Ryōan-ji Karesansui, Kyoto

festmény: A Zen-templomok által szervezett világi vállalkozásoknak és kínai kereskedelmi misszióknak köszönhetően számos kínai festményt és művészeti tárgyat importáltak Japánba, és mélységesen befolyásolták a Zen-templomokban és a sógunátusban dolgozó Japán művészeket. Ezek az importok nemcsak megváltoztatták a festészet tárgyát, hanem módosították a szín használatát is; a Yamato-e élénk színei a kínai festészet monokrómjaihoz vezettek, ahol a festményeknek általában csak fekete-fehér vagy különböző színű tónusai vannak.

jellemző a korai Muromachi festmény ábrázolása a pap-festő Kao (aktív 15. század elején) a legendás szerzetes Kensu (Hsien-tzu Kínai) abban a pillanatban, amikor elérte a megvilágosodást. Ez a fajta festmény gyors ecsetvonásokkal és minimális részletességgel készült. Harcsa fogása Tökövel (15. század elején, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), Josetsu pap-festő (aktív c.1400), fordulópontot jelent a Muromachi festészetben. Eredetileg alacsony állású képernyőre készült, a fenti kortárs figurák felirataival ellátott lógó tekercsként újraszámolták, amelyek közül az egyik a festményt “új stílusnak”nevezi. Az előtérben egy embert ábrázolnak egy kis tököt tartó patak partján, egy nagy csúszós harcsára nézve. A köd kitölti a középső talajt, a háttér-hegyek pedig messze vannak a távolban. Általában azt feltételezik, hogy a festmény” új stílusa”, amelyet 1413 körül hajtottak végre, a kép síkján belüli mélyebb tér Kínai érzésére utal.

a Muromacsi korszak legjelentősebb művészei shūbun és Sesshū papfestők. Shūbun, a shōkoku-ji Kiotói templomának szerzetese, a bambusz Ligetben olvasva (1446) festményben reális tájat hozott létre, mély recesszióval az űrbe. Sesshū, ellentétben a korszak legtöbb művészével, képes volt Kínába utazni, és a forrásánál Kínai festészetet tanulni. A négy évszak tájképe (Sansui Chokan; c. 1486) Sesshu egyik legkiválóbb műve, amely a négy évszak folyamatos tájképét ábrázolja.

Azuchi-Momoyama artEdit

Himeji vár, épült 1580-1609

Cypress Trees Byōbu, összecsukható képernyő Kanō Eitoku, 1590

festés: a Momoyama korszak legfontosabb festészeti iskolája a Kanō iskola volt a korszak legnagyobb újítása a Kanō Eitoku által kifejlesztett formula volt, amely monumentális tájképeket hozott létre a szobát körülvevő tolóajtókon. A fő szoba díszítése a Jukō-in kertjével szemben, a Daitoku-ji (a Kiotói Zen templom) altemploma, talán az Eitoku munkájának legjobb példája. Egy hatalmas ume fa twin pines látható pár csúszó képernyők átlósan ellentétes sarkok, a fatörzsek, megismételve a függőlegesek, a sarokban hozzászólások, valamint az ágak kiterjesztése jobbra-balra, egyesítő a szomszédos panelek. Eitoku képernyője, a kínai oroszlánok, szintén Kiotóban, feltárja a szamuráj által kedvelt merész, élénk színű festési stílust.

Hasegawa Tōhaku, az Eitoku kortársa, kissé más és dekoratívabb stílust fejlesztett ki a nagyméretű vászonfestményekhez. Juharképernyőjében (楓図), most a Kiotói Chishaku-in (ja:智積院) templomában a fa törzsét a középpontba helyezte, és a végtagokat közel a kompozíció széléhez terjesztette, laposabb, kevésbé architektonikus munkát hozva létre, mint az Eitoku, de vizuálisan gyönyörű festmény. Hatszoros képernyője, a fenyőfa (松林図), egy monokróm tintával, egy ködbe burkolt fák ligetével.

az Edo-korszak Művészeteszerkesztés

Szélisten és mennydörgés Isten, Tawaraya Sōtatsu, 17.század

hirtelen zuhany az atake-hídnál, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e és Nanga (Bunjinga demimonde, a kabuki színház és az örömpark világa. Az Ukiyo-e nyomatokat a 17.század végén kezdték el előállítani; 1765-ben Harunobu készítette az első polikróm nyomtatást. A következő generáció nyomdai tervezői, köztük Torii Kiyonaga és Utamaro, elegáns, néha éleslátó ábrázolásokat készítettek a kurtizánokról.

a 19. században a domináns alakok Hokusai és Hirosige voltak, utóbbi a romantikus és kissé szentimentális tájképek alkotója. A furcsa szögben, majd formák, amelyen keresztül Hiroshige gyakran megtekintett táj, a munka Kiyonaga, valamint Utamaro, a hangsúlyt lapos sík, erős lineáris felvázolja, volt nagy hatással az ilyen Nyugati művészek, mint Edgar Degas Vincent van Gogh. A nyugati múzeumokban őrzött műalkotásokon keresztül ugyanezek a nyomdászok később erőteljes hatást gyakoroltak a korai modernista költők, például Ezra Pound, Richard Aldington és H. D. által használt képekre és esztétikai megközelítésekre.

az ukiyo-e-vel kortárs festészeti iskola nanga volt, vagy bunjinga, a kínai tudós-festők által készített festményeken alapuló stílus. Ahogy az ukiyo-e művészek úgy döntöttek, hogy a Tokugawa shogunate szűkületein kívüli élet alakjait ábrázolják, a bunjin művészek a kínai kultúrához fordultak. Ennek a stílusnak a példái: Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden és Yamamoto Baiitsu (ja :本本梅逸).

kerámia

főcikkek: A japán kerámia, illetve porcelán, Japán export porcelán

a Hagyományos, többnyire kőből, stílus továbbra is sok részén Japán, de a Japán kerámiák voltak átalakult körül kezdődik az Edo-kor, a nagy beáramló koreai fazekasok, elfogott vagy győzni, hogy emigrálni során a Japán megszállás, a Koreai, az 1590-es. Sok ilyen volt rendezni a sziget déli részén, a Kyushu, majd magukkal hozták tapasztalat változatai a Kínai stílusú kamrás hegymászás kemence, az úgynevezett noborigama Japánban, amely lehetővé tette a magas hőmérséklet pontosabb irányítást. 1620 körül felfedezték a kaolinit lerakódásait, és először kezdtek porcelánt készíteni Japánban. A korai árucikkek (az úgynevezett” korai Imari”) viszonylag kicsik voltak, és utánozták a kínai kék-fehér porcelánt, amelyet Japán egy ideje importált.

a porcelánipar nagymértékben bővült az 1650-es évek végén, mivel a kínai ipar polgárháborúból való összeomlása a kínai kereskedők és a Holland Kelet-indiai Társaság nagyon nagy megrendeléseihez vezetett, addigra a kereskedők csak Japánban engedélyezték üzleti tevékenységüket. A japán export porcelán első nagy korszaka az 1740-es évekig tartott, a japán porcelán nagy részét exportra készítették, főleg Európába, de az iszlám világot is japán nyugati és déli részébe.

• Ko-Kutani (old Kutani) Öt színben Iroe type sake ewer a madár és virág design a túlvilágított zománc, Edo időszak, 17. század

• Ko-Imari dish, 1700-1740

:

Főcikk: Japán lakkáru

a gazdaság és a kultúra fejlődésével javult a lakkozott bútorok művészi minősége. Hon ‘ ami Kōetsu és Ogata Kōrin a Rinpa festészeti iskola terveit lakkozószerszámba vitték. Az Edo-korszak közepe után az inrō hordozható gyógyászati konténereket Maki-e-vel és radennel díszítették, és népszerűvé vált a szamurájok és a gazdag kereskedők körében a chōnin osztályban, az Edo-korszak végén pedig a gyakorlati kiegészítőkről a művészeti gyűjteményekre változott. Az Azuchi-Momoyama időszak után folytatódott a lakkozószerek exportja. Marie Antoinette és Mária Terézia ebben az időszakban a japán lakkkészletek gyűjtői.

• Inro és Netsuke, 18.század

A háború előtti időszak Művészeteszerkesztés

amikor a japán császár 1868-ban visszanyerte az uralkodó hatalmat, Japánt ismét megszállták a kultúra új és idegen formái. A háború előtti időszakban a nyugati kulturális értékek bevezetése kettősséget eredményezett a japán művészetben, valamint a kultúra szinte minden más aspektusában, a hagyományos értékek és a különféle új ötletek másolására és asszimilálására tett kísérletek között. Ez a felosztás a 20. század végén is nyilvánvaló maradt, bár addigra már sok szintézis történt, nemzetközi kulturális légkört teremtett, és a kortárs japán művészetet egyre innovatívabb formák felé ösztönözte.

A kormány felkeltette az érdeklődésemet, az art export piac, elősegítve a Japán művészet egy öröklési a világ vásárok, kezdve az 1873-ban a Bécsi világkiállításon.Valamint erősen finanszírozás a vásárok, a kormány aktív szerepet megszervezése, hogy a Japán kultúra mutatták be a világ. Létrehozott egy félig nyilvános céget-a Kiritsu Kosho Kaisha (első ipari gyártó cég) -, hogy elősegítse és kereskedelmi forgalomba hozza a művészet exportját, és létrehozta a hakurankai Jimukyoku-t (kiállítási Iroda) a minőségi szabványok fenntartása érdekében. Az 1876-os philadelphiai Centenáriumi nemzetközi kiállításra a japán kormány Centenáriumi irodát hozott létre, és küldött egy különmegbízottat, hogy helyet biztosítson a kiállítandó 30 000 tárgynak. A császári háztartás aktív érdeklődést mutatott a kézművesség iránt is, a külföldi méltóságok ajándékaként üzembe helyezte a műveket (“bemutatóáruk”). 1890-ben létrehozták a Teishitsu Gigeiin (a császári háztartás művésze) rendszert, hogy elismerjék a kiváló művészeket; hetvenet 1890-től 1944-ig neveztek ki. Ezek között volt Shibata Zeshin festőművész, makuzu Kōzan kerámiaművész, Hashimoto gahō festőművész, valamint Namikawa Yasuyuki cloisonné zománcművész.

ahogy a nyugati import népszerűvé vált, a japán művészet iránti kereslet maga Japánban csökkent. Európában és Amerikában a japán művészet új elérhetősége lenyűgözte a japán kultúrát; Európában japonisme néven ismert őrület. Imperial mecenatúra, kormányzati szponzorálás, promóció az új közönség, valamint a nyugati technológia együtt, hogy elősegítse egy korszak Japán Művészeti innováció. A díszítőművészetben a japán művészek elérték a technikai kifinomultság új szintjét.

ma a Masayuki Murata több mint 10 000 Meiji művészeti alkotással rendelkezik,és az egyik leglelkesebb gyűjtő. Ettől kezdve a Meiji művészet kiváló alkotásainak nagy részét külföldi gyűjtők vásárolták meg, és csak néhány maradt Japánban, hanem azért, mert sok külföldi művet vásárolt vissza, és megnyitotta a Kiyomizu Sannenzaka Múzeumot, a Meiji művészet tanulmányozását és újraértékelését Japánban a 21.század után gyorsan előrehaladt. Nasser Khalili a Meiji művészet egyik legelkötelezettebb Gyűjtője is, gyűjteménye a Meiji művészet számos kategóriáját öleli fel. A Japán Császári család a Meiji Art kiváló alkotásait is birtokolja, amelyek közül néhányat az államnak adományoztak, most pedig a császári gyűjtemények Múzeumában tárolják.

Építészet GardenEdit

Kert Murin-egy tervezte Tudjuk Ogawa a 1894-1898

a 20. század elején, Európai művészeti formák voltak, jól bevezetett, valamint a házasság előállított nevezetes épületek, mint a Tokiói vasútállomás, valamint a Nemzeti Diéta Épület, amely még ma is létezik. Tokyo Station, egy épület Giyōfū építészet, tele téglákkal és ál-európai stílusban. Ez az épület stílusa városi területeken épült.

számos művészeti új japán kertet épített Jihei Ogawa.

Mr Kume , Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan

a japánok első reakciója a nyugati művészeti formákra nyílt fogadtatás volt, 1876-ban pedig a technológiai Művészeti Iskola(ja:工部美術学学校) nyitották meg, Olasz oktatókat alkalmazva a nyugati módszerek tanítására. A második válasz egy inga lengése volt az ellenkező irányba, amelyet Okakura Kakuzō és az amerikai Ernest Fenollosa vezetett, aki arra ösztönözte a japán művészeket, hogy megőrizzék a hagyományos témákat és technikákat, miközben a kortárs ízlésnek megfelelő alkotásokat hoztak létre. Ez a stratégia végül a japán művészet befolyásának kiterjesztését szolgálta Kalkuttáig, Londonig és Bostonig az első világháborúig vezető években. A művészettörténet e két pólusa közül-Európából, illetve Kelet-Ázsiából származtatva-a yōga (“nyugati stílusú festészet”) és a Nihonga (“japán festészet”) kategóriákat fejlesztették ki, amelyek pénznemet tartottak fenn.

EnamelsEdit

Virág, madár mintás váza, amelyet Namikawa Yasuyuki

Alatt a Meiji korszak, Japán cloisonné zománc elérte a technikai csúcs, termelő elemek fejlettebb, mint bármely létező előtt. Az 1890-től 1910-ig tartó időszakot a japán zománcok “aranykorának” nevezték. A művészek kísérleteztek a pasztákkal és a tüzelési folyamattal, hogy egyre nagyobb zománcblokkokat állítsanak elő, kevesebb szükség van a kloisonokra (fémcsíkok körülzárása). Így a zománcok képi közeggé váltak, a hagyományos festményekhez hasonló vagy másolt mintákkal. A Japánra jellemző zománcok, amelyekben virágokat, madarakat és rovarokat használtak témaként, népszerűvé váltak. Különösen Namikawa Yasuyuki és Namikawa Sōsuke alkotásait állították ki a világkiállításokon, és számos díjat nyertek. A két Namikawa mellett az Ando Cloisonné cég számos kiváló minőségű cloisonnet gyártott. A japán zománcokat a tervezés és a színezés terén elért új eredményeknek köszönhetően egyenlőtlennek tekintették.

LacquerwareEdit

Maki-e Fuji Tagonoura, Shibata Zeshin, 1872

A Meiji korszak láttam az érdeklődést a lakkozás, mint a művészek kifejlesztett új minta kísérletezett új textúrák, majd befejezi. A Maki-e (a lakkot arany vagy ezüst porral díszítve) a leggyakoribb technika a minőségi lakkozáshoz ebben az időszakban. Shibata Zeshin lakkozott, aki nagy hírnevet szerzett munkáiról a Bakumatsu-tól a Meiji-korszakig. Lacquerware úgynevezett Shibayama, valamint Somada, létre az Edo korszakban lett népszerű a mutatós stílus, berakásos arany -, ezüst -, kagyló -, elefántcsont -, illetve színes fém, az üveg, s elérte csúcspontját ebben az időszakban. A japán műhelyekből származó lakkot technikailag jobbnak ismerték el, mint amit a világ bármely más részén el lehet készíteni.

MetalworkEdit

Koro, ezüst, díszített nemesfémek, illetve hegyikristály, 1890

elején a Meiji korszak, Japán ötvösmunka volt, szinte teljesen ismeretlen az országon kívül, ellentétben a lakkozás, majd a porcelán, amely korábban exportált. A metalwork a buddhista gyakorlathoz kapcsolódott, például a templomi harangok és füstölő üstök bronzjának használatában, így kevesebb lehetőség volt a fémmunkások számára, miután a buddhizmust államvallásként kiszorították. A nemzetközi kiállítások Japán öntött bronzot hoztak egy új külföldi közönségnek, erős dicséretet vonzva. A szamuráj fegyverek múltja felszerelt Japán fémmunkásokat, hogy széles színválasztékban fémes felületeket hozzanak létre. A réz, ezüst és arany különböző arányú ötvözésével és kikészítésével speciális ötvözeteket hoztak létre, köztük shakudót és shibuichit. Ezzel a különböző ötvözetek és felületek, egy művész azt a benyomást keltheti, színes dekoráció.

1910

a Meiji korszak technikai és művészeti újításai a porcelánt az egyik nemzetközileg legsikeresebb japán díszítőművészeti formává változtatták. Satsuma ware volt a neve eredetileg adott kerámia Satsuma tartomány, gondosan díszített aranyozott, zománc. Ezeket a termékeket Nyugaton nagyra dicsérték. Nyugaton kifejezetten Japánnak tekintik, ez a stílus valójában sokat köszönhet az importált pigmenteknek és a nyugati hatásoknak, és exportot szem előtt tartva jött létre. Műhelyek sok városban versenyeztek, hogy ezt a stílust, hogy kielégítse a kereslet Európa és Amerika, gyakran termelő gyorsan és olcsón. Tehát a “Satsuma ware” kifejezés nem a származási helyhez, hanem a tisztán exportra létrehozott alacsonyabb minőségű árukhoz kapcsolódott. Ennek ellenére az olyan művészek, mint Yabu Meizan és Makuzu Kōzan fenntartották a legmagasabb művészi színvonalat, miközben sikeresen exportáltak is. 1876-tól 1913-ig Kōzan 51 kiállításon nyert díjakat, köztük a világkiállításon és a nemzeti ipari kiállításon.

TextilesEdit

kompozit képzeletbeli kilátás Japán: selyem, textil, grafika

A kiadás, 1902 véletlenül fizettem Britannica írta, “A semmi ága alkalmazott művészet a dekoratív zseni Japán összes vonzó eredmények, mint a szövet, s nem volt még feltűnő fejlődést az elmúlt évek során.”Nagyon nagy, színes képi művek készültek Kiotóban. A hímzés önálló művészeti formává vált, számos képi technikát alkalmazva, mint például a chiaroscuro és a légi perspektíva.

a háború utáni időszak Művészeteszerkesztés

közvetlenül Japán második világháborús vereségét követően 1945-ben, a japán művészek nagy száma a japán kommunista párt befolyása alá került, vagy akár csatlakozott, amelyet éppen az Egyesült Államok legalizált.- vezette katonai megszállás Japán után sok éves elnyomása a háború előtti japán rendőrség. Ennek köze volt a Kommunista Párt sikeréhez abban, hogy a háború utáni évek elején a párt volt az egyetlen csoport Japánban, amely ellenállt a háborús militarizmusnak. Ezenkívül a “Vanguard” (前衛, zen ‘ I) japán szó, mint a “kommunista forradalom vanguardja”, ugyanaz a szó, amelyet az “avantgárd”-ra használnak, mint a művészi avantgárdban. A japán kommunista párt hamarosan uralta a Nagy Művészeti társadalmakat és kiállításokat Japánban, így a háború közvetlen utóhatásaként a művészet domináns formája a szocialista realizmus volt, amely a szegények szenvedését és a munkásosztály nemességét ábrázolta, összhangban a Kommunista Párt doktrínájával, miszerint minden művészetnek a forradalom okának előmozdításának célját kell szolgálnia. 1952-ben a Kommunista Párt még olyan művészeket is megparancsolt, mint Hiroshi Katsuragawa és az újonnan alakult avantgárd művészeti egyesület más tagjai (前会会, Zen ‘ I bijutsukai a hegyekbe, hogy szocialista realista művészetet hozzanak létre a “hegyi gerilla osztagok” támogatására, amelyek erőszakos forradalmat próbáltak elfojtani Japánban.

az 1950-es évek: az 1950-es évek folyamán számos japán művész egyre inkább kiábrándult a Kommunista Párt által erőltetett “művészet” merev és korlátozott definíciójából. Azonban a kommunista párt tagjainak és támogatóinak a művészeti társaságok és a kiállítási zsűri magas rangú soraiban való folyamatos előtérbe kerülése miatt a művészek rendkívül nehéznek találták művészetük bemutatását, hacsak nem felelnek meg a párt iránymutatásainak. Néhány művész elriadt a hivatalos nyilvános kiállításoktól. Mások elismerést, anyagi támogatást és lehetőséget kerestek művészetük külföldi bemutatására, mint például az 1954-ben alapított Gutai konceptuális művészek csoportja. Még mindig más művészek használják a kevés unjuried,” független ” kiállítások Japánban, mint például a Yomiuri független kiállítás által szponzorált Yomiuri Shinbun, amely bárki beléphet.

a végső szalma jött a hatalmas 1960 Anpo tiltakozások ellen az amerikai-Japán Biztonsági Szerződés (az úgynevezett “Anpo” Japán”) nem a rendkívül passzív szerepet játszott az állítólag “vanguard” Kommunista Párt. Amikor a tiltakozások nem sikerült megállítani a szerződés, egy kör felháborodását eredményezte, hogy további kiábrándultság, a Kommunista Párt szocialista realista művészet, ami még sok más művészek elszakadni a Párt befolyása.

Az 1960-as évek: robbanás az új genresEdit

a dominancia, a szocialista realizmus gyengült, az 1960-as évek tanúja volt egy robbanás az új művészeti formák Japánban, mint a művészetek bővült az új irányzat, ami talán a legjobb úgynevezett “posztmodern.”Művész kollektívák, például a Neo-Dada Szervezők, Nulla Dimenzió, valamint Hi-Piros Center feltárt fogalmak, mint a “nem-művészet”, illetve az “anti-művészet” folytatott a különböző merész “események” “történések,” más formái, performansz célja, hogy rontja a határok között, a művészet, mind a mindennapi életben. A Mono-ha csoport hasonlóan tolta a művészetet, a teret, a tájat és a környezetet elválasztó határokat. Más művészek, mint például tadanori Yokoo grafikus, inspirálták az 1960-as évek ellenkultúráját és a felnőtt-orientált manga képregények új formáinak robbanását. Az előadóművészetben a Tatsumi Hijikata úttörő szerepet játszott a Butoh nevű posztmodern tánc új formájában, és olyan drámaírók, mint Jūrō Kara és Satō Makoto létrehozták a radikális “underground” Színház Angura stílusát. Pedig a fotózás, fotós, mint Daidō Moriyama elsőként egy rendkívül befolyásos új iskola a háború utáni fotózás hangsúlyozta, hogy spontaneitás át gondosan megrendezett összetétel ünnepelte a jellemzők “vannak, lakosság, bokeh” (szó szerint “kemény, homályos, életlen”).

az új művészeti típusok elterjedését támogatta a japán gazdaság óriási növekedése az 1960-as években, amelyet “Japán gazdasági csodának” neveztek.”Az 1960-as évek folyamán a japán gazdaság évente több mint 10% – kal nőtt. A növekvő gazdagság új fogyasztói osztályt hozott létre, akik megengedhetik maguknak, hogy pénzt költsenek a művészetre, és támogassák a különböző típusú művészeteket és művészeket. Ez az első alkalom a japán modern történelem, vált életképes jelentős számú művészek, hogy a megélhetési pusztán értékesítési művészetük. Az 1960-as években építési boom Japánban, ami elhangzott a régi fa-meg-papír hagyományos Japán építészet helyett csillogó mega-városok, üveg, acél, segített inspirálja új iskolák a Japán építészet, mint például az Anyagcsere (építészet) mozgalom által vezetett Kenzō Tange, hogy bátran kiszabadult a hagyományos modellek bizonyult befolyásos szerte a világon.

ugyanakkor a művészeti világot továbbra is olyan klikkek uralták, amelyek bizonyos (általában férfi) művészek munkáit mások felett népszerűsítették. Mivel a japánok számára az 1960-as években sokkal könnyebbé vált a tengerentúli utazás, néhány női művész, például Yayoi Kusama és Yoko Ono jobb fogadást talált a tengerentúlon, és olyan művészeti központoknak, mint London, Párizs és New York, mint sok férfi művész is.

a japán művészet új formáinak diadalát az 1970-es oszakai Világkiállításon erősítették meg, ahol több tucat avantgárd és konceptuális művészt bíztak meg pavilonok és művészeti élmények tervezésével a tisztességes látogatók számára. A japán avantgárd művészet globálissá vált, és olyanná vált, amit még a konzervatív kormány is büszkén mutogatott a világnak.

az 1970-es és 1980-as évek: a gazdasági fellendülés lovaglása

Az 1970-es és 1980-as években a japán művészet az 1950-es és 1960-as években kezdődött számos irányban folytatódott, de gyakran sokkal nagyobb költségvetéssel és drágább anyagokkal. Ahogy Japán gazdasága folyamatosan bővült, végül a történelem egyik legnagyobb gazdasági buborékává nőtte ki magát. Mivel a japán fizetőeszköz az 1985-ös Plaza Accord nyomán hihetetlenül erőssé vált, a japán magánszemélyek és intézmények a nemzetközi művészeti piac meghatározó szereplőivé váltak. Rendkívül gazdag Japán mega-vállalatok kezdte építése saját művészeti múzeum, valamint megszerzése gyűjtemény modern, kortárs művészet, valamint a Japán művészek nagyban részesült ezek a kiadások is.

A különleges, művészi termelés továbbra is tendencia el a hagyományos festészet, szobrászat abba az irányba, grafikai tervezés, pop art, hordozható art, performance art, konceptuális művészet, a telepítési art. A “hibrid” művészet különböző típusai egyre inkább divatossá váltak. A technológia fejlődésével a művészek egyre inkább beépítették művészetükbe az elektronikát, a videót, a számítógépeket, a szintetizált zenét és hangokat, valamint a videojátékokat. A manga és az anime esztétikája, amelybe oly sok fiatalabb művész nőtt fel, egyre növekvő, néha meglehetősen finom befolyást gyakorolt. A művészek mindenekelőtt a “high art” vagy a “fine art” újradefiniálását választották a Személyes, az eklektikus, a fantasztikus vagy a fantasztikus, valamint a játékos javára. A kiadásban olyan női művészek, mint Mika Yoshizawa egyre inkább elfogadták és támogatták a japán művészeti világot.

kortárs művészet Japánbanszerkesztés

a japán kortárs művészet annyi formát ölt, és annyi különböző ötletet fejez ki, mint általában a világ kortárs művészete. Tól reklámok, anime, videó játékok, építészet, mint már említettük, hogy a szobrot, festményt, rajzot, a számtalan formája van. A japán művészek különösen figyelemre méltó hozzájárulást nyújtottak a globális kortárs művészethez az építészet, a videojátékok, a grafikai tervezés, A Divat, és talán mindenekelőtt az animáció területén. Míg anime eleinte származtak elsősorban manga történetek, változatos anime bővelkedik ma, és sok művész, stúdió emelkedett nagy hírnevet, mint művészek; Hayao Miyazaki, valamint a Studio Ghibli művészei és animátorai általában az anime világ legjobbjai közé tartoznak.

ugyanakkor sok japán művész továbbra is hagyományos japán művészeti technikákat és a premodern időkből örökölt anyagokat használ, mint például a japán papír és kerámia hagyományos formái, valamint a fekete és színes tintával történő festés papírra vagy selyemre. Ezek közül a művek közül néhány a hagyományos tárgyköröket ábrázolja a hagyományos stílusokban, míg mások új és különböző motívumokat és stílusokat fedeznek fel, vagy hagyományos és kortárs művészeti formák hibridjeit hozzák létre, miközben hagyományos médiát vagy anyagokat használnak. Mások mégis a natív médiát és stílusokat, a nyugati olajfestékeket vagy számos más formát ölelik fel.

a szobrászatban ugyanez igaz; egyes művészek ragaszkodnak a hagyományos módokhoz, mások modern hangulattal csinálják, mások nyugati vagy vadonatúj módokat, stílusokat és médiát választanak. Yo Akiyama csak egy a sok modern japán szobrász közül. Elsősorban agyagedényekben és kerámiákban dolgozik, nagyon egyszerű és egyszerű alkotásokat készít, úgy néz ki, mintha a földből jött volna létre. Egy másik szobrász vasból és más modern anyagokból épített egy nagy modern művészeti szobrot Haifa izraeli kikötővárosában, Hanabi (tűzijáték) néven. Nahoko Kojima egy kortárs Kirie művész, aki úttörő szerepet játszott a Papírvágott szobrászat technikájában, amely 3D-ben lóg.

Takashi Murakami vitathatatlanul az egyik legismertebb japán modern művész a nyugati világban. Murakami és a stúdió többi művésze anime ihletésű stílusban alkot darabokat, amelyeket “superflat” – nak nevezett el. Darabjai sokféle formát öltenek, a festéstől a szobrászatig, néhány igazán hatalmas méretben. De a legtöbb, ha nem minden azt mutatják, nagyon világosan ez anime hatása, kihasználva élénk színek, egyszerűsített részleteket.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano és Tabaimo jelentős művészeknek számítanak a kortárs japán művészet területén. Az 1965-ös csoport, a művészek kollektívája, tagjai közé sorolja Makoto Aida kortárs művészt.