È troppo facile per le persone dire che non possono disegnare quando la verità è che non hanno ancora capito il modo migliore per esprimersi.

Tutti possono imparare a disegnare, e il trucco è trovare uno stile di disegno e svilupparlo.

Lavorare con uno stile personale toglie la pressione dei confronti con i coetanei. Esso consente una maggiore espressione di sé e la creatività che scintille gioia e il desiderio di costruire sui vostri successi.

Ma da dove inizi? Come trovi il tuo stile di disegno?

Non esiste un modo giusto o sbagliato per disegnare.

Prima di esaminare come farlo, è importante discutere idee sbagliate sul modo “corretto” di disegnare. Troppo spesso, gli artisti alle prime armi si scoraggiano nelle classi perché il loro modo di creare un’immagine non è corretto agli occhi dell’insegnante.

Non esiste un unico modo per disegnare un singolo elemento. Dovrebbe essere di trovare le linee e i metodi che esprimono ciò che vedi e senti.

Ad esempio, se si disegna una mela in una natura morta. Non deve per forza assomigliare a quella di tutti gli altri, è la tua percezione di quella mela.

Quindi come trovi il tuo stile di disegno?

In breve, troverai il tuo stile di disegno nel tempo e con tentativi ed errori. Il processo richiede tempo e il modo migliore per trovare il tuo stile è sperimentare, provare diverse tecniche, imitare gli artisti che ammiri e lasciarti ispirare. Studia le opere d’arte e, con la pratica e l’esplorazione, inizierai a creare opere originali che gli altri possono immediatamente dire che sono tue.

Ma per una risposta e una guida più approfondite, leggi insieme.

Trova un artista che ammiri e che ti ispira

Non c’è niente di sbagliato nell’essere ispirato da altri artisti. In effetti, alcuni dei Grandi Maestri citano il lavoro di altri prima di loro.

Impariamo dalle idee e dalle tecniche degli altri, le studiamo, impariamo a replicarle e poi abbiamo la capacità di evolvere quando acquisiamo più fiducia.

Forse c’è un artista che si è sempre distinto per te quando visiti le principali gallerie o in un sito d’arte online.

Se mai ti sei trovato a meravigliarti delle forme delle figure o delle linee fluide di un paesaggio, questo potrebbe essere un ottimo punto di partenza.

Considera le seguenti domande importanti quando scegli l’artista e l’opera giusta.

1. Perché vuoi emulare il lavoro di quell’artista rispetto ad altri artisti?
2. Che cosa ti fa il lavoro a livello emotivo, e in che modo questo si riferisce ai tuoi studi?
3. Che cosa è specificamente all’interno del loro lavoro che si desidera concentrarsi su?

Studia perché ti piace un disegno specifico

Diciamo che vuoi imparare a disegnare perché ami il lavoro di Picasso o di altri nel movimento cubista. Non basta dire che Picasso ha creato facce sconnesse o astratte.

È inoltre necessario una migliore idea di come queste caratteristiche si adattano insieme e la creazione dell’immagine. L’unico modo per farlo è studiare l’opera d’arte.

Non basta guardare l’immagine completa. Vai più in profondità per guardare le linee e le forme. Imparerai rapidamente di più sul pezzo e magari otterrai una risposta emotiva più profonda.

Entrambi possono alimentare il tuo lavoro quando vieni a imitare l’artista nei tuoi studi.

Fai un punto di guardare una serie di lavori – idealmente online e offline.

È facile fissarsi su un dipinto specifico di un artista famoso. Ad esempio, si può amare Van Gogh Girasole, ma non sono così familiarità con altri lavori.

Più pezzi si studiano, più facile è vedere i modelli, pennellate, e il modo in cui l’artista crea le loro immagini.

Successivamente, diventa più facile provare a copiare il loro approccio e imparare da loro.

Puoi trovare una vasta gamma di idee andando online e facendo una ricerca di immagini. Musei e gallerie possono anche avere un sacco di immagini disponibili sui loro siti web per ispirare gli spettatori.

Tuttavia, non c’è niente come vedere la cosa reale. È possibile ottenere una migliore idea della creazione di opere d’arte quando si vede per davvero in una galleria.

Imita uno stile di disegno

Quindi è il momento di mettere qualcosa sulla carta. Non importa quale strumento usi finché è quello con cui ti senti più a tuo agio.

Puoi ancora imparare a disegnare belle figure in un dipinto di Degas con una penna, una matita, un carboncino o un pastello.

Una matita è buona per i principianti, come si può cancellare. Ma, quelli con un po ‘ di esperienza precedente possono godere le linee colorate chunkier di pastello ad olio.

Se siete più in arte digitale, allora avete bisogno di investire in una tavoletta grafica e comprarsi software arte.

In entrambi i casi, devi provare a replicare ciò che vedi e come è stato creato nel tuo libro, a modo tuo. Questo è stato il modo in cui ho iniziato a sviluppare il mio stile di disegno anime.

Questo ti permette di avere un’idea di come crearli segni e immagini che si desidera emulare nel lavoro successivo.

Scarabocchio e del disegno

non C’è bisogno di copiare l’intero dipinto. Per cominciare, questa può essere una sfida travolgente per un principiante.

È meglio concentrarsi su un’area chiave e fare schizzi di questo. Questo è particolarmente utile se c’è un elemento specifico per il lavoro di qualcuno che apprezzi.

Forse ti piace il modo in cui Alfred Munnings ha disegnato il suo cavallo, ma non sei così interessato al resto del disegno. Concentrati solo sulla replica di quei cavalli per ora.

Passare da mimare opere d’arte per creare i propri scarabocchi e schizzi.

Una volta che hai più fiducia nel lavoro con artisti che ti ispirano, puoi quindi cercare di trasferire quelle abilità ad altre creazioni.

Ormai, si dovrebbe avere una migliore idea di come gestire la penna o la matita per creare le linee che si desidera.

Quel flusso di espressione creativa dovrebbe iniziare a venire più naturalmente. Quindi, quando ti rivolgi ad altri soggetti, puoi creare raffigurazioni che mostrano sia il tuo nuovo stile che la tua ispirazione.

Un ottimo punto di partenza è lavorare dalle fotografie.

Le foto ti danno un’immagine coerente allo stesso modo di un’opera d’arte in un libro o online. Ma, è quindi possibile aggiungere le proprie interpretazioni per capire come disegnare la scena, piuttosto che fare affidamento sull’influenza del vostro artista scelto.

Le foto della tua collezione o le ricerche di immagini di Google dovrebbero fornire una vasta selezione da cui lavorare.

Potresti iniziare a scoprire di avere un’attitudine naturale per disegnare animali nello stile di disegno scelto. Oppure, forse hai un modo brillante di lavorare con immagini still life, ritratti o paesaggi.

Con il tempo, puoi concentrare questo interesse e creare un lavoro originale sul tema che sviluppa ulteriormente il tuo stile.

Un modo per farlo è lavorare dalla cosa reale piuttosto che dalle fotografie.

Una volta che hai un migliore livello di coerenza con il tuo nuovo stile di disegno, il soggetto preferito e i migliori materiali, puoi esplorare ulteriormente.

Puoi studiare gli animali, le persone, gli oggetti e le scene e come si adattano.

Un maggiore apprezzamento per il soggetto come lo vedi e l’esperienza può quindi consentire più emozione ed espressione.

Disegna costantemente e costantemente

Il vantaggio desiderato della pratica del disegno a questo punto è il processo e le lezioni apprese dall’esperienza. Ecco perché è così importante continuare a disegnare, anche se non sei felice con una sessione come un’altra.

Più pratichi, più imparerai, e questo include l’apprendimento dagli errori.

Potrebbe anche essere utile mettere da parte una certa quantità di tempo ogni sera per studiare il tuo mestiere. Aspettare che l’ispirazione colpisca non funziona quando hai bisogno di uno sforzo regolare per evolvere.

Consentire la continua evoluzione e giocare con le idee

Questa idea di evoluzione è importante perché non si vuole continuare a creare lo stesso tipo di lavoro, come hai fatto quando hai iniziato.

Nel corso del tempo, si può incappare in momenti e piccoli incidenti felici in cui l’immagine prende una piega diversa. Forse trovi un po ‘ di fluidità o un nuovo modo di descrivere una caratteristica di cui sei felice.

Prendi nota di ciò che ti piace e perché.

Usa queste osservazioni per guidarti in una direzione leggermente diversa con i tuoi nuovi pezzi. Non aver paura di sbagliare o creare qualcosa che non mostreresti a nessun altro solo per evitare l’imbarazzo.

È anche importante non preoccuparsi troppo della finalizzazione delle immagini. Non stai giocando con queste idee per creare l’immagine perfetta finita.

È possibile creare un’impressione di una scena o concentrarsi su una piccola caratteristica che hai lottato con.

Questi piccoli studi, per quanto grezzi, possono fornire una piccola scintilla di ispirazione o costruire la vostra fiducia quando un’idea funziona.

Tenere un sketchbook per tutti i vostri esperimenti e idee

Un sketchbook personale su un tema è uno strumento brillante. Si tratta di più di fornire un sacco di pagine vuote per nuove idee e tentativi di catturare il vostro stile e le immagini scelte.

È anche una buona idea usare il tuo sketchbook come un posto dove scrivere i tuoi pensieri e le tue idee.

Annota gli studi e anche il più piccolo doodle per mostrare ciò che ti piace e ciò su cui vuoi lavorare dopo.

Quelle note ti aiuteranno a esprimere idee sul tuo lavoro e sulle intenzioni che potrebbero non essere state visualizzate nell’immagine.

Il libro rilegato assicura anche che tutte quelle immagini diventino una raccolta. È possibile capovolgere le pagine dal giorno 1 fino ai giorni nostri e vedere quanto lontano siete venuti.

È possibile creare un viaggio per guardare indietro su che grafici i tuoi progressi dai vostri tentativi di imitare un artista ispiratore, attraverso la vostra evoluzione e concentrarsi sulle idee, fino al vostro lavoro attuale.

Puoi sfogliare e vedere tutti i progressi fatti e darti un po ‘ di fiducia.

Negli anni futuri, quando potresti sentire il bisogno di un cambio di direzione, puoi ricordarti di questo viaggio e di come puoi facilmente reinventarti di nuovo.

Il tempo mostrerà il tuo stile di disegno

Per il primo mese o giù di lì, potresti sentire come se stessi facendo poco più che copiare il lavoro di altri artisti.

Questo può sembrare scoraggiante quando tutto ciò che vuoi fare è mostrare una certa individualità. Tuttavia, quei momenti colpiranno nel tempo man mano che migliorerai la tua abilità con i tuoi strumenti di disegno e acquisirai più sicurezza.

Inizierai lentamente a vedere un cambiamento nel modo in cui disegni che si allontana da quell’artista originale e diventa un po ‘più unico, un po’ più simile al tuo modo di disegnare.

Inoltre, non c’è davvero un traguardo con l’arte. Non è che tu abbia un grande progetto finale o una scadenza per lavorare, e poi hai finito.

Si sta sempre andando a trovare nuove idee e temi da esplorare. C’è sempre qualcosa di nuovo da provare, e questo significa uno stato di costante evoluzione.

Nessun artista dovrebbe mai avere paura di spingersi e sperimentare, anche se non va come previsto.

Conclusione

In breve, mentre il tuo stile di disegno personale può sembrare fuori portata in questo momento, è là fuori.

Se hai la pazienza e la dedizione di impegnarti nel tuo mestiere, così come la capacità di lasciarti sperimentare, scoprirai che il tuo lavoro si evolve.

Inizia a lavorare dal lavoro di un famoso artista che ammiri per far girare la palla.

Gioca con i loro stili e immagini e pensa al motivo per cui vuoi emularli.

Con il tempo, puoi prendere nota di tutto ciò che impari sui tuoi eroi, su te stesso e sulla tua arte nel tuo sketchbook.

Lascia che quel libro cresca con studi, scarabocchi e lavori incompiuti mentre affini la tua identità. Soprattutto, non smettere mai di giocare e non sottovalutare mai il tuo potenziale.