desarrolloEditar
La primera experiencia de John Lasseter con la animación por computadora fue durante su trabajo como animador en Walt Disney Feature Animation, cuando dos de sus amigos le mostraron la escena del ciclo de luz de Tron. Fue una experiencia reveladora que despertó a Lasseter a las posibilidades que ofrecía el nuevo medio de animación generada por computadora. Lasseter intentó lanzar The Brave Little Toaster como una película animada por computadora para Disney, pero la idea fue rechazada y Lasseter fue despedido. Luego pasó a trabajar en Lucasfilm y en 1986, se convirtió en miembro fundador de Pixar. En 1986, Pixar fue comprada por entrepreneur y Apple Inc. cofundador Steve Jobs. En Pixar, Lasseter creó películas cortas animadas por computadora para mostrar las capacidades de la computadora de imágenes Pixar. En 1988, Lasseter produjo el cortometraje Tin Toy told from the perspective of a toy, haciendo referencia al amor de Lasseter por los juguetes clásicos. Ganó el Premio de la Academia de 1988 al Mejor Cortometraje de Animación, la primera película generada por computadora en hacerlo.
Toy de hojalata ganó la atención de Disney, y el nuevo equipo de The Walt Disney Company, el CEO Michael Eisner y el presidente Jeffrey Katzenberg de la división de cine, comenzaron una búsqueda para que Lasseter regresara. Lasseter, agradecido por la fe de Jobs en él, se sintió obligado a quedarse con Pixar, diciéndole al cofundador Ed Catmull: «Puedo ir a Disney y ser director, o puedo quedarme aquí y hacer historia. Katzenberg se dio cuenta de que no podía atraer a Lasseter de vuelta a Disney y, por lo tanto, puso en marcha planes para firmar un acuerdo de producción con Pixar para producir una película. Disney siempre había hecho todas sus películas en casa y se negó a cambiar esto. Pero cuando Tim Burton, que solía trabajar en Disney, quiso volver a comprar los derechos de Pesadilla antes de Navidad, Disney llegó a un acuerdo que le permitió hacerla como una película de Disney fuera del estudio. Esto abrió la puerta para que Pixar hiciera sus películas fuera de Disney.
Ambas partes estaban dispuestas. Catmull y su compañero cofundador de Pixar, Alvy Ray Smith, habían querido producir una película animada por computadora, pero solo a principios de la década de 1990 las computadoras eran lo suficientemente baratas y poderosas para hacer esto posible. Además, Disney había licenciado el Sistema de Producción de Animación por Computadora (CAPS) de Pixar, y eso lo convirtió en el mayor cliente para las computadoras de Pixar. Jobs le hizo evidente a Katzenberg que aunque Disney estaba contento con Pixar, no era al revés:» Queremos hacer una película contigo», dijo Jobs. «Eso nos haría felices.»Al mismo tiempo, Peter Schneider, presidente de Walt Disney Feature Animation, estaba potencialmente interesado en hacer un largometraje con Pixar. Cuando Catmull, Smith y el jefe de animación Ralph Guggenheim se reunieron con Schneider en el verano de 1990, encontraron que la atmósfera era desconcertante y polémica. Más tarde se enteraron de que Katzenberg tenía la intención de que si Disney hiciera una película con Pixar, estaría fuera del alcance de Schneider, lo que agravó a Schneider. Después de esa primera reunión, el contingente de Pixar se fue a casa con bajas expectativas y se sorprendió cuando Katzenberg convocó a otra conferencia. A Catmull, Smith y Guggenheim se unieron Bill Reeves (jefe de investigación y desarrollo de animación), Jobs y Lasseter. Trajeron con ellos una idea para un especial de televisión de media hora llamado Navidad de juguete de Hojalata. Razonaron que un programa de televisión sería una forma sensata de ganar experiencia antes de abordar un largometraje.
Se reunieron con Katzenberg en una mesa de conferencias en el edificio Team Disney en los estudios Walt Disney en Burbank. Catmull y Smith consideraron que sería difícil mantener a Katzenberg interesado en trabajar con la compañía a lo largo del tiempo. Consideraron que era aún más difícil vender a Lasseter y los animadores junior la idea de trabajar con Disney, que tenía una mala reputación por la forma en que trataban a sus animadores, y Katzenberg, que había construido una reputación como un tirano de microgestión. Katzenberg afirmó lo siguiente en la reunión: «Todo el mundo piensa que soy un tirano. Soy un tirano. Pero normalmente tengo razón.»Desechó la idea de un especial de media hora y Lasseter con los ojos como el talento clave en la sala: «John, ya que no vendrás a trabajar para mí, voy a hacer que funcione de esta manera.»Invitó a los seis visitantes a mezclarse con los animadores—»pregúntales cualquier cosa»—y los hombres lo hicieron, encontrando que todos respaldaban las declaraciones de Katzenberg. Lasseter sintió que podría trabajar con Disney y las dos compañías comenzaron las negociaciones. Pixar en ese momento estaba al borde de la bancarrota y necesitaba un acuerdo con Disney. Katzenberg insistió en que Disney recibiera los derechos de la tecnología patentada de Pixar para hacer animación en 3D, pero Jobs se negó. En otro caso, Jobs exigió que Pixar tuviera parte de la propiedad de la película y sus personajes, compartiendo el control de los derechos de video y las secuelas, pero Katzenberg se negó. Disney y Pixar llegaron a un acuerdo sobre los términos del contrato en un acuerdo fechado el 3 de mayo de 1991, y firmado a principios de julio. Finalmente, el acuerdo especificó que Disney sería la propietaria de la imagen y sus personajes, tendría el control creativo y pagaría a Pixar alrededor del 12,5% de los ingresos por entradas. Tenía la opción (pero no la obligación) de hacer las siguientes dos películas de Pixar y el derecho de hacer (con o sin Pixar) secuelas usando los personajes de la película. Disney también podía matar a la película en cualquier momento con solo una pequeña penalización. Estas primeras negociaciones se convirtieron en un punto de disputa entre Jobs y Eisner durante muchos años.
Se finalizó un acuerdo para producir un largometraje basado en Tin Toy con un título provisional de Toy Story y la producción comenzó poco después.
WritingEdit
El tratamiento original para Toy Story, redactado por Lasseter, Andrew Stanton y Pete Docter, tenía poco en común con la película finalmente terminada. Emparejó a Tinny, la banda de un solo hombre de Tin Toy, con Woody, el muñeco de un ventrílocuo, y los envió a una extensa odisea. Bajo Katzenberg, Woody era el villano principal, abusando de los otros juguetes hasta que se unieron contra él; después de que los ejecutivos de Disney vieron los guiones gráficos, cedieron el control creativo a Pixar. La idea central de Toy Story estuvo presente desde el primer tratamiento en adelante: que » los juguetes quieren profundamente que los niños jueguen con ellos, y que este deseo impulsa sus esperanzas, temores y acciones.»Katzenberg sintió que el tratamiento original era problemático y le dijo a Lasseter que remodelara Toy Story como una película de pareja extraña, y sugirió que vieran algunas películas clásicas de amigos, como The Defiant Ones y 48 Hrs., en la que dos personajes con actitudes diferentes se juntan y tienen que vincularse. Lasseter, Stanton y Docter surgieron a principios de septiembre de 1991 con el segundo tratamiento, y aunque los personajes principales todavía eran Tinny y el maniquí, el contorno de la película final estaba empezando a tomar forma.
El script pasó por muchos cambios antes de la versión final. Lasseter decidió que Tinny era «demasiado anticuado»; el personaje primero se cambió a una figura de acción militar y luego se le dio un tema espacial. El nombre de Tinny cambió a Lunar Larry, luego Tempus de Morph, y finalmente Buzz Lightyear (después del astronauta Buzz Aldrin). El diseño de Lightyear se basó en los trajes usados por los astronautas del Apolo, así como en las figuras de acción de G. I. Joe. Además, el esquema de colores verde y púrpura del traje de Lightyear se inspiró en Lasseter y su esposa, Nancy, cuyos colores favoritos son el verde y el púrpura, respectivamente. Woody se inspiró en un muñeco fantasma de Casper the Friendly que Lasseter tenía cuando era un niño; era un muñeco de ventrílocuo con una cuerda de tracción (de ahí el nombre de Woody). Esto fue hasta que el diseñador de personajes Bud Luckey sugirió que Woody podría ser cambiado a un muñeco de ventrílocuo vaquero. A Lasseter le gustaba el contraste entre los géneros western y de ciencia ficción y el personaje cambió inmediatamente. Finalmente, todos los aspectos de muñeco de ventrílocuo del personaje se eliminaron ya que el muñeco parecía «astuto y malo». Sin embargo, mantuvieron el nombre de Woody para rendir homenaje al actor occidental Woody Strode. El departamento de historia se inspiró en películas como Midnight Run y The Odd Couple, y Lasseter proyectó el Castillo en el Cielo de Hayao Miyazaki para obtener más influencia.
El guion de Toy Story estuvo fuertemente influenciado por las ideas del guionista Robert McKee. Los miembros del equipo de historia de Pixar—Lasseter, Stanton, Docter y Joe Ranft—eran conscientes de que la mayoría de ellos eran principiantes en la escritura de largometrajes. Ninguno de ellos tenía ningún artículo de fondo o créditos de escritura a su nombre, además de Ranft, que había impartido una clase de cuentos en CalArts y había hecho algún trabajo de guion gráfico. Buscando información, Lasseter y Docter asistieron a un seminario de tres días en Los Ángeles impartido por McKee. Sus principios, basados en la poética de Aristóteles, dictaban que un personaje emerge de manera más realista y convincente de las elecciones que el protagonista hace en reacción a sus problemas. Disney también nombró al dúo Joel Cohen y Alec Sokolow y, más tarde, a Joss Whedon para ayudar a desarrollar el guion. Whedon descubrió que el guión no funcionaba, pero tenía una gran estructura. Añadió el personaje de Rex y buscó un papel fundamental para una muñeca Barbie; esta última se transformó en Bo Peep ya que Mattel no le daría licencia al personaje. Whedon también rediseñó a Buzz Lightyear de ser un personaje tonto pero alegre y consciente de sí mismo a una figura de acción que no es consciente de que es un juguete, una epifanía que transformó la película. El equipo de historia continuó retocando el guion mientras la producción estaba en marcha. Entre las últimas incorporaciones estaba el encuentro entre Buzz y Squeeze Toy Aliens en Pizza Planet, que surgió de una sesión de lluvia de ideas con una docena de directores, artistas de historias y animadores de Disney.
Castingeditar
Katzenberg aprobó el guion el 19 de enero de 1993, momento en el que comenzó el casting de voz.
Lasseter siempre quiso que Tom Hanks interpretara al personaje de Woody. Lasseter afirmó que Hanks » tiene la capacidad de tomar emociones y hacerlas atractivas. Incluso si el personaje, como el de Una Liga Propia, es deprimido y despreciable. Paul Newman, quien posteriormente aceptó el papel de Doc Hudson en otra película de Pixar, Cars, fue considerado para el papel de Woody. Para medir cómo la voz de un actor podría encajar con un personaje, Lasseter tomó prestada una técnica común de Disney: animar un monólogo vocal de un actor bien establecido para fusionar la voz del actor con la apariencia o las acciones del personaje animado. Este primer material de prueba, usando la voz de Hanks de Turner & Hooch, convenció a Hanks de firmar la película.
Se acercó a Billy Crystal para interpretar a Buzz, y se le dio su propio monólogo, utilizando el diálogo de Cuando Harry conoció a Sally. Sin embargo, rechazó el papel, creyendo que la película no tendría éxito debido a su animación. Crystal se arrepintió de esto al ver la película; posteriormente aceptó el papel de Mike Wazowski en otra película de Pixar, Monsters, Inc.. Además de Crystal, Bill Murray, Chevy Chase y Jim Carrey también fueron considerados para el papel de Buzz. Lasseter le dio el papel a Tim Allen, que aparecía en Disney’s Home Improvement, y aceptó. Crystal declaró más tarde en una entrevista que no habría tenido razón como Buzz, y que Allen era «fantástico» en el papel.
Toy Story fue la primera película animada de Hanks y Allen, y grabaron sus líneas juntas para hacer que la química y las interacciones de sus personajes fueran realistas.
Cierre de producciónEditar
Cada dos semanas, Lasseter y su equipo mostraron a Disney sus últimos guiones gráficos o imágenes. Pixar impresionó a Disney con su innovación técnica, pero convencer a Disney de la trama fue más difícil. En cada una de las presentaciones de Pixar, Katzenberg rompió gran parte de ella, dando comentarios y notas detalladas. Katzenberg quería principalmente añadir «más nerviosismo» a los dos personajes principales. Disney quería que la película fuera atractiva tanto para niños como para adultos, y pidieron que se agregaran referencias para adultos a la película. Después de muchas rondas de notas de Katzenberg y otros ejecutivos de Disney, el consenso fue que Woody había sido despojado de casi todo encanto. Hanks, mientras grababa el diálogo de los carretes de la historia, exclamó en un momento que el personaje era un idiota. Lasseter y su equipo de Pixar tenían la primera mitad de la película lista para proyectarse, por lo que la llevaron a Burbank para mostrarla a Katzenberg y otros ejecutivos de Disney el 19 de noviembre de 1993, un evento que más tarde denominaron el «Incidente del Viernes Negro». Los resultados fueron desastrosos. Schneider, quien, debido a su incapacidad para asegurar un acuerdo con Pixar, nunca se enamoró particularmente de la idea de Katzenberg de que extraños hicieran animación para Disney, declaró que era un desastre y ordenó que la producción se detuviera de inmediato. Katzenberg le preguntó a su colega Thomas Schumacher por qué los carretes eran malos. Schumacher respondió sin rodeos: «Porque ya no es su película; no es por completo la película que John se propuso hacer.»
Lasseter se sintió avergonzado por lo que había en la pantalla, y más tarde recordó: «Era una historia llena de los personajes más infelices y malvados que he visto. Le pidió a Disney dos semanas para rehacer el guion, y Katzenberg le apoyó. Lasseter, Stanton, Docter y Ranft dieron la noticia del cierre de la producción al equipo de producción, muchos de los cuales habían dejado otros trabajos para trabajar en el proyecto. El equipo cambió a comerciales de televisión mientras los guionistas principales elaboraban un nuevo guion. Aunque Lasseter intentó mantener la moral alta manteniéndose flotando externamente, el cierre de la producción fue «un momento muy aterrador», recordó el gerente del departamento de historia BZ Petroff. Katzenberg puso la película bajo el ala de Walt Disney Feature Animation. El equipo de Pixar se alegró de que el movimiento les diera una puerta abierta a la asesoría de veteranos de animación de Disney. Sin embargo, Schneider, que había querido cerrar la producción por completo y despedir a todos los animadores contratados recientemente, continuó teniendo una visión sombría del proyecto y pasó por encima de la cabeza de Katzenberg para instar a Eisner a cancelarlo. Stanton se retiró a una oficina pequeña, oscura y sin ventanas, emergiendo periódicamente con nuevas páginas de guiones. Él y los otros artistas de la historia dibujaron las tomas en guiones gráficos. Whedon regresó a Pixar para una parte del cierre para ayudar con la revisión, y el guion fue revisado en dos semanas como se había prometido. Cuando Katzenberg y Schneider detuvieron la producción de Toy Story, Jobs financió el proyecto personalmente. Jobs no se insertó en el proceso creativo, sino que gestionó la relación con Disney.
El equipo de Pixar regresó con un nuevo guion tres meses después, con el personaje de Woody alterado de ser el jefe tiránico de los juguetes de Andy a ser su líder sabio y cariñoso. También incluyó una reunión de personal más orientada a adultos entre los juguetes en lugar de la discusión de grupo juvenil que había existido en borradores anteriores. El personaje de Buzz Lightyear también fue cambiado «para dejar más claro a la audiencia que realmente no se da cuenta de que es un juguete». Katzenberg y Schneider aprobaron el nuevo enfoque y, en febrero de 1994, la película volvió a estar en producción. Los actores de voz regresaron un mes después para grabar sus nuevas líneas. Cuando la producción recibió luz verde, el equipo creció rápidamente de su tamaño original de 24 a 110, incluidos 27 animadores, 22 directores técnicos y otros 61 artistas e ingenieros. En comparación, el Rey León, liberado en 1994, necesitaba un presupuesto de 45 millones de dólares y una plantilla de 800 personas. En el proceso de presupuesto inicial, Jobs estaba ansioso por producir la película de la manera más eficiente posible, impresionando a Katzenberg con su enfoque en la reducción de costos. A pesar de esto, el presupuesto de producción de 17 millones de dólares resultó inadecuado, especialmente dada la importante revisión que fue necesaria después de que Katzenberg los presionara para hacer Woody demasiado vanguardista. Jobs exigió más fondos para completar la película e insistió en que Disney era responsable de los sobrecostos. Katzenberg se mostró reacio, pero Catmull fue capaz de llegar a un compromiso.
AnimationEdit
—Tom Schumacher, Vicepresidente de Walt Disney Feature Animation
El reclutamiento de animadores para Toy Story fue enérgico; el imán para el talento no fue la paga mediocre, sino el atractivo de participar en la primera película animada por computadora. Lasseter dijo sobre los desafíos de la animación por computadora :» Teníamos que hacer que las cosas parecieran más orgánicas. Cada hoja y brizna de hierba tenía que ser creada. Teníamos que darle al mundo un sentido de la historia. Así que las puertas están golpeadas, los pisos tienen marcas.»La película comenzó con guiones animados para guiar a los animadores en el desarrollo de los personajes. 27 animadores trabajaron en la película, utilizando 400 modelos de computadora para animar a los personajes. Cada personaje fue creado en arcilla o modelado a partir de un diagrama dibujado por computadora antes de llegar al diseño animado por computadora. Una vez que los animadores tenían un modelo, se codificaban sus controles de articulación y movimiento; esto permitía que cada personaje se moviera de una variedad de maneras, como hablar, caminar o saltar. De todos los personajes, Woody era el más complejo, ya que requería 723 controles de movimiento, incluidos 212 para su cara y 58 para su boca. La primera pieza de animación, una prueba de 30 segundos, fue entregada a Disney en junio de 1992, cuando la compañía solicitó una muestra de cómo se vería la película. Lasseter quería impresionar a Disney con varias cosas en la prueba que no se podían hacer en la animación tradicional dibujada a mano, como la camisa a cuadros amarilla de Woody con rayas rojas, los reflejos en el casco de Buzz y las calcomanías en su traje espacial, o sombras venecianas que caían por la habitación de Andy.
Cada toma de la película pasó por las manos de ocho equipos diferentes. El departamento de arte le dio a cada toma su esquema de color e iluminación general. Bajo Craig Good, el departamento de diseño colocó los modelos en la toma, la enmarcó configurando la ubicación de la cámara virtual y programó cualquier movimiento de la cámara. Para que el medio se sintiera lo más familiar posible, trataron de mantenerse dentro de los límites de lo que se podría hacer en una película de acción en vivo con cámaras reales, muñecos, trípodes y grúas. Dirigido por los animadores Rich Quade y Ash Brannon, cada toma pasó del Diseño al departamento de animación. Lasseter optó por el enfoque de Disney de asignar un animador para trabajar en un personaje a lo largo de una película, pero hizo ciertas excepciones en escenas donde pensó que la actuación era particularmente crítica. Los animadores utilizaron el programa de menú para establecer cada personaje en la pose deseada. Una vez que se creó una secuencia de poses hechas a mano (o «fotogramas clave»), el software creó poses para los fotogramas intermedios. Los animadores estudiaron las cintas de vídeo de los actores, ya que Lasseter rechazó la sincronización de labios automática. Para sincronizar las bocas y expresiones faciales de los personajes con las voces grabadas de los actores, los animadores pasaron una semana por cada ocho segundos de animación.
Después, los animadores compilaron las escenas y desarrollaron un nuevo guion gráfico con personajes animados por computadora. Luego agregaron sombreado, iluminación, efectos visuales y, finalmente, utilizaron 300 procesadores de computadora para renderizar la película hasta su diseño final. Bajo Tom Porter, el equipo de sombreado utilizó el lenguaje de sombreado de RenderMan para crear programas de sombreado para cada una de las superficies de un modelo. Algunas superficies de Toy Story provenían de objetos reales: un sombreador para la tela de la cortina en la habitación de Andy usó un escaneo de tela real. Bajo Galyn Susman y Sharon Calahan, el equipo de iluminación orquestó la iluminación final de la toma después de la animación y el sombreado. Cada toma completada se procesó en una «granja de renderizado» de 117 computadoras Sun Microsystems que funcionaban las 24 horas del día. La animación terminada se producía a un ritmo de alrededor de tres minutos a la semana. Dependiendo de su complejidad, cada fotograma tardó desde 45 minutos hasta 30 horas en renderizarse. La película requirió 800.000 horas de máquina y 114.240 fotogramas de animación en total. Hay más de 77 minutos de animación repartidos en 1.561 tomas. Un equipo de cámaras, ayudado por David DiFrancesco, grabó los fotogramas en el archivo de película. Para ajustarse a una relación de aspecto de 1,85:1, Toy Story se renderizó a 1.536 por 922 píxeles, correspondiendo cada uno de ellos a aproximadamente un cuarto de pulgada de área de pantalla en una pantalla de cine típica. Durante la postproducción, la película fue enviada a Skywalker Sound, donde los efectos de sonido se mezclaron con la partitura musical.
MusicEdit
Disney estaba preocupado por la posición de Lasseter sobre el uso de la música. A diferencia de otras películas de Disney de la época, Lasseter no quería que la película fuera un musical, diciendo que es una película de amigos con «juguetes reales». Whedon más tarde reveló su acuerdo, diciendo: «Habría sido un musical muy malo porque es una película de amigos. Se trata de personas que no admiten lo que quieren, y mucho menos cantan al respecto. … Las películas de amigos son sobre sublimar, golpear un brazo, ‘ Te odio. No se trata de emociones abiertas. Sin embargo, Disney favoreció el formato musical, afirmando que «Los musicales son nuestra orientación. Los personajes que se entonan en una canción son una gran abreviatura. Le quita parte de la carga a lo que piden.»Finalmente, Disney y Pixar llegaron a un compromiso: los personajes de Toy Story no entrarían en la canción, pero la película usaría canciones no diegéticas sobre la acción, como en The Graduate, para transmitir y amplificar las emociones que Buzz y Woody estaban sintiendo. Disney y Lasseter, entonces, recurrieron a Randy Newman para componer la banda sonora.
En Newman, Lasseter dijo: «Sus canciones son conmovedoras, ingeniosas y satíricas, y él proporcionaría la base emocional para cada escena. Newman escribió tres canciones originales para la película, desarrollando la canción distintiva de la película «You’ve Got a Friend in Me» en un día. La banda sonora de Toy Story fue producida por Walt Disney Records y fue lanzada el 22 de noviembre de 1995, la semana del lanzamiento de la película. Se dice que la edición de Toy Story se debe a Newman y Gary Rydstrom a finales de septiembre de 1995 para su trabajo final en la partitura y el diseño de sonido, respectivamente.
Edición y pre-lanzamientoEditar
Fue difícil para los miembros del equipo percibir la calidad de la película durante gran parte del proceso de producción cuando el metraje terminado estaba en piezas dispersas y carecía de elementos como música y diseño de sonido. Algunos animadores sintieron que la película sería una decepción significativa comercialmente, pero sintieron que los animadores y los fanáticos de la animación la encontrarían interesante. Según Lee Unkrich, uno de los editores de Toy Story, una escena recortada de la edición final original mostraba a Sid torturando violentamente a Buzz y Woody en su casa; Unkrich decidió entrar en la escena en la que Sid está interrogando a Woody porque los creadores de la película pensaron que a la audiencia le encantarían Buzz y Woody en ese momento. Otra escena, en la que Woody trató de llamar la atención de Buzz cuando estaba atrapado en la caja, se acortó porque los creadores sintieron que perdería la energía de la película. Schneider se había vuelto optimista sobre la película a medida que se acercaba a su finalización, y anunció una fecha de estreno en Estados Unidos en noviembre, coincidiendo con el fin de semana de Acción de Gracias y el inicio de la temporada de vacaciones de invierno.
Las fuentes indican que Jobs carecía de confianza en la película durante su producción, y había estado hablando con varias compañías, desde Hallmark Cards hasta Microsoft, sobre la venta de Pixar. Sin embargo, a medida que la película avanzaba, Jobs, como Schneider, se entusiasmó cada vez más con ella, sintiendo que podría estar a punto de transformar la industria cinematográfica. A medida que terminaban las escenas de la película, las veía repetidamente y tenía amigos que pasaban por su casa para compartir su nueva pasión. Jobs decidió que el lanzamiento de Toy Story en noviembre sería la ocasión para hacer público Pixar. Una audiencia de prueba cerca de Anaheim a finales de julio de 1995 indicó la necesidad de ajustes de última hora, lo que agregó más presión a las ya frenéticas semanas finales. Las tarjetas de respuesta de la audiencia eran alentadoras, pero no estaban en la cima de la escala, agregando más preguntas sobre cómo responderían las audiencias. Eisner, que asistió a la proyección, le dijo a Lasseter después que la película tenía que terminar con una toma de Woody y Buzz juntos. Por lo tanto, la película termina con una toma de la casa de Andy y el sonido de un nuevo cachorro; la escena se acerca a la pareja, mostrando sus caras preocupadas.