nagły prysznic na moście atake, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e i Nanga (Bunjinga): szkoła sztuki najbardziej znana na Zachodzie jest z obrazów ukiyo-Demimonde, świat teatru kabuki i dzielnic przyjemności. Druki Ukiyo-e zaczęto produkować pod koniec XVII wieku; w 1765 roku Harunobu wyprodukował pierwszą polichromię. Projektanci drukarscy następnej generacji, w tym Torii Kiyonaga i Utamaro, stworzyli eleganckie i czasami wnikliwe przedstawienia kurtyzan.

w XIX wieku dominującymi postaciami byli Hokusai i Hiroshige, ten ostatni twórca romantycznych i nieco sentymentalnych pejzaży. Dziwne kąty i kształty, przez które Hiroshige często oglądał krajobraz, a praca Kiyonagi i Utamaro, z naciskiem na płaskie płaszczyzny i mocne linearne kontury, wywarła głęboki wpływ na takich zachodnich artystów, jak Edgar Degas i Vincent van Gogh. Dzięki dziełom sztuki przechowywanym w zachodnich muzeach, ci sami graficy wywarli później silny wpływ na obrazowość i estetykę stosowaną przez wczesnych modernistycznych poetów, takich jak Ezra Pound, Richard Aldington i H. D.

szkołą Malarstwa Współczesnego z ukiyo-e był nanga, lub bunjinga, styl oparty na obrazach wykonanych przez chińskich uczonych-malarzy. Tak jak artyści ukiyo-e zdecydowali się przedstawiać postacie z życia poza granicami siogunatu Tokugawa, artyści bunjin zwrócili się ku chińskiej kulturze. Przykładem tego stylu są Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden i Yamamoto Baitsu (ja :本本本).

Ceramika

tradycyjne, głównie kamionkowe, style kontynuowane w wielu częściach Japonii, ale japońska ceramika została przekształcona na początku okresu Edo, przez duży napływ koreańskich garncarzy, schwytanych lub namówionych do emigracji w trakcie Japońskich inwazji na Koreę w 1590 roku. wiele z nich osiedliło się na południowej wyspie Kyushu, i przywieźli ze sobą doświadczenia wersji chińskiego stylu kominkowego pieca wspinaczkowego, zwanego w Japonii noborigama, który pozwalał na wysokie temperatury z bardziej precyzyjna kontrola. Około 1620 roku odkryli złoża kaolinitu i zaczęli po raz pierwszy produkować porcelanę w Japonii. Wczesne wyroby (zwane „wczesnymi Imari”) były stosunkowo małe i naśladowały chińską porcelanę niebiesko-białą, którą Japonia importowała od pewnego czasu.

przemysł porcelany znacznie się rozwinął pod koniec 1650 roku, ponieważ upadek chińskiego przemysłu z wojny domowej doprowadził do bardzo dużych zamówień od chińskich handlowców i holenderskiej Kompanii Wschodnioindyjskiej, do tego czasu handlowcy mogli robić interesy tylko w Japonii. Pierwszy wielki okres japońskiej porcelany eksportowej trwał do około 1740 roku, a Wielka większość japońskiej porcelany była produkowana na eksport, głównie do Europy, ale także do świata islamskiego na zachód i południe Japonii.

• ko-Kutani (Stary Kutani) pięć kolorów iroe typu sake ewer z motywem ptaków i kwiatów w szkliwie szkliwnym, okres Edo, XVII wiek

• naczynie Ko-Imari, 1700-1740

:

wraz z rozwojem gospodarki i kultury poprawiła się jakość artystyczna mebli lakierowanych. Hon ’ ami Kōetsu i Ogata Kōrin przenieśli projekty Szkoły Malarstwa Rinpa do lacquerware. Po połowie okresu Edo, inrō dla przenośnych pojemników na leki zaczęły być pięknie zdobione maki-e i radenem, i stało się popularne wśród klasy samurajów i bogatych kupców w klasie chōnin, a pod koniec okresu Edo zmieniło się z praktycznych akcesoriów na kolekcje sztuki. Eksport lacquerware był kontynuowany po okresie Azuchi-Momoyama. Maria Antonina i Maria Teresa są znane jako kolekcjonerzy Japońskich wyrobów lakierniczych w tym okresie.

• Inro i Netsuke, XVIII wiek

• Szkatułka do pisania z irysami w yatsuhashi, autorstwa Ogata kōrina. Skarb narodowy

Sztuka okresu Przedwojennegoedytuj

Kiedy Cesarz Japonii odzyskał władzę w 1868 roku, Japonia została ponownie zaatakowana przez nowe i obce formy kultury. W okresie przedwojennym wprowadzenie zachodnich wartości kulturowych doprowadziło do dychotomii w sztuce japońskiej, a także w prawie każdym innym aspekcie kultury, między tradycyjnymi wartościami a próbami powielania i asymilacji różnych zderzających się nowych idei. Podział ten pozostał widoczny pod koniec XX wieku, chociaż wiele już wtedy nastąpiło, tworząc międzynarodową atmosferę kulturalną i stymulując współczesną sztukę japońską ku coraz bardziej innowacyjnym formom.

rząd aktywnie interesował się rynkiem eksportowym sztuki, promując sztukę japońską na kolejnych Światowych Targach, począwszy od wiedeńskich Targów w 1873 roku Fair.As poza dużym finansowaniem targów, rząd brał aktywny udział w organizowaniu prezentacji kultury Japonii światu. Stworzył pół-publiczne Przedsiębiorstwo-Kiritsu Kosho Kaisha (pierwsza firma produkująca przemysł) – w celu promowania i komercjalizacji eksportu sztuki i założył Hakurankai Jimukyoku (Biuro Wystaw) w celu utrzymania standardów jakości. Na 1876 Centennial International Exhibition w Filadelfii, rząd japoński stworzył Biuro Stulecia i wysłał specjalnego wysłannika, aby zabezpieczyć miejsce dla 30,000 przedmiotów, które będą wyświetlane. Rodzina cesarska interesowała się również sztuką i rzemiosłem, zlecając prace („wyroby prezentacyjne”) jako prezenty dla zagranicznych dygnitarzy. W 1890 roku stworzono system teishitsu Gigeiin (Artysta do cesarskiego domu), aby uznawać wybitnych artystów; w latach 1890-1944 mianowano ich siedemdziesięciu. Wśród nich byli malarz i lakiernik Shibata Zeshin, ceramik Makuzu Kōzan, malarz Hashimoto Gahō i emaliarz Namikawa Yasuyuki.

gdy import z Zachodu stał się popularny, popyt na sztukę japońską zmniejszył się w samej Japonii. W Europie i Ameryce Nowa dostępność Sztuki Japońskiej doprowadziła do fascynacji kulturą japońską; szał znany w Europie jako Japonisme. Imperialny Patronat, sponsoring rządowy, promocja dla nowych odbiorców i Zachodnia technologia połączone w celu wspierania ery Japońskich innowacji artystycznych. W sztuce dekoracyjnej japońscy artyści osiągnęli nowy poziom zaawansowania technicznego.

dziś Masayuki Murata posiada ponad 10 000 dzieł sztuki Meiji i jest jednym z najbardziej entuzjastycznych kolekcjonerów. Od tego czasu większość znakomitych dzieł sztuki Meiji została zakupiona przez zagranicznych kolekcjonerów i tylko kilka z nich pozostało w Japonii, ale ponieważ odkupił wiele dzieł z zagranicy i otworzył muzeum Kiyomizu Sannenzaka, badania i ponowna ocena Sztuki Meiji szybko rozwinęły się w Japonii po XXI wieku. Nasser Khalili jest również jednym z najbardziej oddanych na świecie kolekcjonerów sztuki Meiji, a jego kolekcja obejmuje wiele kategorii Sztuki Meiji. Japońska rodzina cesarska posiada również doskonałe dzieła sztuki Meiji, z których niektóre zostały przekazane państwu i są obecnie przechowywane w Muzeum zbiorów cesarskich.

Architektura i Ogrodeedit

Ogród Murin-an, zaprojektowany przez Jihei Ogawę w latach 1894-1898

do początku XX wieku wieku, europejskie formy sztuki zostały dobrze wprowadzone, a ich małżeństwo wyprodukowało godne uwagi budynki, takie jak Dworzec kolejowy w Tokio i budynek Narodowej diety, które istnieją do dziś. Dworzec Tokijski-budynek architektury Giyōfū, pełen cegieł i pseudo-Europejskiego stylu. Ten styl zabudowy powstawał na terenach zurbanizowanych.

wiele nowych ogrodów japońskich zostało wybudowanych przez Jihei Ogawę.

malowanie

Mr Kume , by Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan

pierwszą reakcją Japończyków na zachodnie formy sztuki była otwarta akceptacja, aw 1876 roku Technikum artystyczne(ja:工部美術学校) został otwarty, zatrudniając włoskich instruktorów do nauczania metod zachodnich. Drugą reakcją był wahadłowy huśtawka w przeciwnym kierunku, kierowany przez Okakurę Kakuzō i Amerykanina Ernesta Fenollosa, który zachęcał japońskich artystów do zachowania tradycyjnych tematów i technik, tworząc dzieła bardziej zgodne ze współczesnym gustem. Była to strategia, która ostatecznie służyła rozszerzeniu wpływów sztuki japońskiej aż do Kalkuty, Londynu i Bostonu w latach poprzedzających i wojnę światową. Z tych dwóch biegunów teorii artystycznej-wywodzących się odpowiednio z Europy i Azji Wschodniej-rozwinęły się yōga („malarstwo w stylu zachodnim”) i Nihonga („Malarstwo Japońskie”), Kategorie, które zachowały walutę.

enamelsedit

wazon z wzorami kwiatów i ptaków, autorstwa Namikawa Yasuyuki

podczas epoki Meiji japońska emalia cloisonné osiągnęła szczyt techniczny, produkując przedmioty bardziej zaawansowane niż kiedykolwiek wcześniej. Okres od 1890 do 1910 roku był znany jako „złoty wiek” Japońskich emalii. Artyści eksperymentowali z pastami i procesem wypalania, aby produkować coraz większe bloki emalii, przy mniejszym zapotrzebowaniu na klosze (zamykające metalowe paski). W ten sposób emalia stała się bardziej obrazowym medium, z projektami podobnymi lub kopiowanymi z tradycyjnych obrazów. Popularne stały się emalie o wzorze unikalnym dla Japonii, w których motywy wykorzystywano jako kwiaty, ptaki i owady. W szczególności prace Namikawy Yasuyuki i Namikawy Sōsuke były wystawiane na światowych targach i zdobywały wiele nagród. Wraz z dwoma Namikawami, firma Ando Cloisonné wyprodukowała wiele wysokiej jakości cloisonne. Japońskie emalie zostały uznane za niezrównane dzięki nowym osiągnięciom w projektowaniu i kolorystyce.

LacquerwareEdit

Maki-e Fuji Tagoura, Shibata Zeshin, 1872

Epoka Meiji ponownie zainteresowała się lakierami, ponieważ artyści opracowywali nowe wzory i eksperymentowali z nowymi teksturami i wykończeniami. Maki-e (dekorowanie lakieru złotym lub srebrnym pyłem) było najczęstszą techniką dla wysokiej jakości wyrobów lakierniczych w tym okresie. Shibata Zeshin był lakiernikiem, który zyskał wysoką reputację dzięki swoim pracom od Bakumatsu do okresu Meiji. Wyroby lakiernicze o nazwie Shibayama i Somada, stworzone w okresie Edo, stały się popularne ze względu na efektowny styl, inkrustowane złotem, srebrem, skorupiakami, kością słoniową oraz kolorowym metalem i szkłem i osiągnęły swój szczyt w tym okresie. Lakier z japońskich warsztatów został uznany za technicznie lepszy od tego, co można było wyprodukować gdziekolwiek indziej na świecie.

MetalworkEdit

Koro, srebro zdobione metalami szlachetnymi i kryształem górskim, 1890

na początku ery Meiji japońska metaloplastyka była niemal zupełnie nieznany poza granicami kraju, w przeciwieństwie do lakieru i porcelany, które wcześniej były eksportowane. Metaloplastyka była związana z praktyką buddyjską, na przykład w użyciu brązu do dzwonków świątynnych i kotłów kadzideł, więc było mniej możliwości dla metalowców, gdy Buddyzm został wyparty jako religia Państwowa. Międzynarodowe wystawy przyniosły japoński odlew brązu nowej zagranicznej publiczności, przyciągając duże uznanie. Miniona historia samurajskiej broni wyposażyła Japońskich metalowców w metalowe wykończenia w szerokiej gamie kolorów. Łącząc i wykańczając miedź, srebro i złoto w różnych proporcjach, stworzyli specjalistyczne stopy, w tym shakudō i shibuichi. Dzięki tej różnorodności stopów i wykończeń artysta mógł sprawiać wrażenie pełnokolorowej dekoracji.

Porcelana i wyroby Ceramiczneedit

ceramiczna miska Yabu Meizan, circa 1910

innowacje techniczne i artystyczne epoki Meiji przekształciła porcelanę w jedną z najbardziej udanych na arenie międzynarodowej Japońskich form dekoracyjnych. Satsuma ware to nazwa nadana pierwotnie ceramice z prowincji Satsuma, bogato zdobionej złoceniami i emalią. Wyroby te były bardzo chwalone na Zachodzie. Postrzegany na Zachodzie jako wyraźnie Japoński, styl ten zawdzięczał wiele importowanym pigmentom i wpływom Zachodnim i został stworzony z myślą o eksporcie. Warsztaty w wielu miastach ścigały się, aby wyprodukować ten styl, aby zaspokoić popyt z Europy i Ameryki, często produkując szybko i tanio. Tak więc termin „Satsuma ware” zaczął kojarzyć się nie z miejscem pochodzenia, ale z gorszej jakości wyrobami tworzonymi wyłącznie na eksport. Pomimo tego artyści tacy jak Yabu Meizan i Makuzu Kōzan utrzymywali najwyższe standardy artystyczne, jednocześnie z powodzeniem eksportując. W latach 1876-1913 kōzan zdobył nagrody na 51 wystawach, w tym na światowych targach i Krajowej Wystawie przemysłowej.

TextilesEdit

złożony wyimaginowany widok Japonii: jedwabna grafika tekstylna

wydanie Encyklopedii Britannica z 1902 roku napisało: „w no gałąź Sztuki Użytkowej czy dekoracyjny geniusz Japonii wykazują bardziej atrakcyjne wyniki niż tkaniny tekstylne, a w żadnym z nich nie było bardziej widoczne postępy w ostatnich latach.”W Kioto powstawały bardzo duże, kolorowe obrazy. Haft stał się formą sztuki samą w sobie, przyjmując szereg technik obrazowych, takich jak światłocienie i perspektywa lotnicza.

Sztuka okresu Powojennegoedytuj

bezpośrednio po klęsce Japonii w II Wojnie Światowej w 1945 roku duża liczba japońskich artystów znalazła się pod wpływem, a nawet wstąpiła do Komunistycznej Partii Japonii, która właśnie została zalegalizowana przez USA.- dowodził okupacją wojskową Japonii po wielu latach stłumienia przez przedwojenną i wojenną japońską policję. Miało to związek z sukcesem Partii Komunistycznej w rozpowszechnianiu we wczesnych latach powojennych poglądu, że partia była jedyną grupą w Japonii, która opierała się militaryzmowi w czasie wojny. Ponadto japońskie słowo ” awangarda „(前衛, ZEN 'ei), podobnie jak w” awangardzie rewolucji komunistycznej”, jest tym samym słowem używanym do” awangardy”, co w awangardzie artystycznej. Komunistyczna Partia Japonii wkrótce zdominowała główne Stowarzyszenia artystyczne i wystawy w Japonii, a zatem dominującą formą sztuki w bezpośrednim następstwie wojny był socrealizm, który przedstawiał cierpienie biednych i szlachetność klasy robotniczej, zgodnie z doktryną Partii Komunistycznej, że cała sztuka powinna służyć celowi wspierania sprawy rewolucji. W 1952 roku Partia Komunistyczna zleciła nawet artystom takim jak Hiroshi Katsuragawa i innym członkom nowo powstałego Stowarzyszenia sztuki awangardowej (前衛美術会, Zen ’ ei bijutsukai) produkcję socrealistycznej sztuki wspierającej „górskie oddziały partyzanckie”, które próbowały podsycić gwałtowną rewolucję w Japonii.

Lata 50.: walka o uwolnienie się od socrealistycznegoedytuj

w latach 50. wielu japońskich artystów było coraz bardziej rozczarowanych sztywną i ograniczoną definicją „sztuki” narzuconą przez Partię Komunistyczną. Jednak ze względu na trwającą przewagę członków i sympatyków partii komunistycznej w wyższych szeregach stowarzyszeń artystycznych i jury wystawienniczego, artystom niezwykle trudno było nawet pokazać swoją sztukę, chyba że dostosowali się do wytycznych partii. Niektórzy artyści unikali oficjalnych wystaw publicznych. Inni szukali uznania, wsparcia finansowego i możliwości pokazania swojej sztuki za granicą, jak na przykład założona w 1954 roku grupa artystów konceptualnych Gutai. Jeszcze inni artyści korzystali z kilku nieuregulowanych,” niezależnych ” wystaw w Japonii, takich jak Yomiuri Independent Exhibition sponsorowana przez Yomiuri Shinbun, na którą każdy mógł wejść.

ostatnia słoma przyszła wraz z masowymi protestami Anpo w 1960 r.przeciwko traktatowi Bezpieczeństwa USA-Japonii (znanemu jako „Anpo” po japońsku””) na rzecz niezwykle biernej roli odgrywanej przez rzekomo” awangardową ” Partię Komunistyczną. Gdy protesty nie udało się powstrzymać Traktatu, seria oskarżeń doprowadziła do dalszego rozczarowania Partią Komunistyczną i sztuką socrealistyczną, powodując, że wielu artystów oderwało się od wpływów partii.

lata 60.: eksplozja nowych gatunkówedytuj

wraz z zanikaniem dominacji socrealizmu, lata 60. były świadkiem eksplozji nowych form sztuki w Japonii, gdy sztuka rozwijała się w nowych kierunkach, które najlepiej określić jako „postmodernistyczne.”Kolektywy artystów, takie jak organizatorzy Neo-Dada, Zero Dimension i Hi-Red Center, badały pojęcia takie jak „non-art” i „anti-art”, i prowadziły różnorodne zuchwałe „wydarzenia”, „happeningi” i inne formy sztuki performance mające na celu podważenie granic między sztuką a codziennością. Grupa Mono-ha podobnie przesuwała granice dzielące sztukę, przestrzeń, krajobraz i środowisko. Inni artyści, tacy jak grafik Tadanori Yokoo, czerpali inspiracje z kontrkultury lat 60.i eksplozji nowych form komiksów manga zorientowanych na dorosłych. W sztukach performatywnych Tatsumi Hijikata był pionierem nowej formy postmodernistycznego tańca o nazwie Butoh, a dramaturdzy tacy jak Jūrō Kara i Satō Makoto stworzyli Angurski styl radykalnego „podziemnego” teatru. A w fotografii, fotografowie tacy jak Daidō Moriyama zapoczątkowali niezwykle wpływową nową szkołę powojennej fotografii, która podkreślała spontaniczność nad starannie zainscenizowaną kompozycją i celebrowała cechy „are, bure, bokeh” (dosłownie „szorstki, rozmyty, out-of-focus”).

rozprzestrzenianie się nowych rodzajów sztuki było wspierane przez ogromny wzrost japońskiej gospodarki w latach 60., zapamiętany jako „Japoński cud gospodarczy.”W ciągu lat 60. japońska gospodarka rosła o ponad 10% rocznie. Rosnące bogactwo stworzyło nową klasę konsumentów, którzy mogli sobie pozwolić na wydawanie pieniędzy na sztukę i wspieranie różnych rodzajów sztuki i artystów. Po raz pierwszy we współczesnej historii Japonii, znaczącej liczbie artystów stało się opłacalne zarabianie na życie wyłącznie poprzez sprzedaż swojej sztuki. Boom budowlany w Japonii w latach 60., który zrównał starą drewniano-papierową tradycyjną japońską architekturę i zastąpił ją błyszczącymi mega-miastami Ze Szkła i stali, pomógł zainspirować zupełnie nowe szkoły japońskiej architektury, takie jak ruch metabolizm (Architektura) kierowany przez Kenzō Tange, który odważnie zerwał się z konwencjonalnymi modelami i okazał się wpływowy na całym świecie.

jednocześnie jednak świat sztuki pozostawał zdominowany przez kliki, które promowały prace niektórych (zazwyczaj męskich) artystów nad innymi. Ponieważ w latach 60.Japończykom podróżowanie za granicę stało się o wiele łatwiejsze, niektóre artystki, takie jak Yayoi Kusama i Yoko Ono, znalazły lepszy odbiór za granicą i zaczęły pracować w ośrodkach artystycznych, takich jak Londyn, Paryż i Nowy Jork, podobnie jak wielu artystów męskich.

triumf nowych form sztuki japońskiej utrwalił się na światowych targach w Osace w 1970 roku, gdzie zatrudniono kilkudziesięciu artystów awangardowych i konceptualnych do projektowania pawilonów i doświadczeń artystycznych dla zwiedzających. Japońska sztuka awangardowa stała się globalna i stała się czymś, co nawet konserwatywny rząd z dumą mógł pokazać światu.

Lata 70.i 80.: Jazda na bańce ekonomicznejedit

w latach 70. i 80. sztuka japońska była kontynuowana w wielu kierunkach zapoczątkowanych w latach 50. i 60., ale często przy znacznie większych budżetach i droższych materiałach. W miarę jak japońska gospodarka szybko się rozwijała i ostatecznie stała się jedną z największych bańek gospodarczych w historii. Wraz z niezwykle silną japońską walutą w wyniku porozumienia Plaza Accord z 1985 roku, Japońskie osoby i instytucje stały się głównymi graczami na międzynarodowym rynku sztuki. Niezwykle bogate Japońskie korporacje zaczęły budować własne prywatne muzea sztuki i nabywać kolekcje sztuki nowoczesnej i współczesnej, a japońscy artyści znacznie skorzystali również na tych wydatkach.

w szczególności produkcja artystyczna kontynuowała tendencje od tradycyjnego malarstwa i rzeźby w kierunku projektowania graficznego, pop-artu, sztuki Noszenia, Sztuki performance, sztuki konceptualnej i sztuki instalacji. Różne rodzaje sztuki „hybrydowej” coraz bardziej stawały się modne. Wraz z rozwojem technologii artyści coraz częściej włączali do swojej sztuki elektronikę, wideo, Komputery, syntetyzowaną muzykę i dźwięki oraz gry wideo. Estetyka mangi i anime, w którą tak wielu młodych artystów dorastało, wywierała coraz większy, a czasem dość subtelny wpływ. Przede wszystkim artyści unikali wszystkiego, co na nowo „sztuki wysokiej” czy „sztuki pięknej”, na rzecz tego, co osobiste, eklektyczne, fantastyczne czy fantasmagoryczne i figlarne. W edycji artystki takie jak Mika Yoshizawa stawały się coraz bardziej akceptowane i wspierane przez świat sztuki w Japonii.

Sztuka współczesna w Japoniiedit

japońska sztuka współczesna przyjmuje tak wiele form i wyraża tak wiele różnych idei, jak Światowa Sztuka współczesna w ogóle. Od reklam, anime, gier wideo i architektury, jak już wspomniano, po rzeźbę, malarstwo i rysunek we wszystkich niezliczonych formach. Japońscy artyści wnieśli szczególnie znaczący wkład w światową sztukę współczesną w dziedzinie architektury, gier wideo, projektowania graficznego, mody, a być może przede wszystkim animacji. Podczas gdy anime na początku pochodzą głównie z opowieści mangi, różnorodne anime obfituje dzisiaj, a wielu artystów i studia wzrosły do wielkiej sławy jako artyści; Hayao Miyazaki i artyści i animatorzy Studia Ghibli są ogólnie uważane za jedne z najlepszych świata anime ma do zaoferowania.

jednocześnie wielu japońskich artystów nadal korzysta z tradycyjnych japońskich technik artystycznych i materiałów odziedziczonych z czasów przednowoczesnych, takich jak tradycyjne formy japońskiego papieru i ceramiki oraz malowanie czarnym i kolorowym tuszem na papierze lub jedwabiu. Niektóre z tych dzieł przedstawiają tradycyjne tematy w tradycyjnych stylach, podczas gdy inne badają nowe i różne motywy i style lub tworzą hybrydy tradycyjnych i współczesnych form sztuki, korzystając z tradycyjnych mediów lub materiałów. Jeszcze inni unikają rodzimych mediów i stylów, obejmując Zachodnie farby olejne lub dowolną liczbę innych form.

w rzeźbie, to samo dotyczy; niektórzy artyści trzymają się tradycyjnych trybów, niektórzy robią to z nowoczesnym stylem, a niektórzy wybierają Zachodnie lub zupełnie nowe tryby, style i media. Yo Akiyama jest jednym z wielu współczesnych Japońskich rzeźbiarzy. Zajmuje się przede wszystkim ceramiką glinianą i ceramiką, tworząc dzieła bardzo proste i proste, wyglądające jakby powstały z samej ziemi. Inny rzeźbiarz, używając żelaza i innych nowoczesnych materiałów, zbudował dużą nowoczesną rzeźbę artystyczną w izraelskim mieście portowym Hajfa, zwaną Hanabi (fajerwerki). Nahoko Kojima jest współczesnym artystą Kirie, który jest pionierem techniki cięcia papieru rzeźby, która wisi w 3D.

Takashi Murakami jest prawdopodobnie jednym z najbardziej znanych japońskich współczesnych artystów w świecie zachodnim. Murakami i inni artyści w jego studio tworzą utwory w stylu inspirowanym anime, które nazwał „superflat”. Jego prace przybierają różne formy, od malarstwa po rzeźbę, niektóre naprawdę masywne. Ale większość, jeśli nie wszystkie pokazują bardzo wyraźnie ten wpływ anime, wykorzystując jasne kolory i uproszczone szczegóły.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano i Tabaimo są uważani za znaczących artystów w dziedzinie współczesnej sztuki japońskiej. Grupa 1965, kolektyw artystyczny, zalicza do swoich członków współczesnego artystę Makoto Aidę.