articol Principal: Dogū

articole principale: Ceramica japoneză și porțelanul și porțelanul japonez de export

Articol principal: lac Japonez

informații suplimentare: Când Împăratul Japoniei a recâștigat puterea de guvernământ în 1868, Japonia a fost din nou invadată de forme noi și străine de cultură. În perioada dinainte de război, introducerea valorilor culturale occidentale a dus la o dihotomie în arta japoneză, precum și în aproape orice alt aspect al culturii, între valorile tradiționale și încercările de a duplica și asimila o varietate de idei noi ciocnitoare. Această scindare a rămas evidentă la sfârșitul secolului 20, deși au avut loc deja multe sinteze până atunci și au creat o atmosferă culturală internațională și au stimulat artele japoneze contemporane spre forme din ce în ce mai inovatoare.

Guvernul s-a interesat activ de piața exportului de artă, promovând artele japoneze la o succesiune de târguri mondiale, începând cu 1873 Viena World ‘ s Fair.As pe lângă finanțarea puternică a târgurilor, guvernul a avut un rol activ în organizarea modului în care cultura Japoniei a fost prezentată lumii. A creat o companie semi-publică — Kiritsu Kosho Kaisha (prima companie de producție industrială) — pentru a promova și comercializa exporturile de artă și a înființat Hakurankai Jimukyoku (Biroul expozițional) pentru a menține standardele de calitate. Pentru Expoziția Internațională Centenară din 1876 din Philadelphia, guvernul japonez a creat un birou centenar și a trimis un trimis special pentru a asigura spațiul pentru cele 30.000 de articole care vor fi afișate. Gospodăria imperială s-a interesat activ și de Arte și meserii, comandând lucrări („mărfuri de prezentare”) ca cadouri pentru demnitarii străini. În 1890, Teishitsu Gigeiin (Artist al gospodăriei Imperiale) a fost creat pentru a recunoaște artiști distinși; șaptezeci au fost numiți din 1890 până în 1944. Printre acestea s-au numărat pictorul și pictorul de lac Shibata Zeshin, ceramistul Makuzu K Unktoxan, pictorul Hashimoto Gah Unktoc și artistul de smalț cloisonnect oktoc Namikawa Yasuyuki.

pe măsură ce importurile occidentale au devenit populare, cererea de artă japoneză a scăzut chiar în Japonia. În Europa și America, noua disponibilitate a artei japoneze a dus la o fascinație pentru cultura japoneză; o nebunie cunoscută în Europa sub numele de Japonisme. Patronajul Imperial, sponsorizarea guvernului, promovarea către noi audiențe și tehnologia Occidentală combinate pentru a încuraja o eră a inovației artistice japoneze. În artele decorative, artiștii japonezi au atins noi niveluri de sofisticare tehnică.astăzi, Masayuki Murata deține peste 10.000 de opere de artă Meiji și este unul dintre cei mai entuziaști colecționari. Din acel moment, majoritatea lucrărilor excelente ale artei Meiji au fost cumpărate de colecționari străini și doar câteva dintre ele au rămas în Japonia, dar pentru că a cumpărat multe lucrări din țări străine și a deschis Muzeul Kiyomizu Sannenzaka, studiul și reevaluarea artei Meiji au avansat rapid în Japonia după secolul 21. Nasser Khalili este, de asemenea, unul dintre cei mai dedicați colecționari de artă Meiji din lume, iar colecția sa cuprinde multe categorii de artă Meiji. Familia imperială japoneză deține, de asemenea, lucrări excelente de artă Meiji, dintre care unele au fost donate statului și sunt acum depozitate în Muzeul Colecțiilor Imperiale.

arhitectură și Grădinădit

de la începutul secolului secolul 20, formele de artă europene au fost bine introduse, iar căsătoria lor a produs clădiri notabile precum gara Tokyo și clădirea dietei naționale care există și astăzi. Tokyo Station, o cladire cu arhitectura GIY de la un sfert de secol, plina de caramizi si stil pseudo-European. Acest stil de construcție a fost construit în zonele urbane.

multe grădini artistice noi japoneze au fost construite de Jihei Ogawa.

PaintingEdit

primul răspuns al japonezilor la formele de artă occidentale a fost acceptarea cu inima deschisă, iar în 1876 școala de artă tehnologică(ja:A fost deschis, angajând instructori italieni pentru a preda metodele occidentale. Al doilea răspuns a fost un pendul leagăn în direcția opusă condus de Okakura Kakuz și americanul Ernest Fenollosa, care a încurajat artiștii japonezi să păstreze temele și tehnicile tradiționale în timp ce creează lucrări mai în concordanță cu gustul contemporan. Aceasta a fost o strategie care a servit în cele din urmă la extinderea influenței artei japoneze până la Calcutta, Londra și Boston în anii premergători Primului Război Mondial. Din acești doi poli ai teoriei artistice-derivați din Europa și, respectiv, din Asia de Est—s-au dezvoltat y xqqga („pictura în stil occidental”) și Nihonga („pictura japoneză”), categorii care și-au menținut moneda.

EnamelsEdit

în timpul erei Meiji, smalțul japonez cloisonnaux a ajuns la o vârf tehnic, producând articole mai avansate decât oricare dintre cele care au existat înainte. Perioada 1890-1910 a fost cunoscută sub numele de” epoca de aur ” a emailurilor japoneze. Artiștii au experimentat cu paste și cu procesul de ardere pentru a produce blocuri din ce în ce mai mari de smalț, cu mai puțină nevoie de cloisons (care închid benzi metalice). Astfel, emailurile au devenit un mediu mai pictural, cu modele similare sau copiate din picturile tradiționale. Emailurile cu un design unic pentru Japonia, în care florile, păsările și insectele au fost folosite ca teme, au devenit populare. În special, lucrările lui Namikawa Yasuyuki și Namikawa s Inktsuke au fost expuse la târgurile mondiale și au câștigat numeroase premii. Împreună cu cele două Namikawa, compania Ando Cloisonnectic a produs multe cloisonne de înaltă calitate. Emailurile japoneze au fost considerate inegalabile datorită noilor realizări în design și colorare.

LacquerwareEdit

era Meiji a văzut un interes reînnoit pentru lac, pe măsură ce artiștii au dezvoltat noi modele și au experimentat noi texturi și finisaje. Maki-e (decorarea lacului în praf de aur sau argint) a fost cea mai comună tehnică pentru lacuri de calitate în această perioadă. Shibata Zeshin a fost un Lăcuitor care a câștigat o înaltă reputație pentru lucrările sale din perioada Bakumatsu până în perioada Meiji. Lacurile numite Shibayama și Somada, create în perioada Edo, au devenit populare pentru stilul său spectaculos, încrustat cu aur, argint, crustacee, fildeș și metal și sticlă colorate și au atins apogeul în această perioadă. Lacul din atelierele japoneze a fost recunoscut ca fiind superior din punct de vedere tehnic față de ceea ce ar putea fi produs oriunde în lume.

MetalworkEdit

la începutul erei Meiji, prelucrarea metalelor japoneze era aproape total necunoscut în afara țării, spre deosebire de lac și porțelan care fuseseră exportate anterior. Prelucrarea metalelor a fost legată de practica budistă, de exemplu în utilizarea bronzului pentru clopotele templului și cazanele de tămâie, astfel încât au existat mai puține oportunități pentru lucrătorii din metal odată ce budismul a fost deplasat ca religie de stat. Expozițiile internaționale au adus bronzul japonez turnat unui nou public străin, atrăgând laude puternice. Istoria trecută a armelor samurai a echipat lucrătorii metalici Japonezi pentru a crea finisaje metalice într-o gamă largă de culori. Prin combinarea și finisarea cuprului, argintului și aurului în diferite proporții, au creat aliaje specializate, inclusiv shakud și shibuichi. Cu această varietate de aliaje și finisaje, un artist ar putea da impresia de decor plin de culoare.

porțelan și faianță

inovațiile tehnice și artistice ale erei Meiji au transformat porțelanul într-una dintre cele mai de succes forme de artă decorativă Japoneză la nivel internațional. Satsuma ware a fost un nume dat inițial ceramicii din provincia Satsuma, decorat elaborat cu aurit și smalț. Aceste mărfuri au fost foarte apreciate în Occident. Văzut în Occident ca distinct Japonez, acest stil datora de fapt mult pigmenților importați și influențelor occidentale și fusese creat având în vedere exportul. Atelierele din multe orașe au concurat pentru a produce acest stil pentru a satisface cererea din Europa și America, producând adesea rapid și ieftin. Deci, termenul „Satsuma ware” a ajuns să fie asociat nu cu un loc de origine, ci cu articole de calitate inferioară create exclusiv pentru export. În ciuda acestui fapt, artiști precum Yabu Meizan și Makuzu K Unktoxan au menținut cele mai înalte standarde artistice, exportând cu succes. Din 1876 până în 1913, K Unktoxzan a câștigat premii la 51 de expoziții, inclusiv Târgul Mondial și expoziția industrială națională.

TextilesEdit

ediția din 1902 a enciclopediei ramura artei aplicate geniul decorativ al Japoniei prezintă rezultate mai atractive decât cel al țesăturilor textile și în niciunul nu s-au înregistrat progrese mai vizibile în ultimii ani.”Lucrări picturale foarte mari și colorate au fost produse la Kyoto. Broderia devenise o formă de artă în sine, adoptând o serie de tehnici picturale, cum ar fi clarobscurul și perspectiva aeriană.

arta perioadei postbelice

imediat după înfrângerea Japoniei în al Doilea Război Mondial în 1945, un număr mare de artiști japonezi au căzut sub influența sau chiar s-au alăturat Partidului Comunist Japonez, care tocmai fusese legalizat de sua.- a condus ocupația militară a Japoniei după mulți ani de suprimare de către poliția japoneză dinainte de război și de război. Acest lucru a avut de-a face cu succesul partidului comunist în vânzarea noțiunii la începutul anilor postbelici că partidul fusese singurul grup din Japonia care a rezistat militarismului din timpul războiului. În plus, cuvântul japonez pentru ” avangardă „(„Zen ‘ ei”), ca și în” avangarda revoluției comuniste”, se întâmplă să fie același cuvânt folosit pentru „avangardă” ca și în avangarda artistică. Partidul Comunist Japonez a ajuns în curând să domine marile societăți de artă și expoziții din Japonia și, astfel, forma predominantă de artă imediat după război a fost realismul socialist care a descris suferința săracilor și nobilimea clasei muncitoare, în conformitate cu Partidul Comunist doctrina că toată arta ar trebui să servească scopului avansării cauzei Revoluției. În 1952, Partidul Comunist a ordonat chiar artiști precum Hiroshi Katsuragawa și alți membri ai nou-înființatei Asociații de artă avangardistă (XV, Zen ‘ ei bijutsukai afară în munți pentru a produce artă realistă socialistă în sprijinul „echipelor de gherilă montană” care încercau să instige o revoluție violentă în Japonia.

anii 1950: luptându-se să se elibereze de realismul socialistedit

pe parcursul anilor 1950, mulți artiști japonezi au devenit din ce în ce mai deziluzionați de definiția rigidă și limitată a „artei” impusă de Partidul Comunist. Cu toate acestea, datorită preeminenței continue a membrilor și susținătorilor Partidului Comunist în rândurile superioare ale societăților artistice și ale juriilor expoziționale, artiștilor le-a fost extrem de dificil să-și arate chiar arta, cu excepția cazului în care s-au conformat liniilor directoare ale Partidului. Unii artiști s-au ferit de expozițiile publice formale. Alții au căutat recunoaștere, sprijin financiar și oportunități de a-și arăta arta în străinătate, cum ar fi Grupul de artiști conceptuali Gutai, fondat în 1954. Încă alți artiști au folosit puținele expoziții „independente” neîngropate din Japonia, cum ar fi expoziția independentă Yomiuri sponsorizată de Yomiuri Shinbun, la care oricine putea intra.

o ultimă picătură a venit odată cu masivele proteste Anpo din 1960 împotriva Tratatului de securitate SUA-Japonia (cunoscut sub numele de „Anpo” în japoneză”) pentru rolul extrem de pasiv jucat de presupusul Partid Comunist „avangardist”. Când protestele nu au reușit să oprească Tratatul, o rundă de recriminări a dus la o deziluzie suplimentară față de Partidul Comunist și arta realistă socialistă, determinând mult mai mulți artiști să se desprindă de influența partidului.

anii 1960: o explozie de noi genuriedit

odată cu dominarea realismului socialist, anii 1960 au asistat la o explozie de noi forme de artă în Japonia, pe măsură ce artele s-au extins în noi direcții care ar putea fi denumite cel mai bine „postmoderne.”Colectivele de artiști precum organizatorii Neo-Dada, dimensiunea Zero și Centrul Hi-Red au explorat concepte precum „non-artă” și „anti-artă” și au realizat o varietate de „evenimente” îndrăznețe, „întâmplări” și alte forme de artă de performanță concepute pentru a eroda granițele dintre artă și viața de zi cu zi. Grupul Mono-ha a împins în mod similar granițele care împărțeau arta, spațiul, peisajul și mediul. Alți artiști, cum ar fi designerul grafic Tadanori Yokoo, s-au inspirat din contracultura anilor 1960 și explozia de noi forme de benzi desenate manga orientate spre adulți. În artele spectacolului, Tatsumi Hijikata a fost pionierul unei noi forme de dans postmodern numit Butoh, iar dramaturgi precum J. C. R. R. Kara și sat. Și în fotografie, fotografi precum Daid Moriyama a fost pionierul unei noi școli extrem de influente de fotografie postbelică, care a subliniat spontaneitatea față de compoziția atent pusă în scenă și a sărbătorit caracteristicile „sunt, bure, bokeh” (literalmente „dur, neclar, în afara focalizării”).proliferarea noilor tipuri de artă a fost susținută de creșterea extraordinară a economiei Japoniei în anii 1960, amintită ca „miracolul economic japonez”.”Pe parcursul anilor 1960, economia japoneză a crescut cu peste 10% pe an. Creșterea bogăției a creat o nouă clasă de consumatori care își permiteau să cheltuiască bani pe artă și să susțină diferite tipuri de artă și artiști. Pentru prima dată în istoria modernă a Japoniei, a devenit viabil pentru un număr semnificativ de artiști să-și câștige existența doar prin vânzarea artei lor. Boom-ul construcțiilor din anii 1960 din Japonia, care a nivelat vechea arhitectură japoneză tradițională din lemn și hârtie și a înlocuit-o cu mega-orașe spumante de sticlă și oțel, a ajutat la inspirarea unor școli noi de arhitectură japoneză, cum ar fi metabolismul (arhitectura) mișcare condusă de Kenz Tange, care s-a eliberat cu îndrăzneală de modelele convenționale și s-a dovedit influent în întreaga lume.în același timp, totuși, lumea artei a rămas dominată de clici care au promovat lucrările anumitor artiști (de obicei bărbați) asupra altora. Pe măsură ce a devenit mult mai ușor pentru japonezi să călătorească în străinătate în anii 1960, unele artiste feminine precum Yayoi Kusama și Yoko Ono au găsit o recepție mai bună în străinătate și au fost decampate pentru centre artistice precum Londra, Paris și New York, la fel ca și mulți artiști de sex masculin.

triumful noilor forme de artă japoneză a fost cimentat la Târgul Mondial din Osaka din 1970, unde zeci de artiști avangardiști și conceptuali au fost angajați pentru a proiecta pavilioane și experiențe artistice pentru fair-goers. Arta avangardistă japoneză devenise globală și devenise ceva ce chiar și guvernul conservator era mândru să afișeze lumii.

anii 1970 și 1980: călărind bubbleEdit economic

anii 1970 și 1980 au văzut arta japoneză continuând în multe dintre direcțiile începute în anii 1950 și 1960, dar adesea cu bugete mult mai mari și materiale mai scumpe. Pe măsură ce economia Japoniei a continuat să se extindă rapid și, în cele din urmă, a devenit una dintre cele mai mari bule economice din istorie. Cu moneda japoneză devenind incredibil de puternică în urma 1985 Plaza Accord, indivizii și instituțiile japoneze au devenit jucători majori pe piața internațională de artă. Mega-corporațiile japoneze extraordinar de bogate au început să-și construiască propriile muzee de artă private și să achiziționeze colecții de artă modernă și contemporană, iar artiștii japonezi au beneficiat foarte mult și de aceste cheltuieli.

în special, producția artistică a continuat să se îndepărteze de pictura și sculptura tradițională în direcția designului grafic, a artei pop, a artei purtabile, a artei de performanță, a artei conceptuale și a artei de instalare. Diferite tipuri de artă” hibridă ” au intrat din ce în ce mai mult în vogă. Pe măsură ce tehnologia a avansat, artiștii au încorporat din ce în ce mai mult electronice, video, computere, muzică și sunete sintetizate și jocuri video în arta lor. Estetica manga și anime-ului, în care au crescut atât de mulți artiști mai tineri, a exercitat o influență crescândă, dacă uneori destul de subtilă. Mai presus de toate, artiștii au evitat orice redolent al „artei înalte” sau „artei plastice” în favoarea personalului, eclecticului, fantasticului sau fantasmagoricului și jucăușului. În ediție, artiste precum Mika Yoshizawa au devenit din ce în ce mai acceptate și susținute de lumea artei din Japonia.

arta contemporană în Japoneză

arta contemporană Japoneză ia tot atâtea forme și exprimă tot atâtea idei diferite ca arta contemporană mondială în general. Acesta variază de la reclame, anime, jocuri video și arhitectură, așa cum am menționat deja, la sculptură, pictură și desen în toate formele lor nenumărate. Artiștii japonezi au adus contribuții notabile în special la arta contemporană globală în domeniile arhitecturii, jocurilor video, designului grafic, modei și, poate, mai presus de toate, animației. În timp ce anime-urile la început au fost derivate în primul rând din poveștile manga, anime-urile diverse abundă astăzi, iar mulți artiști și studiouri au ajuns la o mare faimă ca artiști; Hayao Miyazaki și artiștii și animatorii Studio Ghibli sunt în general considerați a fi printre cele mai bune pe care lumea anime le poate oferi.în același timp, mulți artiști japonezi continuă să folosească tehnici și materiale artistice tradiționale japoneze moștenite din timpurile premoderne, cum ar fi formele tradiționale de hârtie și ceramică japoneză și pictura cu cerneală neagră și color pe hârtie sau mătase. Unele dintre aceste opere de artă descriu subiecte tradiționale în stiluri tradiționale, în timp ce altele explorează motive și stiluri noi și diferite sau creează hibrizi de forme de artă tradițională și contemporană, în timp ce folosesc medii sau materiale tradiționale. Alții evită mediile și stilurile native, îmbrățișând vopselele de ulei occidentale sau orice alte forme.

în sculptură, același lucru este valabil; unii artiști se lipesc de modurile tradiționale, unii o fac cu un fler modern, iar unii aleg moduri, stiluri și media occidentale sau noi. Yo Akiyama este doar unul dintre numeroșii sculptori Japonezi moderni. El lucrează în principal în ceramică de lut și ceramică, creând lucrări care sunt foarte simple și directe, arătând ca și cum ar fi fost create din pământul însuși. Un alt sculptor, folosind fier și alte materiale moderne, a construit o mare sculptură de artă modernă în orașul port israelian Haifa, numită Hanabi (focuri de artificii). Nahoko Kojima este un artist contemporan Kirie care a fost pionier în tehnica sculpturii tăiate pe hârtie care atârnă în 3D.

Takashi Murakami este, fără îndoială, unul dintre cei mai cunoscuți artiști moderni japonezi din lumea occidentală. Murakami și ceilalți artiști din studioul său creează piese într-un stil, inspirat de anime, pe care l-a numit „superflat”. Piesele sale iau o multitudine de forme, de la pictură la sculptură, unele cu adevărat masive. Dar majoritatea, dacă nu toate, arată foarte clar această influență anime, folosind culori strălucitoare și detalii simplificate.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daid Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano și Tabaimo sunt considerați artiști semnificativi în domeniul artei japoneze contemporane. Grupul 1965, un colectiv de artiști, numără artistul contemporan Makoto Aida printre membrii săi.