Nella mia recensione di The Untouchables, ho sostenuto che Hollywood ha lottato per rendere giustizia ad Al Capone perché era effettivamente “diventato il cliché del gangster di Hollywood”. Per estensione, il cinema americano ha troppo spesso ceduto ai pericoli della “storia del grande uomo”; è così facilmente sedotto dalla mitologia spesso eccitante di individui famosi che la sua rappresentazione di dette persone perde ogni parvenza di realtà o credibilità. Anche nei casi in cui la verità è più strana della finzione, Hollywood spesso la presenta in un modo che ci fa sospettare che non ci viene affatto detta la verità.Quando Nicholas Pileggi scrisse Wiseguy, disse che voleva “entrare in possesso di un soldato nell’esercito di Napoleone”. Voleva, in altre parole, le osservazioni di un giocatore normale nel dramma, spogliato di tutto lo spin e la leggenda-making che circonda gli uomini principali. Martin Scorsese come regista ha spesso eccelso nel trovare il notevole, sorprendente o scioccante in un ambiente ordinario, e di utilizzare sottili cambiamenti nella narrazione (incluso il suo uso brevettato della musica) per sbagliare il suo pubblico. La combinazione di questi due talenti è quindi un match made in heaven, e quando lo sposi a tre spettacoli centrali di cracking, Quei bravi ragazzi diventa un vero grande film.C’è una linea molto sottile nel cinema tra raffigurare qualcosa nei minimi dettagli e affascinarlo. Film così vari come Green Street e Death Wish sono caduti nella trappola di lodare qualcosa di assolutamente miserabile e spregevole nel loro (presunto) desiderio di essere il più accurato e realistico possibile sulle persone coinvolte. Così spesso i criminali in drammi criminali o thriller sono impostati in principio come le persone che dovremmo insultare, ma le loro imprese emozionanti e atteggiamenti ribelli (come scritto da Hollywood) spesso possono renderli più eccitante rispetto ai cittadini rispettosi della legge (soprattutto quando Kevin Costner è coinvolto).Quei bravi ragazzi, come ucciderli dolcemente più di due decenni dopo, riesce perché rifiuta qualsiasi immagine rosa di una vita dalla parte sbagliata della legge-e lo fa senza che si senta come una lezione morale che viene martellata nelle nostre teste. Ma dove il film di Andrew Dominik ha impostato i suoi criminali come bassifondi e poi li ha fatti affondare più in basso, Scorsese ci tira lentamente, offrendoci il lato romantico o elegante del crimine italo-americano e poi tirando il tappeto da sotto i nostri piedi quando è troppo tardi per scappare. Iniziare il film in media res con la morte di Billy Batts non è solo un modo per evitare che sia una storia di “ascesa e caduta”: partendo dal punto in cui le cose cambiano, sappiamo fin dall’inizio che, per quanto buona possa sembrare, non durerà e non pagherà.Ogni storia d’amore che rimane all’interno del film di Scorsese è molto ironico, con la sua attenzione per i dettagli e la conoscenza del proprio patrimonio viene utilizzato per rendere gli aspetti più violenti e grafici anello ancora più vero. Con Il Padrino e i suoi sequel, c’era sempre un elemento di nostalgia per ‘il vecchio paese’, per le strutture tradizionali della vita siciliana e il ruolo della mafia nel preservare quell’ordine. Goodfellas riconosce questa eredità (e, attraverso la presenza di De Niro, l’influenza del lavoro di Francis Ford Coppola), ma le famiglie che presenta sono disfunzionali e indesiderabili; l’uomo è aggressivo, infedele e bifronte, mentre le donne sono oppresse, con la testa d’aria o troppo drogate per curarsi.Uno dei temi più comuni dei film polizieschi è l’idea che le persone si rivolgano al crimine perché vivere una vita convenzionale e rispettosa della legge non porta il comfort o il livello di lusso che le persone bramano o bramano. I film sui truffatori, come Catch Me If You Can o The Sting, spesso impostano personaggi straight-ahead come fondamentalmente deboli, poveri e indesiderabili nel tentativo di rendere più attraente lo stile di vita dei loro personaggi principali. Quei bravi ragazzi tagli dritto al sodo in questo senso: Henry Hill diventa un gangster perché gli piacciono le ricchezze che porta, e perché fare un sacco di soldi rapinando o truffando le persone è più facile che lavorare un lavoro onesto e mal pagato. Il film ci inganna nel razionalizzare le azioni di Henry, in modo che ci rimproveriamo quando le cose vanno a sud, maledicendo che avremmo dovuto vederlo coming.In un ulteriore confronto con Il padrino, Quei bravi ragazzi è molto interessato al modo in cui i criminali operano come famiglie disfunzionali. Ci sono le stesse preoccupazioni per il sangue e la razza (italiano vs irlandese), le stesse rivalità e jockeying per la posizione, e lo stesso mix di rispetto e terrore che circonda la figura paterna. Ma dove Michael Corleone è un insider disperato per uscire dall’azienda di famiglia, solo per essere tirato indietro ripetutamente attraverso la sua lealtà, Henry è un estraneo per il quale Paulie funge da padre surrogato. In entrambi i casi i protagonisti si sentono spinti ad agire in un certo modo o a ricoprire certi ruoli in base alle aspettative della figura paterna, sostenute dalla tradizione e dai valori condivisi.Molto di ciò che rende grandi quei bravi ragazzi sta nel modo della sua narrazione. Nell’eccellente making-of del documentario, Pileggi e Scorsese hanno discusso dell’importanza della voce fuori campo di Ray Liotta, con l’accento sul linguaggio usato piuttosto che sul suo uso per spostare la trama. Piuttosto che essere abituati a “rattoppare un po’ di crepa nella sceneggiatura”, come diceva Pileggi, la voce fuori campo ci dà una visione dettagliata del processo di pensiero di Henry; dandoci i piccoli dettagli e le osservazioni sulla vita quotidiana, si sente più come una persona reale. Man mano che le sue reazioni diventano più credibili, diventa più riconoscibile e veniamo attirati ulteriormente, andando di pari passo con le sue decisioni anche se la paura si consuma sullo sfondo.Questo approccio è ulteriormente rafforzato dall’uso della musica. Nel mondo post-Quentin Tarantino, dove usare canzoni pop insolite, a volte incongrue per accompagnare una scena è praticamente normale, è facile dimenticare quanto abilmente Scorsese sposi musica e immagini in movimento. La sua conoscenza apparentemente enciclopedica significa che molto raramente va per la scelta ovvia o mediocre, e il suo gusto è eccellente. Nessun altro avrebbe scelto di mettere “Sunshine Of Your Love” di Cream come supporto alla sequenza in cui Robert De Niro decide nella sua testa di farla finita con coloro che sono coinvolti nella rapina di Lufthansa. Guardandolo più volte, rende la scena ancora più completa, al punto in cui non funziona senza it.In la sua recensione di Sweeney Todd: The Demon Barber di Fleet Street, Mark Kermode ha detto che tutti i film di Tim Burton stavano ” tentando di scoppiare in canzone.”Scorsese potrebbe non aver fatto un musical in buona fede da New York, New York, ma ha mantenuto la sua comprensione intuitiva di come la musica possa trasmettere i pensieri più intimi di un personaggio. Anche quando sta cantering attraverso un sacco di trama per spostare le cose in avanti in un montaggio, si sente abile e personale piuttosto che essere imbottitura. Non c’è esempio migliore di questo che la sequenza progettata intorno ‘Layla’ da Derek e il Domino: scorre perfettamente, possedendo il tempismo e la coreografia puntuali che Stanley Kubrick ha realizzato con le sue riprese in SteadyCam, ma senza essere clinico o attirare l’attenzione sull’artificio della situazione.L’intero film sembra eccellente, grazie anche alla fotografia di Michael Ballhaus, che aveva già lavorato con Scorsese in After Hours, The Colour of Money e The Last Temptation of Christ. Cattura la sensazione del periodo in una maglietta, facendo emergere quanto basta dei colori e degli stili dell’ambientazione senza che si senta come un pastiche. La sua comprensione dello stile visivo di Scorsese era così precisa che molto spesso era necessaria una scarsa copertura di una determinata scena; scatti come la lunga traccia attraverso il ristorante venivano girati più volte dalla stessa posizione, piuttosto che scattare con più telecamere contemporaneamente e poi cucire i pezzi migliori insieme nel montaggio.Le prestazioni centrali in quei bravi ragazzi sono di prima classe, con ciascuno dei tre uomini leader viene data la possibilità di brillare. Ray Liotta è fantastico come Henry: si può vedere e apprezzare la quantità di ricerca e di preparazione che ha messo in, eppure non è educato o trattenuto – si lascia andare quando può ed è solo abbastanza custodito quando ha bisogno di essere. Robert De Niro è grande come Jimmy Conway, portando tutte le sue abilità familiari alla festa, ma lavorando sodo in ogni scena per essere fedele al personaggio piuttosto che appoggiarsi ai successi passati. E Joe Pesci, che ha vinto un Oscar per la sua performance, è un petardo, riuscendo ad essere impulsivo e pericoloso senza sembrare esagerato. Il cast di supporto è anche eccellente, in particolare Paul Sorvino come Paulie e la smashing Lorraine Bracco, che bilancia splendidamente la disperazione di Karen, la gelosia e la sensazione di essere leggermente sopra la sua testa.Goodfellas è un grande film poliziesco e una delle vette più alte dell’illustre carriera di Scorsese. Mentre perde un po ‘ di slancio negli ultimi 15 minuti, tutto fino a quel punto è quasi perfetto, con grandi prestazioni abbinate a una sceneggiatura stretta e una direzione altamente competente, creando un’esperienza cinematografica avvincente che più che regge alla visione ripetuta. Rimane uno dei più grandi film dei primi anni 1990 e uno dei parametri di riferimento rispetto ai quali tutti i film polizieschi successivi devono essere misurati.