3000-2000 F. KR.
- Jō artEdit
- Tidlig J@mon perioderediger
- Midtre Jō periodEdit
- Siste Og Siste Jō periodEdit
- Yayoi artEdit
- Kofun artEdit
- Asuka og Nara artEdit
- Heian artEdit
- Kamakura artEdit
- Muromachi artEdit
- Azuchi-Momoyama artEdit
- Kunst Av Edo periodenrediger
- Kunst Av Forkrigstidenrediger
- Arkitektur og GardenEdit
- Emaljeredit
- MetalworkEdit
- TextilesEdit
- Etterkrigstidens kunstrediger
- 1950-tallet: Sliter med å bryte fri fra sosialistisk realisme [rediger / rediger kilde] i løpet av 1950-tallet ble Mange Japanske kunstnere i økende grad desillusjonert over Den stive og begrensede definisjonen av «kunst» som Ble håndhevet av Kommunistpartiet. Men på grunn av Den pågående overlegenhet Av Kommunistpartiets medlemmer og støttespillere i de ledende rekkene av kunstneriske foreninger og utstillings juryer, kunstnere fant det ekstremt vanskelig å selv vise sin kunst med mindre De er i samsvar Med Partiets retningslinjer. Noen kunstnere skvatt unna formelle offentlige utstillinger. Andre søkte anerkjennelse, økonomisk støtte og muligheter til å vise sin kunst i utlandet, som Gutai group of conceptual artists, grunnlagt i 1954. Fortsatt andre kunstnere benyttet seg av de få urørte,» uavhengige » utstillingene I Japan, som Yomiuri Independent Exhibition sponset Av Yomiuri Shinbun, som alle kunne komme inn på.Et siste strået kom med de massive 1960 Anpo-Protestene mot SIKKERHETSAVTALEN MELLOM Usa Og Japan (kjent som «Anpo» På Japansk») gjør til den ekstremt passive rollen som det angivelig «vanguard» Kommunistpartiet spilte. Da protestene ikke klarte å stoppe avtalen, førte en runde med bebreidelser til ytterligere desillusjonering med Kommunistpartiet og sosialistisk realistisk kunst, noe som førte til at mange flere kunstnere brøt Seg bort fra Partiets innflytelse. 1960-tallet: en eksplosjon av nye sjangerrediger
- the 1970s and 1980s: Riding the economic bubbleEdit
- Samtidskunst I JapanEdit
Jō artEdit
Den første bosetterne i japan var jō – folket (ca.10.500-ca. 300 f. kr.), oppkalt etter snormarkeringene som dekorerte overflatene på leirefartøyene deres, var nomadiske jegere og samlere som senere praktiserte organisert oppdrett og bygget byer med befolkninger på hundrevis om ikke tusenvis. De bygget enkle hus av tre og tekke satt i grunne skrøpelige groper for å gi varme fra jord. De laget overdådig dekorerte keramikk lagringsfartøy, leire figurer kalt dogū, og krystall juveler.
Tidlig J@mon perioderediger
I Løpet Av Den Tidlige Jō perioden (5000-2500 F. KR.), begynte landsbyer å bli oppdaget og vanlige hverdagslige gjenstander ble funnet som keramiske potter beregnet for kokende vann. Pottene som ble funnet i løpet av denne tiden hadde flate bunner og hadde forseggjort design laget av materialer som bambus. I tillegg, et annet viktig funn var de tidlige jō figurer som kan ha blitt brukt som fruktbarhet objekter på grunn av brystene og hevelse hofter som de utstilt.
Midtre Jō periodEdit
Jar; midtre til sen Jomon periode; 35.-11. århundre f. KR. Den Midterste j@mon perioden (2500-1500 F. Kr.), i motsetning til den tidlige jō perioden på mange måter. Disse menneskene ble mindre nomadiske og begynte å bosette seg i landsbyer. De skapte nyttige verktøy som var i stand til å behandle maten de samlet og jaktet som gjorde livet lettere for dem. Gjennom de mange estetisk tiltalende keramikkene som ble funnet i denne tidsperioden, er det tydelig at disse menneskene hadde en stabil økonomi og mer fritid for å etablere vakre stykker. I Tillegg skilte folket i Den Midtre Jō perioden seg fra sine tidligere forfedre fordi de utviklet fartøy i henhold til deres funksjon, for eksempel produserte de potter for å lagre varer. Dekorasjonene på disse fartøyene begynte å bli mer realistiske i motsetning Til Den tidlige jō keramikken. Samlet sett økte produksjonen av verk ikke bare i denne perioden, men disse personene gjorde dem mer dekorative og naturalistiske.
Siste Og Siste Jō periodEdit
div >
I Løpet Av Den Sene Og Siste Jō perioden (1500-300 f.kr.) begynte været å bli kaldere, og tvang dem derfor til å bevege seg bort fra fjellene. Den viktigste matkilden i løpet av denne tiden var fisk, noe som fikk dem til å forbedre sine fiskeforsyninger og verktøy. Denne fremgangen var en svært viktig prestasjon i løpet av denne tiden. I tillegg økte antallet fartøy i stor grad, noe som muligens kunne konkludere med at hvert hus hadde sin egen figur som ble vist i dem. Selv om ulike fartøy ble funnet I Løpet Av Slutten Og Siste Jō Perioden, disse bitene ble funnet skadet som kan tyde på at de brukte dem for ritualer. I tillegg ble figurer også funnet og ble preget av deres kjøttfulle kropper og briller som øyne.
Dogū
Dogū («jordfigur») Er små humanoide og dyrefigurer laget i løpet av Den senere delen Av Jō perioden. De ble laget over Hele Japan, unntatt Okinawa. Noen forskere teoretisere hundenū fungerte som figurer av mennesker, som manifesterte en slags sympatisk magi. Dogū er laget av leire og er små, vanligvis 10 til 30 cm høye. De fleste av figurene synes å være modellert som kvinne, og har store øyne, små midjer og brede hofter. De anses av mange å være representative for gudinner. Mange har store buker forbundet med graviditet, noe som tyder på At Jomon betraktet dem som modergudinner.
Yayoi artEdit
Den neste bølgen av innvandrere var Yayoi-folket, oppkalt etter Distriktet I Tokyo hvor rester av deres bosetninger først ble funnet. Disse menneskene, som ankom Japan rundt 300 F. KR., brakte sin kunnskap om våtmarksrisdyrking, produksjon av kobbervåpen og bronseklokker (dō), og hjulkastet, ovnfyrt keramikk.
-
bronse speil utgravd i tsubai-otsukayama kofun, yamashiro, kyoto
karmaisk krukke fra yayoi-perioden
ulike rituelle yayoi keramikkverksteder fra yoshinogari-siden
-
yayoi oppbevaringsboks fra 500 F.KR. – 200 CE
Kofun artEdit
Asuka og Nara artEdit
en drage-head pitcher Med Pegasus mønster radert, forgylt bronse med sølv, Asuka periode, 7.århundre, tidligere Horyu-ji Tempel skatter
div under asuka-og nara-periodene, så kalt fordi setet til den japanske regjeringen var lokalisert i asuka-dalen fra 542 til 645 og i byen nara til 784, fant den første betydelige tilstrømningen av kontinental asiatisk kultur sted i japan.overføringen Av Buddhismen ga den første drivkraften for kontakter Mellom Kina og Japan. Japanerne anerkjente fasetter Av Kinesisk kultur som kan lønnsomt bli innlemmet i sin egen: et system for å konvertere ideer og lyder til å skrive; historiografi; komplekse teorier om regjeringen, slik som en effektiv byråkrati; og, viktigst for kunst, nye teknologier, nye byggeteknikker, mer avanserte metoder for støping i bronse, og nye teknikker og media for maleri.Gjennom det 7. og 8. århundre var imidlertid hovedfokuset i kontakter Mellom Japan og Det Asiatiske kontinentet Utviklingen Av Buddhismen. Ikke alle forskere er enige om de viktige datoene og de riktige navnene som skal gjelde for ulike tidsperioder mellom 552, den offisielle datoen For innføringen Av Buddhismen I Japan, og 784, da Den Japanske hovedstaden ble overført fra Nara. De vanligste betegnelsene Er Suiko-perioden, 552-645; Hakuhō-perioden, 645-710, Og Tenpyō-perioden, 710-784.
-
hokkedō på tō-ji, 8.århundre
De Tidligste Japanske Skulpturer av buddha er datert til det 6. og 7. århundre. De kommer til slutt fra 1. til 3. århundre E. Kr. Gresk-Buddhistisk kunst Av Gandhara, preget av flytende kjole mønstre og realistisk gjengivelse, som Kinesiske kunstneriske egenskaper ble lagt over. Etter At Den Kinesiske Nordlige Wei buddhistiske kunsten hadde infiltrert en koreansk halvøy, Ble Buddhistiske ikoner brakt Til Japan av ulike innvandrergrupper. Spesielt ble den semi-sittende Maitreya-formen tilpasset til en høyt utviklet Gammel gresk kunststil som ble overført Til Japan, noe Som fremgår Av kōryū-Ji Miroku Bosatsu og Chūgū-Ji Siddhartha-statuene. Mange historikere skildre Korea som en ren sender Av Buddhismen. De Tre Kongedømmer, og spesielt Baekje, var medvirkende som aktive agenter i introduksjonen og dannelsen Av En Buddhistisk tradisjon I Japan i 538 eller 552.De illustrerer terminalpunktet For Silkeveiens overføring av kunst i løpet av de første århundrene i vår tid. Andre eksempler kan bli funnet i utviklingen av ikonografien Til Den Japanske Fū Vindguden, Niō guardians, og de nesten Klassiske blomstermønstrene i tempeldekorasjoner.
de tidligste Buddhistiske strukturene som fortsatt eksisterer I Japan, og de eldste trebygningene I Det Fjerne Østen er funnet På Hōū-ji sørvest For Nara. Først bygget i begynnelsen av det 7. århundre Som det private tempelet Til Kronprins Shō, består det av 41 uavhengige bygninger. De viktigste tilbedelseshallen, Eller Kondō (Golden Hall), Og Gojū-no-tō (Fem-etasjers Pagode), står midt i et åpent område omgitt av et takkloster. Kondō, i Stil Med Kinesiske tilbedelseshaller, er en to-etasjers struktur av post-og-bjelkekonstruksjon, avkortet av et irimoya eller valmtak av keramiske fliser.
Inne I Kondō, på en stor rektangulær plattform, er noen av de viktigste skulpturene i perioden. Det sentrale bildet er En Shaka Trinity (623), den historiske Buddha flankert av to bodhisattvaer, skulptur støpt i bronse av skulptøren Tori Busshi (blomstret tidlig 7. århundre) i hyllest til den nylig avdøde Prins Shō. På de fire hjørnene på plattformen er Vokterkongene I De Fire Retningene, skåret i tre rundt 650. Tamamushi-Helligdommen, en trekopi Av En Kondō, ligger også på En høy trebunn som er dekorert med figurmalerier utført i et medium av mineralpigmenter blandet med lakk.
Tempelbygningen i det 8. århundre var fokusert rundt Tō – ji I Nara. Bygget som hovedkvarter for et nettverk av templer i hver av provinsene, Er Tō det mest ambisiøse religiøse komplekset reist i De Tidlige århundrene Av Buddhistisk tilbedelse i Japan. Passende Er 16.2-m (53-ft) Buddha (fullført 752) nedfelt I Hoved Buddha hall, Eller Daibutsuden, En Rushana Buddha, figuren som representerer Essensen Av Buddhahood, akkurat Som Tō Representerte senter for Imperially sponset Buddhisme og dens formidling i Hele Japan. Bare noen få fragmenter av den opprinnelige statuen overlever, og den nåværende hall Og sentrale Buddha er rekonstruksjoner fra Edo-perioden.
Klynget Rundt Daibutsuden på en svakt skrånende åsside er en rekke sekundære haller: Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), med sitt hovedbilde, Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, den mest populære bodhisattva), laget av tørr lakk (klut dyppet i lakk og formet over en trearmatur); kaidanin (戒壇院, Ordinasjonshall) Med sine praktfulle leire statuer Av De Fire vokterkongene; og lagerhuset, kalt Shōō. Denne siste strukturen er av stor betydning som en kunsthistorisk cache, fordi det er lagret redskapene som ble brukt i templets innvielsesseremoni i 752, øyeåpningsritualet For Rushana-bildet, samt regjeringsdokumenter og mange verdslige gjenstander eid av Den Keiserlige familien.
Choukin (eller chō), kunsten med metallgravering eller skulptur, antas å ha startet i Nara-perioden.
Heian artEdit
taishakuten hryvakra, 839, tō-ji
i 794 hovedstaden i japan ble offisielt overført til heian-ky@akra (dagens kyoto), der det forble til 1868. Begrepet Heian periode refererer til årene mellom 794 og 1185, da Kamakura shogunate ble etablert på slutten Av Genpei Krigen. Perioden er videre delt inn i Tidlig Heian Og Sen Heian, Eller Fujiwara era, den sentrale datoen er 894, året keiserlige ambassader Til Kina ble offisielt avviklet.
Tidlig Heian kunst: som reaksjon på den voksende rikdom og kraft av organisert Buddhisme I Nara, reiste presten K Hryvnai (best kjent med sin posthumme tittel Kōbō Daishi, 774-835) til Kina for å studere Shingon, En form For Vajrayana Buddhisme, som han introduserte I Japan i 806. I Kjernen Av shingon tilbedelse er mandalas, diagrammer av det åndelige universet, som deretter begynte å påvirke tempel design. Japansk Buddhistisk arkitektur også vedtatt stupa, opprinnelig En Indisk arkitektonisk form, I sin kinesisk stil pagoda.
templene reist for denne nye sekten ble bygget i fjellene, langt borte fra Retten og lekene i hovedstaden. Den uregelmessige topografien på disse stedene tvang Japanske arkitekter til å revurdere problemene med tempelkonstruksjon, og dermed velge flere innfødte elementer av design. Cypress-bark tak erstattet de av keramiske fliser, treplanker ble brukt i stedet for jordgulv, og et eget tilbedelsesområde for lekfolket ble lagt foran hovedhelligdommen.tempelet som best reflekterer ånden til tidlige Heian Shingon-templer, Er Murō-ji (tidlig 9. århundre), satt dypt i et stativ av sypresser på et fjell sørøst for Nara. Trebildet (også tidlig i det 9. århundre) Av Shakyamuni, Den» historiske » Buddha, nedfelt i en sekundær bygning Ved Murō-ji, er typisk for den tidlige Heian-skulpturen, med sin tunge kropp, dekket av tykke draperifeller skåret i honpa-shiki (rullende bølge) stil, og dens strenge, tilbaketrukne ansiktsuttrykk.Fujiwara art: I Fujiwara-perioden ble Ren Landbuddhisme, som tilbød lett frelse gjennom tro På Amida (Buddha I Det Vestlige Paradiset), populær. Denne perioden er oppkalt Etter Fujiwara-familien, den mektigste i landet, som regjerte som regenter for Keiseren, og ble faktisk sivile diktatorer. Samtidig Utviklet Kyoto-adelen et samfunn viet til elegante estetiske sysler. Så sikker og vakker var deres verden at De ikke kunne tenke På Paradis som å være mye annerledes. De skapte En Ny Form For Buddha hall, Amida hall, som blander sekulære med religiøse, og huser en Eller Flere Buddha bilder innenfor en struktur som ligner herskapshus av adelen.
Byōdō-i Phoenix Hall, Uji, KyotoHō-ō-dō (Phoenix Hall, fullført 1053) av Byōdō-i, et tempel i Uji sørøst for Kyoto, er forbilde av Fujiwara Amida haller. Den består av en hoved rektangulær struktur flankert av to L-formede vinge korridorer og en hale korridor, satt på kanten av en stor kunstig dam. Innvendig er Et enkelt gyldent bilde Av Amida (c. 1053) installert på en høy plattform. Amida-skulpturen ble utført Av Jōō, som brukte en ny kanon av proporsjoner og en ny teknikk (yosegi), der flere treverk er skåret ut som skall og sammenføyet fra innsiden. Anvendt på veggene i hallen er små relieffutskjæringer av himmelen, verten antas å ha ledsaget Amida da Han stammer fra Det Vestlige Paradiset for å samle de troendes sjeler i dødsøyeblikket og transportere dem i lotusblomstrer Til Paradis. Raigō malerier på tredørene Til Hō-ō-dō, som viser Nedstigningen Til Amida Buddha, er et tidlig eksempel På Yamato-e, japansk stilmaleri, og inneholder representasjoner av naturen rundt Kyoto.
«YUGIRI» Av Genji Monogatari Emaki
(絵巻, opplyst. «bilde bla»), kom i forgrunnen. Datert fra rundt 1130, Genji Monogatari Emaki, en berømt illustrert Fortelling om Genji representerer den tidligste overlevende yamato – e handscroll, Og et av høydepunktene I Japansk maleri. Skrevet om år 1000 Av Murasaki Shikibu, en dame i vente Til Keiserinne Shō, handler romanen Om Livet Og kjærligheten Til Genji og Heian-retten etter hans død. Det 12. århundre kunstnere av e-maki versjon utviklet et system av billedkonvensjoner som formidler visuelt det emosjonelle innholdet i hver scene. I andre halvdel av århundret ble en annen, livligere stil med kontinuerlig fortellende illustrasjon populær. Ban Dainagon Ekotoba (slutten av det 12. århundre), en rulle som omhandler en intriger ved retten, legger vekt på figurer i aktiv bevegelse avbildet i raskt utførte penselstreker og tynne, men levende farger.
E-maki tjener også som noen av de tidligste og største eksemplene på otoko – e («menns bilder») og onna-e («kvinners bilder») stiler av maleri. Det er mange fine forskjeller i de to stilene, tiltalende til de estetiske preferansene til kjønnene. Men kanskje lettest merkbar er forskjellene i emnet. Onna-e, illustrert Av Historien Om Genji handscroll, vanligvis omhandler retten liv, spesielt hoffdamer, og med romantiske temaer. Otoko-e registrerte ofte historiske hendelser, spesielt kamper. Beleiringen Av Sanjō Palace (1160), avbildet i» Natt Angrep På Sanjō Palace » delen Av Heiji Monogatari handscroll er et kjent eksempel på denne stilen.
Kamakura artEdit
rig brøt ut Mellom de to mektigste Krigerklanene: taira og minamoto; fem år senere kom minamoto seirende ut og etablerte et de facto regjeringssete ved kystlandsbyen kamakura, hvor den ble værende til 1333. Med maktskiftet fra adelen til krigerklassen måtte kunsten tilfredsstille et nytt publikum: menn viet til ferdigheter i krigføring, prester forpliktet til å gjøre Buddhismen tilgjengelig for analfabeter vanlige, og konservative, adelen og noen medlemmer av presteskapet som angret den fallende makten til retten. Således karakteriserer realisme, en populariserende trend og en klassisk vekkelse kunsten I Kamakura-perioden. I Kamakuraperioden forble Kyoto og Nara sentrum for kunstnerisk produksjon og høykultur.
Detalj Av Muchaku På Kōfuku-ji, Nara Av Unkei Skulptur: Kei school of sculptors, spesielt Unkei, skapte en ny, mer realistisk stil av skulptur. De To Niō guardian-bildene (1203) i Den Store Sørporten Til Tō-ji i Nara illustrerer Unkeis dynamiske supra-realistiske stil. Bildene, ca 8 m (ca 26 ft) høye, ble skåret av flere blokker i en periode på ca tre måneder, en prestasjon som indikerer et utviklet studio system av håndverkere som arbeider under ledelse av en mester skulptør. Unkeis polykromerte treskulpturer (1208, K ④ufuku-ji, Nara) av To Indiske vismenn, Muchaku og Seshin, de legendariske grunnleggerne Av Hossō-sekten, er blant de mest oppnådde realistiske verkene i perioden; Som gjengitt Av Unkei, er De bemerkelsesverdig individualiserte og troverdige bilder. En Av de mest kjente verkene i denne perioden er En Amitabha-Triade (fullført i 1195), i Jō-ji in Ono, skapt Av Kaikei, Unkeis etterfølger.
Kalligrafi og maleri: Kegon Engi Emaki, den illustrerte historien om grunnleggelsen Av Kegon-sekten, er et utmerket eksempel på den populariserende trenden I kamakura-maleri. Kegon-sekten, en av De viktigste I Nara-perioden, falt på vanskelige tider under oppstigningen av De Rene landsektene. Etter Genpei-Krigen (1180-1185) forsøkte Priest Myō av Kō-ji å gjenopplive sekten og også å gi et tilfluktssted for kvinner som var enke av krigen. Samuraiens hustruer hadde blitt frarådet å lære mer enn et stavelsessystem for å transkribere lyder og ideer (se kana), og de fleste var ikke i stand til å lese tekster som brukte Kinesiske ideografer (kanji).Således kombinerer Kegon Engi Emaki passasjer av tekst, skrevet med maksimalt lett lesbare stavelser, og illustrasjoner som har dialogen mellom tegn skrevet ved siden av høyttalerne, en teknikk som kan sammenlignes med samtidige tegneserier. Handlingen i e-maki, livene til de to koreanske prester som grunnla Kegon sekten, er raskt tempo og fylt med fantastiske bragder som en reise til Palace Of The Ocean King, og en gripende mamma historie.Et arbeid i en mer konservativ vene er den illustrerte versjonen Av Murasaki Shikibus dagbok. E-maki versjoner av hennes roman fortsatte å bli produsert, men adelen, tilpasset den nye interessen for realisme ennå nostalgisk for siste dagene av rikdom og makt, gjenopplivet og illustrert dagbok for å gjenerobre prakt av forfatterens ganger. En av de vakreste passasjer illustrerer episoden Der Murasaki Shikibu lekent holdt fange i hennes rom av to unge hoffmenn, mens, like utenfor, måneskinn skinner på mosegrodd bredden av en bekk i den keiserlige hagen.
Muromachi artEdit
Under Muromachi-perioden (1338-1573), også kalt Ashikaga-perioden, fant en dyp forandring sted I Japansk kultur. Ashikaga-klanen tok kontroll over shogunatet og flyttet hovedkvarteret tilbake til Kyoto, Til Muromachi-distriktet i byen. Med regjeringens retur til hovedstaden kom de populariserende trendene I Kamakuraperioden til slutt, og kulturuttrykket tok en mer aristokratisk, elitistisk karakter. Zen Buddhisme, Ch ‘ an sekten tradisjonelt antatt å ha blitt grunnlagt I Kina i Det 6. århundre, ble introdusert for andre gang I Japan og slo rot.
Karesansui Av Ryō-Ji, Kyoto Maleri: På grunn av sekulære ventures og handel oppdrag Til Kina organisert Av Zen templer, mange Kinesiske malerier og gjenstander av kunst ble importert Til Japan og dypt påvirket Japanske kunstnere som arbeider For Zen templer og shogunatet. Ikke bare gjorde disse import endre gjenstand for maleri, men de også endret bruk av farge; De lyse fargene Yamato-e gitt til monokromer av maleri På Kinesisk måte, hvor malerier generelt bare har svart og hvitt eller ulike toner av en enkelt farge.Typisk For Tidlig Muromachi maleri er skildringen av prest-maleren Kao (aktiv tidlig 15. århundre) av den legendariske munken Kensu (Hsien-tzu På Kinesisk) i det øyeblikket han oppnådde opplysning. Denne typen maleri ble utført med raske penselstreker og et minimum av detaljer. Fange En Steinbit Med En Gourd (tidlig 15. århundre, Taizō-in, Myō-Ji, Kyoto), av presten-maleren Josetsu (aktiv c. 1400), markerer et vendepunkt I Muromachi maleri. Den ble opprinnelig utført for en lavstående skjerm, og har blitt remontert som en hengende rulle med inskripsjoner av samtidige figurer ovenfor, hvorav en refererer til maleriet som i «ny stil». I forgrunnen er en mann avbildet på bredden av en bekk som holder en liten kalebass og ser på en stor slithery steinbit. Tåke fyller midt bakken, og bakgrunnen fjellene ser ut til å være langt i det fjerne. Det er generelt antatt at den «nye stilen» av maleriet, utført ca 1413, refererer til En Mer Kinesisk følelse av dypt rom i bildeplanet.
de fremste artistene i Muromachi-perioden er prestemalerne Sh@bun og Sesshū. Sh ③bun, en munk Ved Kyoto-tempelet I Shōkoku-ji, opprettet i maleriet Lesing i En Bambuslund (1446) et realistisk landskap med dyp resesjon i rommet. Sessh③, i motsetning til de fleste kunstnere i perioden, var i stand til å reise Til Kina og studere Kinesisk maleri ved kilden. Landskap Av De Fire Årstider (Sansui Chokan; c. 1486) er Et Av Sessus mest oppnådde verk, og skildrer et kontinuerlig landskap gjennom de fire årstider.
Azuchi-Momoyama artEdit
Himeji Slott, bygget i 1580-1609 I Azuchi–momoyama-perioden (1573-1603), en rekke militære ledere, som oda nobunaga, toyotomi hideyoshi og tokugawa ieyasu, forsøkte å bringe fred og politisk stabilitet til japan etter en tid med nesten 100 års krigføring. Oda, en mindre høvding, fikk makt nok til å ta de facto kontroll over regjeringen i 1568, og fem år senere, for å fjerne Den siste Ashikaga shō. Hideyoshi tok kommandoen etter Oda død, men hans planer om å etablere arvelig styre ble hindret av Ieyasu, som etablerte Tokugawa shogunatet i 1603.
Sypresser Avō, sammenleggbar skjerm av Kanō Eitoku, 1590 Maleri: Den viktigste skolen for maleri I Momoyama-perioden var Den Av Kanō skolen, og den største innovasjonen av perioden var formelen, utviklet av kanō eitoku, for å skape monumentale landskap på skyvedørene som omslutter et rom. Utsmykningen av hovedrommet som vender mot hagen Til Jukō-in, en undergruppe Av Daitoku-ji (Et Zen-tempel I Kyoto), er kanskje Det beste bevarte eksempelet På Eitoku arbeid. Et massivt ume-tre og twin pines er avbildet på par glidende skjermer i diagonalt motsatte hjørner, deres trunker gjentar vertikalene til hjørnepostene og deres grener strekker seg til venstre og høyre, forener de tilstøtende panelene. Eitoku skjerm, Kinesiske Løver, også I Kyoto, avslører fet, fargerike stil maleri foretrukket av samurai.
Hasegawa T Hryvhaku, en samtid Av Eitoku, utviklet en noe annerledes og mer dekorativ stil for store skjermmalerier. I Sin Lønneskjerm (楓図), nå i tempelet til chishaku-in (ja:智積院), kyoto, Plasserte han stammen av treet i midten og utvidet lemmer nesten til kanten av komposisjonen, og skaper et flatere, mindre arkitektonisk arbeid enn eitoku, Men et visuelt nydelig maleri. Hans seksfoldige skjerm, Furuskog (松林図), er en mesterlig gjengivelse i monokrom blekk av en lund av trær innhyllet i tåke.
Kunst Av Edo periodenrediger
Vindgud Og Tordengud, Tawaraya Sō, 17.århundre
Tokugawa-shogunatet fikk ubestridt kontroll Over regjeringen i 1603 med en forpliktelse til å bringe fred og økonomisk og politisk stabilitet til landet; i stor grad var det vellykket. Shogunatet overlevde til 1867, da det ble tvunget til å kapitulere på grunn av at Det ikke klarte å håndtere press Fra Vestlige nasjoner for å åpne landet for utenrikshandel. Et av De dominerende temaene I Edo-perioden var shogunatets undertrykkende politikk og kunstnerens forsøk på å unnslippe disse strenghetene. Den fremste av disse var lukking av landet til utlendinger og accoutrements av deres kulturer, og ileggelse av strenge koder for atferd som påvirker alle aspekter av livet, klærne man hadde på seg, den personen man gift, og aktiviteter man kunne eller ikke bør forfølge.
i De tidlige årene Av Edo-perioden hadde Imidlertid Den fulle effekten Av Tokugawa-politikken ennå ikke blitt følt, og Noen Av Japans fineste uttrykk i arkitektur og maleri ble produsert: Katsura-Palasset I Kyoto og maleriene Til Tawaraya Sō, pioner i rinpa-skolen.
Circuit Stil Japansk hage K ④raku-en I Okayama, begynt i 1700Treblokk utskrift: Treblokk utskrifter ble opprinnelig brukt til å oversette Buddhistiske skrifter i Det åttende århundre I Japan. Treplaten utskrift består av gravering av bilder eller bilder på et stykke tre, som deretter presses mot et stykke papir. I det åttende århundre treplaten ble ansett som en praktisk metode for reproduksjon av trykt tekst inntil ytterligere innovasjoner tillatt for farge som skal oversettes på papir eller bedre kjent Som Nishik-e utskrifter. Treblokkutskrift var den vanlige metoden for utskrift fra ellevte til det nittende århundre. Nishiki-e prints produserte varer som kalendere som ofte ble solgt til velstående medlemmer av samfunnet i Edo-perioden. I Edo-perioden ble disse trykkene avbildet hendelser og scener av fremtredende skuespillere. Ukiyo deretter ble assosiert med treblokk utskrift i tidlig Edo periode. Disse Ukiyo malerier avbildet dagliglivet til fremtredende medlemmer av samfunnet. Ukiyo først startet som hånd sculpted ruller avbildet livet som en vanlig vanlig.Katsura Frittliggende Palass, bygget i etterligning Av Genjis palass, inneholder en klynge av shoin-bygninger som kombinerer elementer av klassisk Japansk arkitektur med innovative restaureringer. Hele komplekset er omgitt av en vakker hage med stier for turgåing.Mange av kraftige daimyō (føydalherrer) bygget En Krets stil Japansk hage i territoriet landet, og konkurrerte om skjønnheten.
Maleri: Sō utviklet en suveren dekorativ stil ved å gjenskape temaer fra klassisk litteratur, ved hjelp av briljant fargede figurer og motiver fra den naturlige verden satt mot gullbladbakgrunn. En av hans fineste arbeider er de to skjermene The Waves på Matsushima I Freer Gallery I Washington, DC. Et århundre senere, omarbeidet Kōrin Sō stil og skapte visuelt nydelige verk unikt sin egen. Kanskje hans fineste er skjermmaleriene Av Røde Og Hvite Plommeblomster.
Skulptur: Den Buddhistiske munken Enkū skåret 120.000 Buddhistiske bilder i en grov, individuell stil.
Tre Skjønnheter I Dag, av Utamaro, ca. 1793
plutselig dusj ved atake-broen, hiroshige, 1856
Ukiyo-e og nanga (bunjinga): den kunstskolen som er best kjent i vesten, er den av ukiyo-e-maleriene og treblokkutskriftene fra den vestlige verden.demimonde, kabuki-teaterets verden og fornøyelsesdistriktene. Ukiyo – e utskrifter begynte å bli produsert i slutten av det 17. århundre; I 1765 Harunobu produsert den første polykromtrykk. Trykkdesignere av neste generasjon, Inkludert Torii Kiyonaga og Utamaro, skapte elegante og noen ganger innsiktsfulle skildringer av kurtisaner.i det 19. århundre var De dominerende figurene Hokusai Og Hiroshige, sistnevnte en skaper av romantiske og noe sentimentale landskapstrykk. De ulike vinkler Og former Som Hiroshige ofte sett landskapet, Og arbeidet Med Kiyonaga Og Utamaro, med sin vekt på flate fly og sterke lineære skisserer, hadde en dyp innvirkning På Slike Vestlige kunstnere Som Edgar Degas og Vincent van Gogh. Via kunstverk holdt I Vestlige museer, de samme grafikere ville senere utøve en kraftig innflytelse på bilder og estetiske tilnærminger som brukes av tidlige Modernistiske poeter Som Ezra Pound, Richard Aldington og H. D.en malerskole samtidig med ukiyo-e var nanga, eller bunjinga, en stil basert på malerier utført av Kinesiske lærde-malere. Akkurat som ukiyo-e kunstnere valgte å skildre figurer fra livet utenfor strictures Av Tokugawa shogunate, bunjin kunstnere slått Til Kinesisk kultur. Eksempler på denne stilen er Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden og Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).
Keramikk
Hovedartikler: Japansk keramikk og porselen og Japansk eksport porselenTradisjonelle, for det meste steintøy, stiler fortsatte i Mange deler Av Japan, Men Japansk keramikk ble forvandlet rundt starten Av Edo-perioden, av en stor tilstrømning av koreanske keramikere, fanget eller overtalt til å emigrere i løpet Av De Japanske invasjonene I Korea på 1590-tallet. Mange av disse ble avgjort på Den sørlige øya Kyushu, og de brakte med seg erfaring med versjoner Av Kinesisk stil kamret klatreovn, kalt noborigama I Japan, noe som tillot høye temperaturer med mer presis kontroll. Rundt 1620 hadde de oppdaget forekomster av kaolinitt, og begynte å lage porselen for Første Gang I Japan. De tidlige varene (kalt «Tidlig Imari») var relativt små og etterlignet Det Kinesiske underglasurblå og hvite porselen, Som Japan hadde importert i noen tid.porselensindustrien vokste kraftig på slutten av 1650-tallet, da den Kinesiske industriens sammenbrudd fra borgerkrig førte til svært store ordrer fra De Kinesiske handelsmennene og det nederlandske Ostindiske Kompani, da handelsmennene bare fikk lov til å gjøre forretninger i Japan. Den Første store perioden Med Japansk eksportporselen varte til rundt 1740-tallet, og den store delen Av Japansk porselen ble laget for eksport, hovedsakelig Til Europa, men Også Den Islamske verden i vest og sør For Japan.
-
Ko-Kutani (gamle Kutani) Fem farger iroe type skyld ewer med fugl og blomst design i glasskunst emalje, Edo periode, 17. århundre
-
ko-imari tallerken, 1700-1740
lakk:
Hovedartikkel: Japansk lakkmed utviklingen av økonomi og kultur har den kunstneriske kvaliteten på lakkede møbler blitt bedre. Hon ‘ ami K Hryvetsu og Ogata K Hryvrin brakte designene Til rinpa-malerskolen i lakk. Etter midten Av Edo-perioden begynte inrō for bærbare medisinbeholdere å bli dekorert gorgeously med maki-e og raden, og det ble populært blant samurai-klassen og velstående kjøpmenn i chō-klassen, og på slutten Av Edo-perioden endret det fra praktisk tilbehør til kunstsamlinger. Eksporten av lakkvarer fortsatte etter Azuchi-Momoyama-perioden. Marie Antoinette og Maria Theresa er kjent som samlere Av Japansk lakk i denne perioden.
-
Inro Og Netsuke, 18.århundre
-
skrive lakk boks med iris på yatsuhashi, av ogata kō. Nasjonal Skatt
Kunst Av Forkrigstidenrediger
Ytterligere informasjon: Da Keiseren av Japan gjenvant makten i 1868, Ble Japan igjen invadert av nye og fremmede kulturformer. I Løpet Av Førkrigstiden førte innføringen Av Vestlige kulturelle verdier til en dikotomi i Japansk kunst, så vel som i nesten alle andre aspekter av kulturen, mellom tradisjonelle verdier og forsøk på å duplisere og assimilere en rekke motstridende nye ideer. Denne splittelsen forble tydelig i slutten av det 20. århundre, selv om mye syntese hadde da allerede skjedd, og skapte en internasjonal kulturell atmosfære og stimulert moderne Japansk kunst mot stadig mer innovative former.regjeringen tok en aktiv interesse i kunst eksportmarkedet, fremme Japansk kunst på en rekke verdens messer, begynner Med 1873 Wien Verdens Fair.As i tillegg til å finansiere messene, tok regjeringen en aktiv rolle i å organisere Hvordan Japans kultur ble presentert for verden. Det skapte et semi-offentlig selskap — Kiritsu Kosho Kaisha (Første Industrielle Produksjonsfirma) — for å fremme og kommersialisere eksport av kunst og etablerte Hakurankai Jimukyoku (Utstillingsbureau) for å opprettholde kvalitetsstandarder. For 1876 Centennial International Exhibition i Philadelphia opprettet Den Japanske regjeringen Et Centennial Office og sendte en spesiell utsending for å sikre plass til de 30.000 gjenstandene som skulle vises. Den Keiserlige Husholdningen tok også en aktiv interesse for kunst og håndverk, igangkjøring av verk («presentasjonsvarer») som gaver til utenlandske dignitarier. I 1890 Ble Teishitsu Gigeiin (Artist To The Imperial Household) system opprettet for å anerkjenne fremstående kunstnere; sytti ble utnevnt fra 1890 til 1944. Blant disse var maleren Og lakkkunstneren Shibata Zeshin, keramikeren Makuzu Kōan, maleren Hashimoto Gah@zan, og cloisonné emaljekunstneren Namikawa Yasuyuki.Da Vestlig import ble populær, falt etterspørselen etter Japansk kunst innen Japan selv. I Europa og Amerika førte den nye Tilgjengeligheten Av Japansk kunst til en fascinasjon For Japansk kultur; En mani kjent I Europa som Japonisme. Imperial beskyttelse, regjeringen sponsing, markedsføring til nye målgrupper, Og Vestlig teknologi kombinert for å fremme En æra Av Japansk kunstnerisk innovasjon. I dekorativ kunst nådde Japanske kunstnere nye nivåer av teknisk raffinement.I Dag eier Masayuki Murata mer enn 10.000 Meiji kunstverk og er en av de mest entusiastiske samlerne. Fra den tiden, de fleste av De utmerkede verk Av Meiji Kunst ble kjøpt av utenlandske samlere og bare noen få av Dem forble I Japan, men fordi han kjøpte tilbake mange verk fra utlandet og åpnet Kiyomizu Sannenzaka Museum, studiet og revurdering Av Meiji Kunst raskt avansert i Japan etter det 21. århundre. Nasser Khalili er også en av verdens mest dedikerte samlere Av Meiji kunst, og hans samling omfatter mange kategorier Av Meiji kunst. Den Japanske Keiserlige Familien eier også gode Verk Av Meiji-Kunst, hvorav noen ble donert til staten og er nå lagret i Museum Of The Imperial Collections.
Arkitektur og GardenEdit
Hage Av Murin-an, designet Av Jihei Ogawa i 1894-1898 Av tidlig 20.århundre, europeiske kunstformer Ble Godt Introdusert Og deres ekteskap produsert bemerkelsesverdige bygninger som tokyo togstasjon og national diet bygningen som fortsatt eksisterer i dag. Tokyo Stasjon, en bygning Av Giyōū arkitektur, full av murstein og pseudo-Europeisk stil. Denne byggestilen ble bygget i urbane områder.Mange kunstneriske Nye Japanske hager ble bygget av Jihei ogawa.
Mr Kume , av Kuroda Seiki, Kuroda Kinenkan
japans første respons på vestlige kunstformer var åpenhjertig aksept, og I 1876 Den Teknologiske Kunstskolen(ja:工部美術学校) ble åpnet, med italienske instruktører for å undervise i vestlige metoder. Det andre svaret var en pendelsving i motsatt retning ledet Av Okakura Kakuzō og Den Amerikanske Ernest Fenollosa, som oppfordret Japanske kunstnere til å beholde tradisjonelle temaer og teknikker mens de skapte verk mer i tråd med moderne smak. Dette var en strategi som til slutt tjente til å utvide innflytelsen Fra Japansk kunst så langt Som Calcutta, London Og Boston i årene frem til Første Verdenskrig. Ut av disse to polene av kunstnerisk teori—avledet fra Henholdsvis Europa og Øst—Asia-utviklet yō («vestlig stilmaleri») og Nihonga («Japansk maleri»), kategorier som har opprettholdt valuta.
Emaljeredit
blomst og fugl mønster vase, Av Namikawa Yasuyuki Under Meiji æra, Japansk cloisonn@ emalje nådd en teknisk topp, produsere elementer mer avansert Enn Noen Som hadde eksistert før. Perioden fra 1890 til 1910 var kjent som «Gullalderen» Av Japanske emaljer. Kunstnere eksperimenterte med pastaer og med avfyringsprosessen for å produsere stadig større blokker av emalje, med mindre behov for cloisons (omsluttende metallstrimler). Dermed emaljer ble en mer billedlig medium, med design som ligner på, eller kopiert fra, tradisjonelle malerier. Emaljer med et design unikt For Japan, der blomster, fugler og insekter ble brukt som temaer, ble populære. Spesielt ble verkene Til Namikawa Yasuyuki Og Namikawa Sō utstilt på verdens messer og vunnet mange priser. Sammen med De To Namikawa, Den Ando Cloisonné Selskapet har produsert mange høy kvalitet cloisonne. Japanske emaljer ble ansett som uovertruffen takket være de nye prestasjonene i design og farging.
Maki-E Fuji Tagonoura, Shibata Zeshin, 1872meiji-epoken så en fornyet interesse for lakk som kunstnere Utviklet Nye Design og Eksperimenterte med nye teksturer og utførelser. Maki-e (dekorere lakk i gull eller sølv støv) var den vanligste teknikken for kvalitet lakk i denne perioden. Shibata Zeshin var en lakkerer som fikk et godt rykte for sine arbeider Fra Bakumatsu Til Meiji perioden. Lakk kalt Shibayama Og Somada, opprettet I Edo perioden, ble populær for sin prangende stil, innlagt med gull, sølv, skalldyr, elfenben, og fargerike metall og glass, og nådde sitt høydepunkt i denne perioden. Lakk fra Japanske verksteder ble anerkjent som teknisk overlegen til det som kunne produseres andre steder i verden.
MetalworkEdit
Koro, sølv dekorert med edle metaller og bergkrystall, 1890I Begynnelsen Av Meiji-epoken, Japansk metallarbeid var nesten helt ukjent utenfor Landet, I Motsetning Til Lakk og porselen som tidligere hadde blitt eksportert. Metallarbeid var knyttet Til Buddhistisk praksis, for eksempel i bruk av bronse for tempelklokker og røkelseskåler, så det var færre muligheter for metallarbeidere når Buddhismen ble fordrevet som statsreligion. Internasjonale utstillinger brakte Japansk støpt bronse til et nytt utenlandsk publikum, og tiltrekker seg sterk ros. Den tidligere historien om samurai våpen utstyrt Japanske metallarbeidere å lage metalliske utførelser i et bredt spekter av farger. Ved å kombinere og fullføre kobber, sølv og gull i forskjellige proporsjoner, skapte de spesialiserte legeringer, inkludert shakudō og shibuichi. Med denne rekke legeringer og utførelser, kan en kunstner gi inntrykk av full-farge dekorasjon.
1910
tekniske og kunstneriske innovasjoner fra meiji-tiden gjorde porselen Til En Av De Mest Internasjonalt Vellykkede Japanske dekorative kunstformene. Satsuma ware var et navn opprinnelig gitt til keramikk fra Satsuma provinsen, kunstferdig dekorert med forgylt og emalje. Disse varene ble høyt rost I Vesten. Sett I Vesten som utpreget Japansk, denne stilen faktisk skyldte mye til importerte pigmenter Og Vestlige påvirkninger, og hadde blitt opprettet med eksport i tankene. Workshops i mange byer kjørte for å produsere denne stilen for å tilfredsstille etterspørselen Fra Europa og Amerika, ofte produserer raskt og billig. Så begrepet «Satsuma ware» kom til å bli assosiert ikke med et opprinnelsessted, men med lavere kvalitet ware laget utelukkende for eksport. Til tross for dette opprettholdt kunstnere Som Yabu Meizan og Makuzu Kō de høyeste kunstneriske standarder samtidig som de eksporterte. Fra 1876 til 1913 vant Kō priser på 51 utstillinger, inkludert Verdensutstillingen og Den Nasjonale Industriutstillingen.
TextilesEdit
en sammensatt imaginær visning Av Japan: silke tekstil kunstverk
1902-utgaven Av Encyclopediaæ Britannica skrev, «I no gren av anvendt kunst viser det dekorative geni I Japan mer attraktive resultater enn tekstilstoffer, og i ingen har det vært mer iøynefallende fremgang de siste årene.»Svært store, fargerike billedverk ble produsert i Kyoto. Broderi hadde blitt en kunstform i seg selv, vedta en rekke billedteknikker som chiaroscuro og luftig perspektiv.
Etterkrigstidens kunstrediger
Umiddelbart Etter Japans nederlag I Andre Verdenskrig i 1945 falt et stort antall Japanske kunstnere under påvirkning av, eller til og med tilsluttet, Japans Kommunistiske Parti, som nettopp hadde blitt legalisert AV USA.- ledet militær okkupasjon Av Japan etter mange år med undertrykkelse av førkrigs-Og Krigstid Japansk politi. Dette hadde å gjøre med suksessen Til Kommunistpartiet hadde i peddling tanken i de tidlige etterkrigsårene at partiet hadde vært den eneste gruppen I Japan for å ha motstått krigstid militarisme. I Tillegg er Det Japanske ordet for «vanguard», som i «vanguard of the communist revolution», det Samme ordet som brukes for «avant-garde» som i den kunstneriske avant-garde. Japans Kommunistiske Parti kom snart til å dominere de store kunstforeningene og utstillingene I Japan, og dermed var den dominerende kunstformen i krigens umiddelbare etterdønninger sosialistisk realisme som skildret de fattiges og adelens lidelser, i tråd med Kommunistpartiets doktrine om at all kunst skulle tjene formålet med å fremme revolusjonens sak. I 1952 beordret Kommunistpartiet til og med kunstnere Som Hiroshi Katsuragawa og andre medlemmer av Den nyopprettede Avantgarde Kunstforeningen (前衛美術会, zen ‘ei bijutsukai Ut I Fjellene for å produsere sosialistisk realistisk kunst til støtte for «fjellgerrillakampene» som forsøkte å foment en voldelig revolusjon i japan.
1950-tallet: Sliter med å bryte fri fra sosialistisk realisme [rediger / rediger kilde] i løpet av 1950-tallet ble Mange Japanske kunstnere i økende grad desillusjonert over Den stive og begrensede definisjonen av «kunst» som Ble håndhevet av Kommunistpartiet. Men på grunn av Den pågående overlegenhet Av Kommunistpartiets medlemmer og støttespillere i de ledende rekkene av kunstneriske foreninger og utstillings juryer, kunstnere fant det ekstremt vanskelig å selv vise sin kunst med mindre De er i samsvar Med Partiets retningslinjer. Noen kunstnere skvatt unna formelle offentlige utstillinger. Andre søkte anerkjennelse, økonomisk støtte og muligheter til å vise sin kunst i utlandet, som Gutai group of conceptual artists, grunnlagt i 1954. Fortsatt andre kunstnere benyttet seg av de få urørte,» uavhengige » utstillingene I Japan, som Yomiuri Independent Exhibition sponset Av Yomiuri Shinbun, som alle kunne komme inn på.Et siste strået kom med de massive 1960 Anpo-Protestene mot SIKKERHETSAVTALEN MELLOM Usa Og Japan (kjent som «Anpo» På Japansk») gjør til den ekstremt passive rollen som det angivelig «vanguard» Kommunistpartiet spilte. Da protestene ikke klarte å stoppe avtalen, førte en runde med bebreidelser til ytterligere desillusjonering med Kommunistpartiet og sosialistisk realistisk kunst, noe som førte til at mange flere kunstnere brøt Seg bort fra Partiets innflytelse.
1960-tallet: en eksplosjon av nye sjangerrediger
med den sosialistiske realismens dominans falmet, opplevde 1960-tallet en eksplosjon av nye kunstformer I Japan, da kunsten ekspanderte i nye retninger som best kan betegnes som «postmodern». Kunstnerkollektiver som Neo-Dada Organizers, Zero Dimension og Hi-Red Center utforsket konsepter som «ikke-kunst» og «anti-kunst», og gjennomførte en rekke dristige» hendelser»,» happenings » og andre former for performancekunst designet for å ødelegge grensene mellom kunst og dagligliv. Mono-ha-gruppen presset på samme måte grensene som delte kunst, rom, landskap og miljø. Andre kunstnere, som grafisk designer Tadanori Yokoo, trakk inspirasjon fra 1960s motkultur og eksplosjonen av nye former for voksenorienterte manga tegneserier. I scenekunst, Tatsumi Hijikata pioner en ny form for postmoderne dans kalt Butoh, og dramatikere Som Jūrō Kara og Satō Makoto skapte Angura stil av radikale «underjordiske» teater. Og i fotografiet var fotografer Som Daidō Moriyama pionerer for en ekstremt innflytelsesrik ny skole for etterkrigsfotografering som understreket spontanitet over nøye iscenesatt komposisjon og feiret egenskapene «er, bure, bokeh» (bokstavelig talt «grov, sløret, ute av fokus»).spredning av nye typer kunst ble støttet av den enorme veksten I Japans økonomi på 1960-tallet, husket som Det » Japanske økonomiske miraklet.»I løpet Av 1960-tallet vokste Den Japanske økonomien med over 10% per år. Stigende rikdom skapte en ny klasse forbrukere som hadde råd til å bruke penger på kunst og støtte ulike typer kunst og kunstnere. For Første Gang i Japans moderne historie, det ble levedyktig for et betydelig antall kunstnere til å lage en levende rent gjennom å selge sin kunst. 1960-tallet byggeboom I Japan, som jevnet den gamle tre-og-papir tradisjonell Japansk arkitektur og erstattet den med glitrende mega-byer av glass og stål, bidro til å inspirere helt nye skoler Av Japansk arkitektur, slik Som Metabolisme (arkitektur) bevegelse ledet Av Kenzō Tange, som frimodig brøt fri fra konvensjonelle modeller og viste seg innflytelsesrik rundt om i verden.samtidig forble kunstverdenen dominert av klikkar som fremmet verkene til visse (vanligvis mannlige) kunstnere framfor andre. Da Det ble mye lettere For Japanere å reise utenlands på 1960-tallet, fant noen kvinnelige kunstnere som Yayoi Kusama og Yoko Ono bedre mottak i utlandet, og trakk seg tilbake for kunstneriske sentre som London, Paris og New York, og det samme gjorde mange mannlige kunstnere.triumfen til De Nye formene For Japansk kunst ble sementert på Osaka World ‘ S Fair i 1970, hvor dusinvis av avantgarde og konseptuelle kunstnere ble ansatt for å designe paviljonger og kunstneriske opplevelser for fair-goers. Japansk avant-garde kunst hadde gått global, og hadde blitt noe selv den konservative regjeringen var stolt av å vise til verden.
the 1970s and 1980s: Riding the economic bubbleEdit
På 1970-og 1980-tallet fortsatte Japansk kunst i mange av retningene som begynte på 1950-og 1960-tallet, men ofte med mye større budsjetter og dyrere materialer. Som Japans økonomi holdt raskt voksende, og til slutt vokste til en av de største økonomiske boblene i historien. Med Japansk valuta blir utrolig sterk i kjølvannet Av 1985 Plaza Accord, Japanske individer og institusjoner ble store aktører i det internasjonale kunstmarkedet. Usedvanlig velstående Japanske mega-selskaper begynte å bygge sine egne private kunstmuseer og anskaffe samlinger av moderne og samtidskunst, Og Japanske kunstnere stor nytte av disse utgiftene så vel.særlig fortsatte den kunstneriske produksjonen å bevege seg bort fra tradisjonell maleri og skulptur i retning av grafisk design, popkunst, brukbar kunst, performance, konseptkunst og installasjonskunst. Ulike typer» hybrid » kunst kom i økende grad inn i vogue. Som teknologi avansert, kunstnere i økende grad innlemmet elektronikk, video, datamaskiner, syntetisert musikk og lyder, og videospill i sin kunst. Estetikken til manga og anime, som så mange yngre kunstnere hadde vokst opp nedsenket i, utøvde en økende om noen ganger ganske subtil innflytelse. Fremfor alt unngikk kunstnere alt som var oppløftet av «høy kunst «eller» kunst » til fordel for det personlige, det eklektiske, det fantastiske eller phantasmagoric, og det lekne. I utgaven ble kvinnelige kunstnere Som Mika Yoshizawa mer og mer akseptert og støttet av kunstverdenen I Japan.
Samtidskunst I JapanEdit
Japansk samtidskunst tar så mange former og uttrykker så mange forskjellige ideer som verdensomspennende samtidskunst generelt. Det spenner fra reklame, anime, videospill og arkitektur som allerede nevnt, til skulptur, maleri og tegning i alle sine myriade former. Japanske kunstnere har gjort spesielt bemerkelsesverdige bidrag til global samtidskunst innen arkitektur, videospill, grafisk design, mote og kanskje fremfor alt animasjon. Mens anime først ble avledet hovedsakelig fra manga historier, diverse anime overflod i dag, og mange kunstnere og studioer har steget til stor berømmelse som kunstnere; Hayao Miyazaki og Kunstnere Og animatører Av Studio Ghibli er generelt ansett for å være blant de beste anime verden har å tilby.samtidig fortsetter Mange Japanske kunstnere å bruke tradisjonelle Japanske kunstneriske teknikker og materialer arvet fra førmoderne tid, for eksempel tradisjonelle former For Japansk papir og keramikk og maleri med svart og fargeblekk på papir eller silke. Noen av disse kunstverkene skildrer tradisjonelle emner i tradisjonelle stiler, mens andre utforsker nye og forskjellige motiver og stiler, eller skaper hybrider av tradisjonelle og samtidskunstformer, mens du bruker tradisjonelle medier eller materialer. Atter andre eschew innfødte medier og stiler, omfavner Vestlige oljemaling eller en rekke andre former.
i skulptur gjelder det samme; noen kunstnere holder seg til de tradisjonelle modusene, noen gjør det med en moderne stil, og noen velger Vestlige eller helt nye moduser, stiler og media. Yo Akiyama er bare en av mange Moderne Japanske skulptører. Han arbeider hovedsakelig i leire keramikk og keramikk, skape verk som er svært enkel og grei, ser ut som de ble skapt ut av jorden selv. En annen skulptør, ved hjelp av jern og andre moderne materialer, bygget en stor moderne kunstskulptur i Den Israelske havnebyen Haifa, kalt Hanabi (Fyrverkeri). Nahoko Kojima Er en Moderne Kirie-kunstner som har pionerer teknikken For Papirkutt Skulptur som henger I 3D.
Takashi Murakami er uten tvil En Av De Mest kjente Japanske moderne kunstnerne i Den Vestlige verden. Murakami og de andre kunstnerne i hans studio lager stykker i en stil, inspirert av anime, som han har kalt «superflat». Hans stykker tar en rekke former, fra maleri til skulptur, noen virkelig massive i størrelse. Men de fleste om ikke alle viser veldig tydelig denne anime-innflytelsen, ved hjelp av lyse farger og forenklede detaljer.
Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano og Tabaimo regnes som betydelige kunstnere innen moderne Japansk kunst. Gruppen 1965, et kunstnerkollektiv, teller samtidskunstneren Makoto Aida blant sine medlemmer.
Circuit Stil Japansk hage K ④raku-en I Okayama, begynt i 1700
