ペガサスパターン切開、金銅銀、飛鳥時代、7世紀、旧法隆寺宝物

飛鳥と奈良時代日本政府の所在地が542年から645年まで飛鳥谷にあり、784年まで奈良市に位置していたことから命名された。

仏教の伝達は、中国と日本の間の接触のための最初の刺激を提供しました。 日本人は、アイデアや音を文章に変換するためのシステム、歴史学、効果的な官僚制などの政府の複雑な理論、そして芸術、新しい技術、新しい建築技術、より高度な青銅鋳造方法、絵画のための新しい技術やメディアなど、独自の文化に有益に組み込むことができる中国文化の側面を認識しました。しかし、7世紀から8世紀にかけて、日本とアジア大陸との接触の主な焦点は仏教の発展であった。 すべての学者が、日本への仏教の導入の公式な日付である552年から日本の首都が奈良から移された784年までの様々な期間に適用するための重要な日付と適切な名前に同意するわけではありません。 最も一般的な呼称は、出挙期（552年-645年）、白鳳期（645年-710年）、天平期（710年-784年）である。

• 法隆寺の塔と金堂、8世紀

• 東大寺法華堂、8世紀

  仏の最古の日本の彫刻は6世紀と7世紀にさかのぼります。 彼らは最終的には、流れるようなドレスパターンと現実的なレンダリングによって特徴付けられるガンダーラの1世紀から3世紀のグレコ仏教の芸術に由来し、その上に中国の芸術的特徴が重ね合わされた。 中国の北魏の仏教美術が朝鮮半島に浸透した後、仏教のアイコンは様々な移民グループによって日本にもたらされました。 特に、半坐弥勒形は、高柳寺弥勒菩薩や中興寺シッダールタ像などに見られるように、日本に伝えられた高度に発達した古代ギリシャの芸術様式に適応された。 多くの歴史家は、仏教の単なる送信機として韓国を描いています。 三国、特に百済は、538年または552年の日本における仏教の伝統の導入と形成に積極的なエージェントとして尽力しました。彼らは私たちの時代の最初の数世紀の間に芸術のシルクロード伝達の終点を示しています。 他の例は、日本の風神風神、仁王の守護者、および寺院の装飾における古典的な花のパターンの図像の開発に見出すことができます。

  奈良の南西にある法隆寺には、日本に現存する最古の仏教建造物があり、極東で最も古い木造建築物が見つかっています。 聖徳太子の私寺として7世紀初頭に建てられた41の独立した建物で構成されています。 屋根付きの回廊に囲まれた広場の中央には、最も重要なものである本堂（金堂）と五重塔が立っています。 金堂は、中国の礼拝堂のスタイルで、入母屋、またはセラミックタイルのヒップ切妻屋根で覆われた後梁構造の二階建ての構造です。

  金堂の中には、大きな長方形のプラットフォーム上に、時代の最も重要な彫刻のいくつかがあります。 中央のイメージは、釈迦三位一体（623）、二つの菩薩が隣接する歴史的な仏、彫刻家の鳥仏師（7世紀初頭に栄えた）によって青銅で鋳造された彫刻で、最近亡くなった聖徳太子に敬意を表しています。 プラットフォームの四隅には、650の周りの木で刻まれた四方の守護王があります。 また、宝龍寺には玉虫神社、漆と混合鉱物顔料の媒体で実行される図画で飾られた高い木製のベースに設定されている金剛の木製のレプリカ、です。

  8世紀の寺院の建物は、奈良の東大寺を中心に焦点を当てていました。 各州の寺院のネットワークの本部として建設された東大寺は、日本の仏教崇拝の初期の世紀に建てられた最も野心的な宗教的な複合体です。 大仏殿に安置されている16.2メートル（53フィート）の仏（752年完成）は、東大寺が皇室主催の仏教とその全国普及の中心を代表しているのと同じように、仏性の本質を表すルシャナ仏である。 現存する像の断片はわずかであり、現在の堂と中央の仏は江戸時代の再建である。

  緩やかに傾斜した丘の中腹にある大仏殿の周りには、本尊の法華堂（法華経堂）、乾漆（漆に浸して木の電機子の上に形をした不空羂索観音）、四天王の壮大な粘土像を持つ戒壇院などがある。; そして、正倉院と呼ばれる倉庫。 この最後の構造は、752年の寺院の奉献式で使用された道具、ルシャナ像のための目を開く儀式、政府文書や皇室が所有する多くの世俗的な物が保管されているため、芸術史的なキャッシュとして非常に重要である。

  金属の彫刻や彫刻の芸術である蝶金（または蝶金）は、奈良時代に始まったと考えられています。

  平安芸術編集

  

  絹掛軸上胎蔵界曼荼羅、9世紀CE

  

  

  

  

  帝釈天釈迦、839、東寺

  794年に日本の首都は正式に平安京（現在の京都）に移され、1868年まで残った。 平安時代（へいあんじだい）とは、源平合戦の末に鎌倉幕府が成立した794年から1185年の間の年を指す。 時代はさらに平安時代前期と平安時代後期、または藤原時代に分かれており、重要な日付は894年であり、在中国大使館が正式に廃止された年である。

  平安初期の芸術：奈良の組織化された仏教の富と力の高まりに反応して、僧侶空海（最高の彼の諡号で知られている弘法大師、774-835）は、彼が806年に日本に伝 真言信仰の中核には、精神的な宇宙の図である曼荼羅があり、その後寺院のデザインに影響を与え始めました。 日本の仏教建築はまた、中国風の塔にインドの建築様式であるストゥーパを採用しました。

  この新しい宗派のために建てられた寺院は、首都の宮廷や信徒から遠く離れた山の中に建てられました。 これらのサイトの不規則な地形は、日本の建築家に寺院建設の問題を再考させ、そうすることで、より先住民族のデザイン要素を選択させました。 檜皮葺きの屋根が瓦の代わりになり、土間の代わりに木の板が使用され、本殿の前には信徒のための別の礼拝所が追加されました。

  平安初期の真言宗寺院の精神を最もよく反映している寺院は、奈良の南東の山のヒノキの木のスタンドの奥深くにある室生寺（9世紀初頭）です。 室生寺の二階建てに安置されている”歴史的”な釈迦牟尼仏の木造像（9世紀初頭）は、平安初期の彫刻の典型であり、その重々しい体は本派式で刻まれた厚いカーテンの折り目で覆われ、その厳格で撤回された表情である。

  藤原芸術：藤原時代には、阿弥陀（西の楽園の仏）を信仰して容易な救済を提供した浄土仏教が普及しました。 この時代は、天皇の摂政として支配し、事実上市民独裁者になった、国内で最も強力な藤原家にちなんで命名されました。 同時に、京都の貴族は優雅な美的追求に専念する社会を発展させました。 とても安全で美しい彼らの世界は、彼らが楽園をはるかに異なるものとして想像することができなかったことでした。 彼らは、世俗的なものと宗教的なものを融合させ、貴族の邸宅に似た構造の中に一つ以上の仏像を収容する新しい形の仏堂、阿弥陀堂を作りました。

  

  京都府宇治市の平等院鳳凰堂

  京都の南東にある宇治の寺院である平等院の鳳凰堂（鳳凰堂、1053年完成）は、藤原阿弥陀堂の これは、大きな人工池の端に設定された二つのL字型の翼の廊下と尾の廊下に隣接する主な長方形の構造で構成されています。 内部には、阿弥陀の単一の黄金の像（c.1053）が高いプラットフォームに設置されています。 阿弥陀彫刻は、複数の木片を殻のように彫り、内側から接合する新しいプロポーションと新しい技法（寄木）を使用した浄長によって実行されました。 堂の壁には、阿弥陀が西の楽園から降りて、死の瞬間に信者の魂を集め、蓮の花で楽園に輸送するときに同行したと信じられている天体の小さな救済彫刻が施されています。 阿弥陀仏の降臨を描いた鳳凰堂の木製の扉に描かれた来迎画は、大和絵の初期の例であり、京都周辺の風景を表現しています。

  

  源氏物語絵巻の”夕霧”

  絵巻：平安時代の最後の世紀には、絵巻として知られている水平、図示の物語の手巻き、。 “絵巻”）、前面に来ました。 1130年頃に描かれた”源氏物語絵巻”は、現存する最古の大和絵を代表するものであり、日本画の高い点の一つである。 紫式部は、昭子内親王の女房である紫式部が1000年頃に書いた小説で、源氏の生涯と愛、そして彼の死後の平安朝の世界を扱っています。 絵巻版の12世紀の芸術家は、各シーンの感情的な内容を視覚的に伝える絵の規則のシステムを考案しました。 世紀の後半には、連続的な物語のイラストの異なる、生き生きとしたスタイルが人気になりました。 宮廷の陰謀を扱った巻物である”伴大納言絵詞”（12世紀後半）は、急速に実行された筆のストロークと薄いが鮮やかな色で描かれた活発な動きの人物を強調している。

  絵巻はまた、絵画の男絵（”男性の絵”）と女絵（”女性の絵”）のスタイルの最も初期かつ最大の例のいくつかとして機能します。

  絵巻はまた、絵画の最も初期 二つのスタイルには多くの細かい違いがあり、性別の審美的な好みにアピールしています。 しかし、おそらく最も簡単に顕著なのは、主題の違いです。 源氏物語に代表される女絵は、一般的には宮廷生活、特に女官、ロマンチックなテーマを扱っています。 男絵は歴史的な出来事、特に戦闘を記録することが多かった。 平治物語の”三条宮夜襲”の項に描かれている三条宮の包囲（1160年）は、このスタイルの有名な例である。

  鎌倉美術編集

  

  透かし彫りの金銅遺物（近藤すかしばりsharitō）

  1180年、二つの最も強力な戦士の氏族の間で戦争が勃発した：平源氏は5年後に勝利し、鎌倉の海辺の村に事実上の政府の座を確立し、1333年まで残った。 貴族から戦士階級への権力のシフトに伴い、芸術は新しい聴衆を満足させなければならなかった: 戦争のスキルに専念した男性、文盲の庶民に仏教を利用できるようにすることを約束した司祭、保守派、貴族、裁判所の力の低下を後悔した聖職者の一部 このように、リアリズム、大衆化の傾向、古典的な復活は、鎌倉時代の芸術を特徴づけています。 鎌倉時代には、京都と奈良は芸術的生産と高度な文化の中心地であり続けました。

  

  運慶による奈良興福寺の無尺の詳細

  彫刻: 慶派の彫刻家、特に運慶は、新しいより現実的な彫刻のスタイルを作り出しました。 奈良の東大寺の大南門にある二王の守護像（1203年）は、運慶のダイナミックな超現実的なスタイルを示しています。 高さ約8メートル（約26フィート）の画像は、約三ヶ月の期間に複数のブロックで刻まれた、マスター彫刻家の指示の下で働く職人の開発されたスタジオシス 運慶の多色の木像（1208年、奈良-興福寺）は、法相宗の伝説的な創始者である無白とSeshinの二人のインドの賢人の中で最も完成した写実的な作品の一つであり、運慶によってレンダリングされるように、それらは著しく個性化され、信じられるイメージである。 この時代の最も有名な作品の一つは、運慶の後継者である快慶によって作成された小野の浄土寺の阿弥陀三尊（1195年完成）です。

  書道と絵画: 華厳宗開祖の歴史を描いた”華厳縁起絵巻”は、鎌倉絵画の普及傾向の優れた例である。 奈良時代の最も重要な華厳宗は、浄土宗の台頭の中で苦難の時代に落ちた。 源平の乱（1180年-1185年）の後、高山寺の妙恵僧は、宗派の復活と戦争で未亡人となった女性の避難所を求めました。 武士の妻たちは、音やアイデアを転写するための音節システム以上のことを学ぶことを嫌っていた（かなを参照）、ほとんどが中国の表意文字（漢字）を採用したテキストを読むことができなかった。

  このように、華厳縁起絵巻は、読みやすい音節の最大で書かれたテキストの通路と、スピーカーの隣に書かれた文字の間の対話を持つイラストを組み合わせたものであり、現代の漫画に匹敵する技法である。 華厳宗を創始した二人の韓国僧の生活を描いた電子巻のプロットは、海王の宮殿への旅や痛烈なお母さんの物語などの素晴らしい偉業に満ちています。

  より保守的な静脈の作品は、紫式部の日記のイラスト版です。 絵巻版の小説は引き続き制作されたが、過去の富と権力の時代に懐かしいリアリズムへの新たな関心に同調した貴族たちは、著者の時代の素晴らしさを取り戻すために日記を復活させ、イラスト化した。 最も美しい通路の一つは、紫式部が二人の若い廷臣によって彼女の部屋でふざけて捕虜にされ、すぐ外に、月明かりが皇居の小川の苔むした土手に光るというエピソードを示している。

  室町美術編集

  足利時代とも呼ばれる室町時代（1338年-1573年）には、日本文化に大きな変化が起こりました。 足利氏は幕府を掌握し、本陣を京都に戻し、室町に移した。 鎌倉時代の大衆化の流れは終わり、文化的表現はより貴族的でエリート主義的な性格を取った。 禅宗は、6世紀に中国で設立されたと伝統的に考えられていた禅宗で、日本に二度目に導入され、根を下ろしました。

  

  京都龍安寺の枯山水

  絵画: 禅寺が組織した中国への世俗的なベンチャーや貿易ミッションのために、多くの中国の絵画や美術品が日本に輸入され、禅寺や幕府のために働く日本の芸術家に深く影響を与えた。 これらの輸入は絵画の主題を変えるだけでなく、色の使用を変更しただけでなく、大和絵の明るい色は、絵画が一般的に白黒または単色の異なる色調しか持たない中国様式の絵画の単色にもたらされた。

  初期の室町絵画の典型的なのは、彼が悟りを達成した瞬間に伝説の僧侶Kensu（中国語ではHsien-tzu）の僧侶-画家Kao（アクティブな15世紀初頭）による描写です。 このタイプの絵画は速いブラシの打撃および細部の最低と実行された。 瓢箪でナマズを捕まえる（15世紀初頭、京都妙心寺泰蔵院）は、僧侶画家如雪（アクティブc.1400）によって、室町絵画の転換点をマークしています。 もともとは低位の画面のために実行され、上の現代の人物によって碑文が書かれた掛け軸として再マウントされており、そのうちの一つは”新しいスタイル”であると述べている。 前景には、小さなひょうたんを持ち、大きなスリザリーナマズを見ている川のほとりに男が描かれています。 霧は中間地を満たし、背景の山々は遠くにあるように見えます。 一般的には、1413年頃に行われた絵画の”新しいスタイル”は、絵の平面内の深い空間のより多くの中国の感覚を指していると仮定されています。

  室町時代の代表的な芸術家は、僧侶の画家である周文と雪舟です。 京都の正国寺の僧侶である修文は、竹林の読書（1446年）の絵で、空間に深い後退を伴う現実的な風景を作成しました。 雪舟は、当時のほとんどの芸術家とは異なり、中国に旅し、その源泉で中国絵画を学ぶことができました。 四季の風景（さんすいちょうかん、1486年頃）は、雪舟の最も優れた作品の一つであり、四季を通して続く風景を描いたものである。

  安土桃山芸術編集

  

  1580-1609年に建てられた姫路城

  安土桃山時代（1573–1603）には、継承このような織田信長、豊臣秀吉、徳川家康などの軍事指導者のうち、戦争のほぼ100年の時代の後に日本に平和と政治的安定をもたらすことを試みました。 小領主であった織田は、1568年に事実上の政権を掌握し、五年後に最後の足利将軍家を失脚させるのに十分な権力を獲得した。 秀吉は織田の死後に指揮を執ったが、1603年に徳川幕府を開いた家康によって世襲支配を確立する計画は失敗した。

  

  檜屏風、嘉納永徳屏風、1590年

  絵画：桃山時代の最も重要な絵画派は嘉納派のものであり、時代の最大の革新は、嘉納派のものであった。部屋を囲む引き戸の記念碑的な景色の作成のためのkanō eitoku。 大徳寺（京都の禅寺）の塔頭である寿光院の庭に面した主室の装飾は、永徳の作品の現存する最良の例であるかもしれません。 斜めに反対側の角にある一対の襖には、巨大な梅と双子の松が描かれており、その幹は角柱の垂直を繰り返し、枝は左右に伸び、隣接するパネルを統一している。 また、京都にある永徳のスクリーン”中国のライオン”は、武士が好む大胆で明るい色の絵のスタイルを明らかにしています。

  永徳の同時代の長谷川東伯は、大規模なスクリーン絵画のためのやや異なった、より装飾的なスタイルを開発しました。 京都の智積院にある楓図では、木の幹を中央に置き、手足を構図の端まで伸ばし、永徳よりも平坦で建築的ではないが、視覚的に豪華な絵を描いている。 彼の六重のスクリーン、松の木（松図）は、霧に包まれた木立のモノクロインクで見事にレンダリングされています。

  江戸時代の芸術edit

  

  風神と雷神、俵屋宗達、17世紀

  徳川幕府は1603年に政府の議論の余地のない支配を得た国に平和と経済的、政治的安定をもたらす;大規模な測定では成功しました。 幕府は、外国貿易に国を開くために西洋諸国からの圧力に対処するために失敗したために降伏を余儀なくされた1867年まで生き残りました。 江戸時代の支配的なテーマの一つは、幕府の抑圧的な政策とこれらの狭窄を逃れるための芸術家の試みでした。 これらの第一は、外国人への国の閉鎖とその文化のaccoutrements、そして人生のあらゆる側面に影響を与える行動の厳格なコードの賦課、身に着けていた服、結婚した人、

  しかし、江戸時代の初期には、徳川の政策の完全な影響はまだ感じられておらず、京都の桂宮や琳派の先駆者である俵屋宗達の絵画など、日本の最高級の建築や絵画の表現が制作された。

  

  1700年に始まった岡山のサーキットスタイルの日本庭園光楽園

  木版印刷：木版印刷は、もともと日本では八世紀に仏教の経典を翻訳するために使用されていました。 木版印刷は、紙に押し付けられた木片に画像や写真を彫刻することで構成されています。 8世紀には、木版は印刷されたテキストを複製するのに便利な方法と考えられていましたが、さらなる技術革新により、色が紙に翻訳されるか、またはNishik-eプリントとしてよりよく知られるようになりました。 ウッドブロック印刷は、11世紀から19世紀までの一般的な印刷方法でした。 錦絵は、江戸時代に裕福な社会人に一般的に販売されていたカレンダーなどの商品を生産しました。 江戸時代には、これらの版画は著名な俳優の出来事や場面を描いていました。 その後、浮世絵は江戸時代初期に木版印刷に関連していました。 これらの浮世絵は、社会の著名なメンバーの日常生活を描いたものです。 浮世絵は、最初は普通の庶民としての生活を描いた手彫りの巻物として始まりました。

  建築：桂離宮は、源氏の宮殿を模倣して建てられ、古典的な日本建築の要素と革新的な改装を組み合わせた書院の建物のクラスタが含まれています。 複合施設全体は、歩行のための道を持つ美しい庭園に囲まれています。有力大名の多くは、領土内に回路式の日本庭園を建設し、その美しさを競い合っていました。

  絵画：草辰は、金箔の背景に設定された自然界の鮮やかな色の人物やモチーフを使用して、古典文学のテーマを再作成することにより、優れた装飾スタイルを進化させました。 彼の最高の作品の一つは、ワシントンD.C.のフリーアギャラリーで松島で画面のペア波です。 一世紀後、光琳は宗辰のスタイルを見直し、独自の視覚的に豪華な作品を制作しました。 おそらく彼の最高のは、赤と白の梅の花の画面の絵です。

  彫刻：仏教の僧侶円空は、ラフ、個々のスタイルで120,000仏像を彫刻しました。

  

  歌麿による現代の三つの美しさ、c。 1793
  

  
  安宅橋の突然のシャワー、広重、1856

  浮世絵と南画（文人画）：西洋で最もよく知られている芸術の学校は、デミモンデの浮世絵や木版画、歌舞伎 17世紀後半に浮世絵が制作されるようになり、1765年には晴信が最初の多色刷りを制作した。 鳥居清長や歌麿などの次世代の版画家は、遊女の優雅で時には洞察力のある描写を作成しました。

  19世紀の支配的な人物は、北斎と広重であり、後者はロマンチックでやや感傷的な風景版画の作成者でした。 広重がしばしば風景を見ていた奇妙な角度や形、そして平らな平面と強い直線的な輪郭を重視した清永や歌麿の作品は、エドガー-ドガやフィンセント-ファン-ゴッホなどの西洋の芸術家に大きな影響を与えた。 西洋の美術館で開催された作品を介して、これらの同じ版画家は、後にエズラ*ポンド、リチャード*アルディントンとH.D.などの初期モダニズムの詩人が使

  浮世絵と現代の絵画の学校は、中国の学者-画家によって実行された絵画に基づいたスタイルである南画、または文人画でした。 浮世絵師が徳川幕府の外界の人物を描くことを選んだように、文人画家は中国文化に目を向けました。 このスタイルの模範は、池の大河、与謝蕪村、田野村竹傳、山本梅一（ja：山本梅一）です。

  セラミック

  主な記事: 日本の陶器と磁器と日本の輸出磁器

  伝統的な、主に石器、スタイルは日本の多くの部分で続いたが、日本の陶器は、1590年代に韓国の侵略の過程で移住するために捕獲または説得された韓国の陶芸家の大規模な流入によって、江戸時代の初め頃に変換されました。 1620年頃にはカオリナイトの鉱床を発見し、日本で初めて磁器を作り始めた。 初期の製品（”初期の伊万里”と呼ばれる）は比較的小さく、日本がしばらく輸入していた中国の下絵青と白の磁器を模倣していました。

  磁器産業は1650年代後半に大幅に拡大し、内戦による中国産業の崩壊により、中国の商人やオランダ東インド会社からの大量の注文が発生し、それまでに貿易業者は日本での事業のみを許可された。 日本の輸出磁器の最初の偉大な期間は約1740年代まで続き、日本の磁器の大部分は、主にヨーロッパだけでなく、日本の西と南にイスラム世界への輸出のた

  • 古九谷（古九谷）五色色絵型酒ewer、江戸時代、17世紀

  • 古九谷（古九谷）五色色絵型酒ewer、江戸時代、17世紀

    主な記事：日本の漆器

    経済と文化の発展に伴い、漆塗りの家具の芸術的品質が向上しました。 本阿弥光悦と尾形光琳は、琳派の画風を漆器に取り入れました。 江戸時代中期以降、薬缶用の印籠は蒔絵や螺鈿で華やかに装飾されるようになり、武士階級や長人階級の豪商の間で人気を博し、幕末には実用的な小物から美術品に変わった。 安土桃山時代以降も漆器の輸出が続いた。 マリー-アントワネットとマリア-テレジアは、この時期の日本の漆器のコレクターとして知られています。

    • インロと根付、18世紀

    • ラッカーボックスを書く八つ橋の菖蒲と尾形光琳の作品。

    前の時代のアート編集

    詳細については、

    前の時代のアート編集

    詳細については、

    : 明治（時代）アート

    日本の天皇が1868年に支配力を取り戻したとき、日本は再び文化の新しいと外国の形に侵略されました。 戦前、西洋の文化的価値観の導入は、伝統的価値観と、様々な衝突する新しいアイデアを複製して同化しようとする試みとの間の、日本の芸術および文化のほぼすべての他の側面における二分法につながった。 この分裂は20世紀後半には顕著であったが、それまでに多くの合成が起こっていたが、国際的な文化的雰囲気を作り出し、現代日本の芸術をより革新的な形に刺激した。

    政府は、1873年のウィーン世界博覧会から始まる世界の見本市の連続で日本の芸術を促進し、芸術輸出市場に積極的に関心を持っていましたFair.As 日本の文化がどのように世界に提示されたかを組織するために、政府はフェアに多額の資金を提供するだけでなく、積極的な役割を果たしました。 美術品の輸出を促進-商品化するために半公開会社—最初の工業製造会社を設立し、品質基準を維持するために博覧会事務局を設立した。 1876年にフィラデルフィアで開催された百年記念国際博覧会では、日本政府は百年記念事務所を設立し、30,000点の展示品のためのスペースを確保するために特使を派遣した。 皇室はまた、外国の要人のための贈り物として作品（”プレゼンテーション製品”）を委託し、芸術品や工芸品に積極的に関心を持っていました。 1890年には著名な芸術家を表彰するための帝室芸芸院制度が創設され、1890年から1944年にかけて七十人が任命された。 その中には、画家-漆芸家の柴田善信、陶芸家の香山真葛、画家の橋本雅邦、七宝のエナメル画家の並河康之がいました。

    西洋の輸入が普及するにつれて、日本の芸術に対する需要は日本自体で減少しました。 ヨーロッパやアメリカでは、日本の芸術の新しい可用性は、日本文化のための魅力につながった;ジャポニスムとしてヨーロッパで知られている流行。 皇室の後援、政府の後援、新しい観客への昇進、そして西洋の技術は、日本の芸術革新の時代を育むために組み合わされました。 装飾芸術では、日本の芸術家は技術的な洗練の新しいレベルに達しました。

    現在、村田雅之は10,000点以上の明治美術作品を所有しており、最も熱心なコレクターの一人です。 その後、明治美術の優れた作品のほとんどは外国のコレクターに買われ、日本に残ったものはごくわずかでしたが、外国から多くの作品を買い戻し、清水三年坂博物館を開館したことから、21世紀以降、日本では明治美術の研究と再評価が急速に進んでいきました。 ナセル-ハリリはまた、明治美術の世界で最も熱心なコレクターの一人であり、彼のコレクションは明治美術の多くのカテゴリを網羅しています。 日本の皇室はまた、明治美術の優れた作品を所有しており、そのうちのいくつかは国に寄贈され、現在は帝国コレクション博物館に保管されています。

    Architecture and GardenEdit

    

    1894年から1898年に小川治平によって設計された無鄰菴の庭園

    20世紀初頭には、ヨーロッ結婚は、東京駅や国会議事堂のような著名な建物を生み出し、今日も存在しています。 東京駅は、レンガと擬似ヨーロッパスタイルの完全な義陽風建築の建物です。 このスタイルの建物は都市部に建てられました。

    小川治平によって多くの芸術的な新しい日本庭園が建設されました。

    PaintingEdit

    

    

    久米氏、黒田精機、黒田キネンカン

    日本から西洋の美術形態は開放的な受け入れであり、1876年に技術美術学校（ja）が設立された。:西洋の方法を教えるためにイタリアのインストラクターを採用し、工部科学館）が開 第二の反応は、岡倉覚三とアメリカのアーネスト-フェノロサが主導した逆方向の振り子のスイングであり、日本のアーティストに伝統的なテーマや技術を保持しながら、現代の味に合わせてより多くの作品を制作することを奨励した。 これは、最終的には第一次世界大戦に至るまでの数年間でカルカッタ、ロンドン、ボストンまで日本美術の影響を拡大するのに役立った戦略でした。 これらの二つの芸術理論のうち、それぞれヨーロッパと東アジアから派生したものは、西洋絵画と日本画を発展させ、通貨を維持してきました。

    EnamelsEdit

    

    浪川靖之による花と鳥のパターン花瓶

    明治時代には、日本の七宝エナメルは技術的なピークに達し、以前に存在していたものよりも高度なアイテムを生産しました。 1890年から1910年までの期間は、日本のエナメルの”黄金時代”として知られていました。 芸術家は、より大きなエナメルのブロックを生成するために、ペーストと焼成プロセスを実験し、クロイゾン（金属片を囲む）の必要性を少なくしました。 したがって、エナメルは、伝統的な絵画に似た、またはコピーされたデザインで、より絵画的な媒体になりました。 花や鳥、虫などをテーマにした日本独自のデザインのエナメルが人気を博しました。 特に、浪川康之と浪川宗介の作品は世界博覧会に出品され、多くの賞を受賞しました。 安藤七宝社は、並河二人とともに、多くの高品質な七宝を生産してきました。 日本のエナメルは、デザインと着色の新しい成果のおかげで比類のないとみなされました。

    ラッカーウェアエディット

    

    蒔絵富士田子の浦、柴田善信、1872

    明治時代には、新しいデザインを開発し、新しい質感や仕上げを試してみると、漆への新たな関心が見られました。 この時代の漆器の中では、蒔絵が最も一般的な技法であった。 幕末から明治にかけての作品で高い評価を得た漆工であった柴田善信。 江戸時代に作られた「柴山・杣田」と呼ばれる漆器は、金・銀・貝・象牙などを象嵌した派手なスタイルが人気を博し、この時期に最盛期を迎えました。 日本の工房からの漆は、世界のどこかで生産できるものよりも技術的に優れていると認識されました。

    MetalworkEdit

    

    コロ、貴金属と水晶で飾られた銀、1890

    明治時代の初めに、日本の金工は、漆や磁器とは異なり、国外ではほとん以前は輸出されていました。 金工は、寺院の鐘や香炉のための青銅の使用など、仏教の練習に関連していたので、仏教が国教として移された後、金属労働者の機会は少なかった。 国際的な展覧会は、新しい外国の聴衆に日本の鋳造青銅をもたらし、強い賞賛を集めました。 武士の武器の過去の歴史は、色の広い範囲で金属仕上げを作成するために日本の金属職人を装備しました。 銅、銀、金を異なる割合で組み合わせて仕上げたことで、尺銅や渋一などの特殊合金を作り出しました。 合金および終わりのこの変化によって、芸術家はフルカラーの装飾の印象を与えることができる。

    磁器と陶器Edit

    

    

    1910年頃の藪明山による陶器ボウル