furono importati in Giappone e influenzarono profondamente gli artisti giapponesi che lavoravano per i templi zen e lo shogunato. Non solo queste importazioni hanno cambiato l’oggetto della pittura, ma hanno anche modificato l’uso del colore; i colori vivaci di Yamato-e hanno ceduto ai monocromi della pittura alla maniera cinese, dove i dipinti hanno generalmente solo toni in bianco e nero o diversi di un singolo colore.

Tipica della pittura Muromachi precoce è la rappresentazione del sacerdote-pittore Kao (attivo all’inizio del 15 ° secolo) del leggendario monaco Kensu (Hsien-tzu in cinese) nel momento in cui ha raggiunto l’illuminazione. Questo tipo di pittura è stato eseguito con pennellate rapide e un minimo di dettaglio. Cattura di un pesce gatto con una zucca (inizio del 15 ° secolo, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), dal sacerdote-pittore Josetsu (attivo c. 1400), segna un punto di svolta nella pittura Muromachi. Eseguito originariamente per uno schermo basso, è stato rimontato come un rotolo appeso con iscrizioni di figure contemporanee sopra, una delle quali si riferisce al dipinto come nel “nuovo stile”. In primo piano un uomo è raffigurato sulla riva di un ruscello che tiene una piccola zucca e guarda un grande pesce gatto strisciante. Nebbia riempie la terra di mezzo, e le montagne di sfondo sembrano essere lontano in lontananza. Si presume generalmente che il” nuovo stile ” del dipinto, eseguito su 1413, si riferisca a un senso più cinese di spazio profondo all’interno del piano dell’immagine.

I più importanti artisti del periodo Muromachi sono i sacerdoti-pittori Shūbun e Sesshū. Shūbun, un monaco al tempio di Kyoto di Shōkoku-ji, creato nel dipinto Reading in a Bamboo Grove (1446) un paesaggio realistico con profonda recessione nello spazio. Sesshū, a differenza della maggior parte degli artisti del periodo, fu in grado di viaggiare in Cina e studiare la pittura cinese alla sua fonte. Paesaggio delle Quattro Stagioni (Sansui Chokan; c. 1486) è una delle opere più compiute di Sesshu, raffigurante un paesaggio continuo attraverso le quattro stagioni.

periodo azuchi-Momoyama artEdit

il Castello di Himeji, costruito nel 1580-1609

Nel periodo azuchi–Momoyama (1573-1603), un susseguirsi di capi militari, come Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, e Tokugawa Ieyasu, ha tentato di portare la pace e la stabilità politica del Giappone dopo un periodo di quasi 100 anni di guerra. Oda, un capo minore, acquisì un potere sufficiente a prendere di fatto il controllo del governo nel 1568 e, cinque anni dopo, a spodestare l’ultimo shōgun Ashikaga. Hideyoshi prese il comando dopo la morte di Oda, ma i suoi piani per stabilire un dominio ereditario furono sventati da Ieyasu, che fondò lo shogunato Tokugawa nel 1603.

Cipressi Byōbu, schermo pieghevole da Kanō Eitoku, 1590

Dipinto: La più importante scuola di pittura nel periodo Momoyama, è stato quello della scuola Kanō, e la più grande innovazione del periodo è stata la formula, sviluppato da Kanō Eitoku, per la creazione di paesaggi monumentali su le porte scorrevoli, che racchiude una stanza. La decorazione della sala principale che si affaccia sul giardino del Jukō-in, un sottotempio del Daitoku-ji (un tempio zen di Kyoto), è forse il miglior esempio esistente del lavoro di Eitoku. Un massiccio albero XT e pini gemelli sono raffigurati su coppie di schermi scorrevoli in angoli diagonalmente opposti, i loro tronchi ripetono le verticali dei pali d’angolo e i loro rami si estendono a sinistra ea destra, unificando i pannelli adiacenti. Lo schermo di Eitoku, i Leoni cinesi, anche a Kyoto, rivela lo stile audace e dai colori vivaci della pittura preferito dai samurai.

Hasegawa Tōhaku, un contemporaneo di Eitoku, sviluppò uno stile un po ‘ diverso e più decorativo per i dipinti su schermo su larga scala. Nel suo schermo in acero (楓図), ora nel tempio di Chishaku-in (ja:智積院), Kyoto, ha posto il tronco dell’albero al centro e ha esteso gli arti quasi al bordo della composizione, creando un lavoro più piatto, meno architettonico di Eitoku, ma un dipinto visivamente splendido. Il suo sesto schermo, Pine Wood (松林図), è un magistrale rendering in inchiostro monocromatico di un boschetto di alberi avvolti dalla nebbia.

l’Arte di Edo periodEdit

il Dio del Vento e il Dio del Tuono, Tawaraya Sōtatsu, 17 ° secolo

Lo shogunato Tokugawa, maturata indiscusso il controllo del governo, nel 1603 con l’impegno di portare la pace e la stabilità economica e politica del paese; in larga misura è stato un successo. Lo shogunato sopravvisse fino al 1867, quando fu costretto a capitolare a causa del suo fallimento nell’affrontare le pressioni delle nazioni occidentali per aprire il paese al commercio estero. Uno dei temi dominanti nel periodo Edo furono le politiche repressive dello shogunato e i tentativi degli artisti di sfuggire a queste restrizioni. Il primo di questi è stata la chiusura del paese agli stranieri e gli equipaggiamenti delle loro culture, e l ” imposizione di codici rigorosi di comportamento che interessano ogni aspetto della vita, i vestiti si indossava, la persona uno sposato, e le attività che si poteva o non doveva perseguire.

Nei primi anni del periodo Edo, tuttavia, il pieno impatto delle politiche Tokugawa non era ancora stato sentito, e furono prodotte alcune delle migliori espressioni giapponesi in architettura e pittura: il Palazzo Katsura a Kyoto e i dipinti di Tawaraya Sōtatsu, pioniere della scuola Rinpa.

Giardino giapponese in stile Circuit Kōraku-en a Okayama, iniziato nel 1700

Xilografia: le xilografie erano originariamente utilizzate per tradurre le scritture buddiste nell’ottavo secolo in Giappone. La stampa a blocchi di legno consiste nell’incisione di immagini o immagini su un pezzo di legno, che viene poi premuto contro un pezzo di carta. Nell’VIII secolo la xilografia era considerata un metodo conveniente per la riproduzione del testo stampato fino a quando ulteriori innovazioni permisero di tradurre il colore su carta o meglio conosciute come stampe Nishik-E. La stampa a blocchi di legno era il metodo comune di stampa dall’undicesimo fino al diciannovesimo secolo. Le stampe Nishiki-e producevano beni come calendari che venivano comunemente venduti a membri ricchi della società durante il periodo Edo. Nel periodo Edo queste stampe sono stati raffigurati eventi e scene di attori di spicco. Ukiyo poi è stato associato alla stampa a blocchi di legno nei primi anni del periodo Edo. Questi dipinti Ukiyo raffiguravano la vita quotidiana di membri di spicco della società. Ukiyo ha iniziato come pergamene scolpite a mano raffigurata la vita come un normale cittadino comune.

Architettura: Il Palazzo indipendente di Katsura, costruito ad imitazione del palazzo di Genji, contiene un gruppo di edifici shoin che combinano elementi dell’architettura classica giapponese con restauri innovativi. L’intero complesso è circondato da un bellissimo giardino con sentieri per camminare.Molti dei potenti daimyō (signori feudali) costruito un giardino in stile circuito giapponese nel paese territorio, e gareggiato per la bellezza.

Pittura: Sōtatsu ha evoluto un superbo stile decorativo ricreando temi della letteratura classica, utilizzando figure e motivi brillantemente colorati del mondo naturale su sfondi a foglia d’oro. Una delle sue opere più belle è la coppia di schermi The Waves a Matsushima nella Freer Gallery di Washington, DC. Un secolo dopo, Kōrin ha rielaborato lo stile di Sōtatsu e ha creato opere visivamente bellissime in modo unico. Forse i suoi migliori sono i dipinti su schermo di fiori di pruno rossi e bianchi.

Scultura: Il monaco buddista Enkū scolpì 120.000 immagini buddiste in uno stile ruvido e individuale.

Tre bellezze del presente, di Utamaro, c. 1793

La stampa Fuji Rosso da Hokusai serie di trentasei Vedute del Monte Fuji

Improvvisa Doccia al Atake Ponte, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e e il nanga (bunjinga): La scuola d’arte più conosciuta in Occidente è quella dell’ukiyo-e, dipinti e xilografie del demimonde, il mondo del teatro kabuki e i quartieri di piacere. Le stampe Ukiyo-e iniziarono ad essere prodotte alla fine del 17 ° secolo; nel 1765 Harunobu produsse la prima stampa policroma. I designer di stampa della prossima generazione, tra cui Torii Kiyonaga e Utamaro, hanno creato raffigurazioni eleganti e talvolta perspicaci di cortigiane.

Nel xix secolo le figure dominanti erano Hokusai e Hiroshige, quest’ultimo un creatore di stampe paesaggistiche romantiche e un po ‘ sentimentali. Gli angoli e le forme dispari attraverso cui Hiroshige vedeva spesso il paesaggio, e il lavoro di Kiyonaga e Utamaro, con la sua enfasi su piani piatti e forti contorni lineari, ebbero un profondo impatto su artisti occidentali come Edgar Degas e Vincent van Gogh. Attraverso opere d’arte conservate nei musei occidentali, questi stessi stampatori avrebbero in seguito esercitato una potente influenza sull’immaginario e sugli approcci estetici usati dai primi poeti modernisti come Ezra Pound, Richard Aldington e H. D.

Una scuola di pittura contemporanea con ukiyo-e era nanga, o bunjinga, uno stile basato su dipinti eseguiti da studiosi-pittori cinesi. Proprio come gli artisti ukiyo-e hanno scelto di rappresentare figure della vita al di fuori delle restrizioni dello shogunato Tokugawa, gli artisti bunjin si sono rivolti alla cultura cinese. Gli esemplari di questo stile sono Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden e Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).

Ceramica

Articoli principali: Giapponese ceramica e porcellana e esportazioni Giapponesi in porcellana

Tradizionale, soprattutto in gres, stili continuato in molte parti del Giappone, ma la ceramica Giapponese sono stati trasformati intorno all’inizio del periodo Edo, da un grande afflusso di coreano ceramisti, catturati o convinto ad emigrare nel corso delle invasioni Giapponesi della Corea nel 1590s. Molti di questi si sono insediati sull’isola meridionale di Kyushu, e hanno portato con loro l’esperienza di versioni di Cinese-stile di matricola e l’arrampicata forno, chiamato noborigama in Giappone, che ha permesso di alte temperature con un controllo più preciso. Intorno al 1620 avevano scoperto depositi di caolinite e iniziarono a produrre porcellana per la prima volta in Giappone. I primi articoli (chiamati “Early Imari”) erano relativamente piccoli e imitavano la porcellana cinese sottosmalto blu e bianco, che il Giappone aveva importato per qualche tempo.

L’industria della porcellana si espanse notevolmente alla fine del 1650, poiché il crollo dell’industria cinese dalla guerra civile portò a ordini molto grandi da parte dei commercianti cinesi e della Compagnia olandese delle Indie Orientali, a quel punto i commercianti permisero solo di fare affari in Giappone. Il primo grande periodo di porcellana esportazione giapponese durò fino a circa il 1740, e la grande massa di porcellana giapponese è stato fatto per l’esportazione, per lo più in Europa, ma anche il mondo islamico ad ovest e sud del Giappone.

• Ko-Kutani (vecchio Kutani) cinque colori Iroe tipo bene come brocca con uccello e fiore di design in velatura smalto, periodo di Edo, 17 ° secolo

• Ko-Imari piatto, 1700-1740

Lacquerware:

Articolo principale: lacquerware giapponese

Con lo sviluppo dell’economia e della cultura, la qualità artistica dei mobili laccati è migliorata. Hon’ami Kōetsu e Ogata Kōrin portarono i disegni della scuola di pittura Rinpa in lacche. Dopo la metà del periodo Edo, inrō per i contenitori di medicina portatile cominciò ad essere decorato magnificamente con maki-e e raden, e divenne popolare tra la classe samurai e ricchi mercanti nella classe chōnin, e alla fine del periodo Edo, passò da accessori pratici a collezioni d’arte. L’esportazione di lacche continuò dopo il periodo Azuchi-Momoyama. Maria Antonietta e Maria Teresa sono noti come collezionisti di lacche giapponesi in questo periodo.

• Inro e Netsuke, 18 secolo,

• Scrivere lacca di dialogo con Iris a Yatsuhashi, da Ogata Kōrin. Tesoro Nazionale

Arte del periodo anteguerra

Ulteriori informazioni: Meiji (era) § Arte

Quando l’imperatore del Giappone riconquistò il potere dominante nel 1868, il Giappone fu nuovamente invaso da nuove e aliene forme di cultura. Durante il periodo prebellico, L’introduzione dei valori culturali occidentali ha portato a una dicotomia nell’arte giapponese, così come in quasi ogni altro aspetto della cultura, tra valori tradizionali e tentativi di duplicare e assimilare una varietà di nuove idee contrastanti. Questa scissione è rimasta evidente alla fine del 20 ° secolo, anche se molte sintesi erano già avvenute, e ha creato un’atmosfera culturale internazionale e stimolato le arti giapponesi contemporanee verso forme sempre più innovative.

Il governo si interessò attivamente al mercato dell’esportazione dell’arte, promuovendo le arti giapponesi in una serie di fiere mondiali, a partire dal 1873 di Vienna Fair.As oltre a finanziare pesantemente le fiere, il governo ha assunto un ruolo attivo organizzando il modo in cui la cultura del Giappone è stata presentata al mondo. Ha creato una società semi-pubblica-la Kiritsu Kosho Kaisha (Prima società di produzione industriale) — per promuovere e commercializzare le esportazioni di arte e ha istituito l’Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) per mantenere gli standard di qualità. Per l’Esposizione Internazionale del Centenario del 1876 a Filadelfia, il governo giapponese creò un Ufficio del Centenario e inviò un inviato speciale per garantire lo spazio per i 30.000 oggetti che sarebbero stati esposti. La famiglia imperiale si interessò attivamente anche di arti e mestieri, commissionando opere (“articoli di presentazione”) come regali per dignitari stranieri. Nel 1890, il sistema Teishitsu Gigeiin (Artista della famiglia imperiale) è stato creato per riconoscere artisti illustri; settanta sono stati nominati dal 1890 al 1944. Tra questi c’erano il pittore e laccatore Shibata Zeshin, il ceramista Makuzu Kōzan, il pittore Hashimoto Gahō e l’artista dello smalto cloisonné Namikawa Yasuyuki.

Man mano che le importazioni occidentali diventavano popolari, la domanda di arte giapponese diminuiva all’interno del Giappone stesso. In Europa e in America, la nuova disponibilità di arte giapponese ha portato ad un fascino per la cultura giapponese; una mania conosciuta in Europa come Japonisme. Il patrocinio imperiale, la sponsorizzazione del governo, la promozione a un nuovo pubblico e la tecnologia occidentale si sono combinati per promuovere un’era di innovazione artistica giapponese. Nelle arti decorative, gli artisti giapponesi hanno raggiunto nuovi livelli di raffinatezza tecnica.

Oggi Masayuki Murata possiede più di 10.000 opere d’arte Meiji ed è uno dei collezionisti più entusiasti. Da quel momento, la maggior parte delle eccellenti opere di arte Meiji sono stati acquistati da collezionisti stranieri e solo pochi di loro sono rimasti in Giappone, ma perché ha comprato indietro molte opere provenienti da paesi stranieri e ha aperto il Museo Kiyomizu Sannenzaka, lo studio e rivalutazione dell’arte Meiji rapidamente avanzato in Giappone dopo il 21 ° secolo. Nasser Khalili è anche uno dei collezionisti più devoti al mondo di arte Meiji, e la sua collezione comprende molte categorie di arte Meiji. La famiglia imperiale giapponese possiede anche eccellenti opere d’arte Meiji, alcune delle quali sono state donate allo stato e sono ora conservate nel Museo delle Collezioni Imperiali.

Architettura e GardenEdit

Giardino di Murin-un, progettata da Jihei Ogawa nel 1894-1898

all’inizio del 20 ° secolo, Europeo forme d’arte sono stati ben introdotto e il loro matrimonio è prodotta edifici di pregio come la Stazione Ferroviaria di Tokyo e il Palazzo della Dieta Nazionale che esistono ancora oggi. Stazione di Tokyo, un edificio di architettura Giyōfū, pieno di mattoni e stile pseudo-europeo. Questo stile di costruzione è stato costruito nelle aree urbane.

Molti nuovi giardini giapponesi artistici sono stati costruiti da Jihei Ogawa.

PaintingEdit

Signor Kume , da Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan

La prima risposta del Giapponese e Occidentale forme d’arte è stata a cuore aperto di accettazione, e, nel 1876, l’Arte Tecnologica della Scuola(ja:工部美術学校) è stato aperto, impiegando istruttori italiani per insegnare metodi occidentali. La seconda risposta fu un’oscillazione del pendolo nella direzione opposta guidata da Okakura Kakuzō e dall’americano Ernest Fenollosa, che incoraggiarono gli artisti giapponesi a mantenere temi e tecniche tradizionali creando opere più in linea con il gusto contemporaneo. Questa fu una strategia che alla fine servì ad estendere l’influenza dell’arte giapponese fino a Calcutta, Londra e Boston negli anni che precedettero la prima guerra mondiale. Da questi due poli della teoria artistica-derivati rispettivamente dall’Europa e dall’Asia orientale-si sono sviluppati yōga (“pittura di stile occidentale”) e Nihonga (“pittura giapponese”), categorie che hanno mantenuto la moneta.

Smalti

Vaso a fiori e uccelli, di Namikawa Yasuyuki

Durante l’era Meiji, lo smalto cloisonné giapponese raggiunse un picco tecnico, producendo articoli più avanzati che alcuno che era esistito prima. Il periodo dal 1890 al 1910 era conosciuto come “l’età dell’oro” degli smalti giapponesi. Gli artisti sperimentarono con le paste e con il processo di cottura per produrre blocchi di smalto sempre più grandi, con meno bisogno di cloisons (che racchiudono strisce di metallo). Così gli smalti divennero un mezzo più pittorico, con disegni simili a, o copiati da, dipinti tradizionali. Gli smalti con un design unico in Giappone, in cui fiori, uccelli e insetti venivano usati come temi, divennero popolari. In particolare, le opere di Namikawa Yasuyuki e Namikawa Sōsuke sono state esposte alle fiere mondiali e hanno vinto molti premi. Insieme ai due Namikawa, l’azienda Ando Cloisonné ha prodotto molti cloisonne di alta qualità. Gli smalti giapponesi erano considerati ineguagliabili grazie alle nuove conquiste nel design e nella colorazione.

LacquerwareEdit

Maki-e Fuji Tagonoura, Shibata Zeshin, 1872

Il periodo Meiji ha visto un rinnovato interesse in lacca come artisti hanno sviluppato nuovi progetti e sperimentato nuove texture e finiture. Maki-e (decorare la lacca in polvere d’oro o d’argento) era la tecnica più comune per la laccatura di qualità in questo periodo. Shibata Zeshin era un lacquerer che ha guadagnato un’alta reputazione per le sue opere dal Bakumatsu al periodo Meiji. Lacquerware chiamato Shibayama e Somada, creato nel periodo Edo, è diventato popolare per il suo stile appariscente, intarsiato con oro, argento, crostacei, avorio, e metallo colorato e vetro, e ha raggiunto il suo picco durante questo periodo. Lacca da laboratori giapponesi è stato riconosciuto come tecnicamente superiore a quello che potrebbe essere prodotto in qualsiasi altra parte del mondo.

MetalworkEdit

Koro, argento decorate con metalli preziosi e cristallo di rocca, 1890

All’inizio del periodo Meiji, il Giapponese, l’oreficeria è stato quasi del tutto sconosciuta al di fuori del paese, a differenza di lacca e porcellana, che era stato precedentemente esportato. La lavorazione dei metalli era collegata alla pratica buddista, ad esempio nell’uso del bronzo per campane del tempio e calderoni di incenso, quindi c’erano meno opportunità per i lavoratori dei metalli una volta che il buddismo fu spostato come religione di stato. Le mostre internazionali hanno portato il bronzo fuso giapponese a un nuovo pubblico straniero, attirando forti elogi. La storia passata delle armi samurai equipaggiò i metalmeccanici giapponesi per creare finiture metalliche in una vasta gamma di colori. Combinando e rifinendo rame, argento e oro in proporzioni diverse, hanno creato leghe specializzate tra cui shakudō e shibuichi. Con questa varietà di leghe e finiture, un artista potrebbe dare l’impressione di una decorazione a colori.

Porcellana e EarthenwareEdit

ciotola da Yabu Meizan, intorno al 1910

Tecniche e innovazioni artistiche dell’epoca Meiji trasformato in porcellana in uno dei più rinomati a livello internazionale successo decorative Giapponesi forme d’arte. Satsuma ware era un nome originariamente dato alla ceramica dalla provincia di Satsuma, riccamente decorato con oro e smalto. Queste merci sono state molto lodate in Occidente. Visto in Occidente come tipicamente giapponese, questo stile in realtà doveva molto ai pigmenti importati e alle influenze occidentali, ed era stato creato pensando all’esportazione. Laboratori in molte città hanno corso per produrre questo stile per soddisfare la domanda da Europa e America, spesso producendo in modo rapido ed economico. Quindi il termine “Satsuma ware” venne ad essere associato non a un luogo di origine, ma a articoli di qualità inferiore creati esclusivamente per l’esportazione. Nonostante questo, artisti come Yabu Meizan e Makuzu Kōzan hanno mantenuto i più alti standard artistici, esportando con successo. Dal 1876 al 1913, Kōzan vinse premi in 51 mostre, tra cui l’Esposizione Universale e l’Esposizione Nazionale Industriale.

TextilesEdit

Un immaginario composito vista del Giappone: seta tessile opere d’arte

Il 1902 edizione dell’Enciclopedia Britannica scritto, “In nessun ramo di arte applicata, il genius decorativo del Giappone dimostrano più attraente risultati rispetto a quella dei tessuti, e in nessuno c’è stato più cospicuo progresso negli ultimi anni.”A Kyoto venivano prodotte opere pittoriche molto grandi e colorate. Il ricamo era diventato una forma d’arte a sé stante, adottando una serie di tecniche pittoriche come il chiaroscuro e la prospettiva aerea.

L’arte del dopoguerra

Immediatamente dopo la sconfitta del Giappone nella seconda guerra mondiale nel 1945, un gran numero di artisti giapponesi cadde sotto l’influenza del Partito Comunista giapponese, o addirittura si unì, che era stato appena legalizzato dagli Stati Uniti.- ha portato l’occupazione militare del Giappone dopo molti anni di soppressione da parte della polizia giapponese prebellica e in tempo di guerra. Questo aveva a che fare con il successo del Partito comunista aveva nel vendere la nozione nei primi anni del dopoguerra che il partito era stato l’unico gruppo in Giappone ad aver resistito militarismo in tempo di guerra. Inoltre, la parola giapponese per ” avanguardia “(前衛, zen’ei), come in” avanguardia della rivoluzione comunista”, sembra essere la stessa parola usata per” avanguardia ” come nelle avanguardie artistiche. Il Giappone Partito Comunista presto è venuto a dominare le principali associazioni artistiche e mostre in Giappone, e di conseguenza la forma predominante di arte nell’immediato dopoguerra è stato il realismo socialista che raffigurava la sofferenza dei poveri e la nobiltà della classe operaia, in linea con il Partito Comunista dottrina che tutta l’arte dovrebbe servire allo scopo di promuovere la causa della rivoluzione. Nel 1952, il Partito comunista ordinò persino ad artisti come Hiroshi Katsuragawa e altri membri della neonata Associazione d’arte d’Avanguardia (前衛美術会, Zen’ei Bijutsukai nelle montagne per produrre arte realista socialista a sostegno delle “squadre di guerriglia di montagna” che stavano tentando di fomentare una violenta rivoluzione in Giappone.

The 1950s: Struggling to break free of socialist realismOdit

Nel corso degli anni 1950, molti artisti giapponesi divennero sempre più disillusi dalla definizione rigida e limitata di “arte” imposta dal Partito comunista. Tuttavia, a causa della continua preminenza dei membri del Partito comunista e dei sostenitori nei ranghi più alti delle società artistiche e delle giurie espositive, gli artisti hanno trovato estremamente difficile mostrare la loro arte a meno che non siano conformi alle linee guida del Partito. Alcuni artisti evitato da mostre pubbliche formali. Altri hanno cercato il riconoscimento, il sostegno finanziario e l’opportunità di mostrare la loro arte all’estero, come il gruppo Gutai di artisti concettuali, fondato nel 1954. Ancora altri artisti hanno fatto uso delle poche mostre “indipendenti” in Giappone, come la Yomiuri Independent Exhibition sponsorizzata dallo Yomiuri Shinbun, a cui chiunque poteva partecipare.

Un’ultima goccia arrivò con le massicce proteste dell’Anpo del 1960 contro il Trattato di sicurezza USA-Giappone (noto come “Anpo” in giapponese”) per il ruolo estremamente passivo svolto dal presunto Partito comunista “avanguardia”. Quando le proteste non riuscirono a fermare il trattato, un giro di recriminazioni portò a un’ulteriore disillusione con il Partito comunista e l’arte realista socialista, causando molti altri artisti a staccarsi dall’influenza del Partito.

The 1960s: An explosion of new genresEdit

Con il predominio del realismo socialista dissolvenza, 1960s assistito a un’esplosione di nuove forme d’arte in Giappone, come le arti espanse in nuove direzioni che potrebbero meglio essere definiti “postmoderno.”Collettivi di artisti come Neo-Dada Organizers, Zero Dimension e Hi-Red Center hanno esplorato concetti come “non-art” e “anti-art” e hanno condotto una varietà di audaci “eventi”, “happening” e altre forme di performance art progettate per erodere i confini tra arte e vita quotidiana. Il gruppo Mono-ha ha spinto allo stesso modo i confini che dividono l’arte, lo spazio, il paesaggio e l’ambiente. Altri artisti, come il graphic designer Tadanori Yokoo, hanno tratto ispirazione dalla controcultura degli anni ‘ 60 e dall’esplosione di nuove forme di fumetti manga orientati agli adulti. Nelle arti dello spettacolo, Tatsumi Hijikata ha aperto la strada a una nuova forma di danza postmoderna chiamata Butoh, e drammaturghi come Jūrō Kara e Satō Makoto hanno creato lo stile Angura del teatro “underground” radicale. E in fotografia, fotografi come Daidō Moriyama hanno aperto la strada a una nuova scuola estremamente influente della fotografia del dopoguerra che enfatizzava la spontaneità rispetto alla composizione accuratamente messa in scena e celebrava le caratteristiche “are, bure, bokeh” (letteralmente “ruvido, sfocato, fuori fuoco”).

La proliferazione di nuovi tipi di arte è stata sostenuta dalla tremenda crescita dell’economia giapponese negli anni ‘ 60, ricordata come il “miracolo economico giapponese.”Nel corso degli 1960, l’economia giapponese è cresciuta di oltre il 10% all’anno. L’aumento della ricchezza ha creato una nuova classe di consumatori che potevano permettersi di spendere soldi per l’arte e sostenere diversi tipi di arte e artisti. Per la prima volta nella storia moderna del Giappone, è diventato possibile per un numero significativo di artisti di guadagnarsi da vivere esclusivamente attraverso la vendita della loro arte. Il boom edilizio del 1960 in Giappone, che livellò la vecchia architettura tradizionale giapponese in legno e carta e la sostituì con scintillanti mega-città di vetro e acciaio, contribuì a ispirare nuove scuole di architettura giapponese, come il movimento Metabolism (architettura) guidato da Kenzō Tange, che si liberò coraggiosamente dai modelli convenzionali e si dimostrò influente in tutto il mondo.

Allo stesso tempo, tuttavia, il mondo dell’arte rimase dominato da cricche che promuovevano le opere di alcuni artisti (di solito maschi) rispetto ad altri. Come è diventato molto più facile per i giapponesi di viaggiare all’estero nel 1960, alcune artiste femminili come Yayoi Kusama e Yoko Y trovato una migliore accoglienza all’estero, e decamped per centri artistici come Londra, Parigi, e New York, come ha fatto molti artisti di sesso maschile pure.

Il trionfo delle nuove forme dell’arte giapponese si cementò all’Osaka World’s Fair del 1970, dove decine di artisti d’avanguardia e concettuali furono assunti per progettare padiglioni ed esperienze artistiche per i frequentatori della fiera. L’arte d’avanguardia giapponese era diventata globale, ed era diventata qualcosa che anche il governo conservatore era orgoglioso di mostrare al mondo.

Gli anni 1970 e 1980: Cavalcando la bolla economicamodifica

Gli anni 1970 e 1980 hanno visto l’arte giapponese continuare in molte delle direzioni iniziate negli anni 1950 e 1960, ma spesso con budget molto più grandi e materiali più costosi. Mentre l’economia del Giappone continuava a espandersi rapidamente, e alla fine crebbe in una delle più grandi bolle economiche della storia. Con la moneta giapponese che divenne incredibilmente forte sulla scia dell’accordo Plaza del 1985, gli individui e le istituzioni giapponesi divennero importanti attori nel mercato internazionale dell’arte. Le mega-corporazioni giapponesi straordinariamente ricche iniziarono a costruire i propri musei d’arte privati e ad acquisire collezioni di arte moderna e contemporanea, e anche gli artisti giapponesi beneficiarono notevolmente di queste spese.

In particolare, la produzione artistica ha continuato ad allontanarsi dalla pittura e dalla scultura tradizionali verso la progettazione grafica, la pop art, l’arte indossabile, la performance art, l’arte concettuale e l’arte dell’installazione. Vari tipi di arte “ibrida” entrarono sempre più in voga. Con l’avanzare della tecnologia, gli artisti incorporarono sempre più elettronica, video, computer, musica e suoni sintetizzati e videogiochi nella loro arte. L’estetica dei manga e degli anime, in cui tanti artisti più giovani erano cresciuti immersi, esercitava un’influenza crescente, anche se a volte piuttosto sottile. Soprattutto, gli artisti evitavano qualsiasi cosa che ricordasse “arte alta” o “arte fine” a favore del personale, dell’eclettico, del fantastico o fantasmagorico e del giocoso. In edizione, artisti femminili come Mika Yoshizawa è diventato sempre più accettato e sostenuto dal mondo dell’arte in Giappone.

L’arte contemporanea in giapponeedit

L’arte contemporanea giapponese prende tante forme ed esprime tante idee diverse come l’arte contemporanea mondiale in generale. Si va dalla pubblicità, anime, videogiochi e architettura come già accennato, alla scultura, alla pittura e al disegno in tutte le loro miriadi di forme. Gli artisti giapponesi hanno dato contributi particolarmente notevoli all’arte contemporanea globale nei campi dell’architettura, dei videogiochi, del graphic design, della moda e forse soprattutto dell’animazione. Mentre anime in un primo momento sono stati derivati principalmente da storie manga, anime diversi abbonda oggi, e molti artisti e studi sono saliti a grande fama come artisti; Hayao Miyazaki e gli artisti e gli animatori dello Studio Ghibli sono generalmente considerati tra i migliori che il mondo degli anime abbia da offrire.

Allo stesso tempo, molti artisti giapponesi continuano a utilizzare tecniche e materiali artistici tradizionali giapponesi ereditati dai tempi premoderni, come le forme tradizionali di carta e ceramica giapponesi e la pittura con inchiostro nero e a colori su carta o seta. Alcune di queste opere raffigurano soggetti tradizionali in stili tradizionali, mentre altri esplorano motivi e stili nuovi e diversi, o creano ibridi di forme d’arte tradizionali e contemporanee, utilizzando media o materiali tradizionali. Altri ancora evitano i media e gli stili nativi, abbracciando i colori ad olio occidentali o qualsiasi numero di altre forme.

Nella scultura, lo stesso vale; alcuni artisti si attengono alle modalità tradizionali, alcuni lo fanno con un tocco moderno, e alcuni scelgono modalità, stili e media occidentali o nuovi di zecca. Yo Akiyama è solo uno dei tanti scultori giapponesi moderni. Lavora principalmente in ceramica e ceramica, creando opere molto semplici e dirette, che sembrano create dalla terra stessa. Un altro scultore, usando ferro e altri materiali moderni, costruì una grande scultura d’arte moderna nella città portuale israeliana di Haifa, chiamata Hanabi (Fuochi d’artificio). Nahoko Kojima è un artista Kirie contemporaneo che ha aperto la strada alla tecnica della scultura tagliata in carta che pende in 3D.

Takashi Murakami è probabilmente uno degli artisti giapponesi moderni più noti nel mondo occidentale. Murakami e gli altri artisti nel suo studio creano pezzi in uno stile, ispirato agli anime, che ha soprannominato “superflat”. I suoi pezzi assumono una moltitudine di forme, dalla pittura alla scultura, alcune veramente massicce. Ma la maggior parte se non tutti mostrano molto chiaramente questa influenza anime, utilizzando colori vivaci e dettagli semplificati.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano e Tabaimo sono considerati artisti significativi nel campo dell’arte giapponese contemporanea. Il Gruppo 1965, collettivo di artisti, annovera tra i suoi membri l’artista contemporaneo Makoto Aida.