Keski – Jōmon-vaasi; noin 3000-2000 eaa

Jōmon-artEdit

ensimmäinen Japanin uudisasukkaat olivat Jōmon-kansa (N. 10 500-n. 300 eaa), joka sai nimensä saviastioidensa pintoja koristaneista narumerkeistä, olivat paimentolaisia metsästäjä-keräilijöitä, jotka harjoittivat myöhemmin järjestäytynyttä maanviljelyä ja rakensivat kaupunkeja, joissa oli satoja ellei tuhansia asukkaita. He rakensivat yksinkertaisia taloja puusta, ja ne asetettiin mataliin savikuoppiin antamaan lämpöä maaperästä. He valmistivat ylenpalttisesti koristeltuja saviastioita, dogūksi kutsuttuja savifiguureja ja kristallikoruja.

varhaisella Jōmon-kaudella

Jōmon-kaudella (5000-2500 eaa) alettiin löytää kyliä ja löydettiin tavallisia arkiesineitä kuten kiehuvaa vettä varten tarkoitettuja keraamisia ruukkuja. Tänä aikana löydetyissä ruukuissa oli litteät pohjat, ja niissä oli taidokkaita kuvioita, jotka oli tehty materiaaleista, kuten bambusta. Lisäksi toinen tärkeä löytö olivat varhaiset Jōmon-figuurit, joita saatettiin käyttää hedelmällisyysesineinä niiden näyttämien rintojen ja turpoavien lonkkien vuoksi.

Keski-Jōmon periodEdit

Jar; keskisestä myöhäiseen Jomon-kauteen; 35.-100-luvulle eaa

Keski-Jōmon-kauteen (2500-1500 eaa), vastakohtana varhaiselle Jōmon-kaudelle monin tavoin. Näistä ihmisistä tuli vähemmän paimentolaisia ja he alkoivat asettua kyliin. He loivat hyödyllisiä työkaluja, joilla he pystyivät käsittelemään keräämäänsä ja metsästämäänsä ruokaa, mikä helpotti heidän elämäänsä. Läpi lukuisia esteettisesti miellyttävä keramiikka, jotka löydettiin tänä aikana, on selvää, että nämä ihmiset oli vakaa talous ja enemmän vapaa-aikaa luoda kauniita kappaleita. Lisäksi Keskisen Jōmon-kauden ihmiset erosivat edellisistä esi-isistään, koska he kehittivät astioita tehtäviensä mukaan, he valmistivat esimerkiksi ruukkuja esineiden säilyttämiseen. Näiden astioiden koristeet alkoivat muuttua realistisemman näköisiksi erotukseksi varhaisesta Jōmon-keramiikasta. Kaiken kaikkiaan teosten tuotanto ei vain lisääntynyt tänä aikana, vaan nämä yksilöt tekivät niistä koristeellisempia ja naturalistisempia.

myöhäinen ja lopullinen Jōmon-periodi

Dogūfiguuri Ōsakin alueelta, Miyagin prefektuurista (1000-400 eaa)

myöhäisellä ja viimeisellä Jōmon-kaudella (1500-300 eaa) sää alkoi kylmenemään, mikä pakotti heidät siirtymään pois vuorilta. Tärkein ravinnonlähde tuona aikana oli kala, mikä sai ne parantamaan kalastustarvikkeitaan ja-työkalujaan. Tämä edistyminen oli hyvin tärkeä saavutus tänä aikana. Lisäksi astioiden määrä lisääntyi huomattavasti, mistä voisi mahdollisesti päätellä, että jokaisessa talossa oli oma figuuri esillä. Vaikka myöhäiseltä ja viimeiseltä Jōmon-kaudelta löydettiin useita astioita, nämä kappaleet löydettiin vahingoittuneina, mikä saattaa viitata siihen, että he käyttivät niitä rituaaleihin. Lisäksi löydettiin myös figuureja, joille oli ominaista niiden lihainen vartalo ja silmälasien kaltaiset silmät.

Dogūfiguurit

Dogū (”savifiguuri”) ovat Jōmon-kauden loppupuolella tehtyjä pieniä humanoidi-ja eläinfiguureja. Niitä tehtiin koko Japanissa Okinawaa lukuun ottamatta. Jotkut tutkijat arvelevat dogūn toimineen ihmisten muotokuvina, jotka ilmaisivat jonkinlaista sympaattista taikuutta. Dogūt on tehty savesta ja ovat pieniä, tyypillisesti 10-30 cm korkeita. Suurin osa figuureista on malliltaan naisia, ja niillä on suuret silmät, pienet vyötäröt ja leveä lantio. Monet pitävät heitä jumalattarien edustajina. Monilla on raskauteen liittyvät suuret vatsalihakset, mikä viittaa siihen, että Jomonit pitivät heitä äitijumalattarina.

Yayoi artEdit

seuraava siirtolaisaalto oli Yayoi-kansa, joka sai nimensä Tokiossa sijaitsevasta kaupunginosasta, josta heidän asumustensa jäänteitä löydettiin ensin. Nämä ihmiset, jotka saapuivat Japaniin noin 300 eaa, toivat tietonsa kosteikkojen riisinviljelystä, kupariaseiden ja pronssikellojen (dōtaku) valmistuksesta sekä pyörillä heitetystä, polttouunilla poltetusta keramiikasta.

• The Yayoi period dōtaku bell, 3rd century CE

• tsubai-otsukayama kofunissa, yamashirossa, Kiotossa kaivettu pronssinen peili

• karmea jar yayoista periodi

• various Ritual Yayoi Potteries from Yoshinogari site

• Yayoi storage jar from 500 BCE – 200 CE

Kofun artEdit

keisari Nintokun hauta sijaitsee Sakaissa, Japanissa. Avaimenreikää muistuttava hauta on 486 metriä pitkä, alaosastaan 305 metriä leveä ja halkaisijaltaan 245 metriä.

Japanin esihistorian kolmas vaihe, Kofun – kausi (n. 300-710 jKr.), edustaa Yayoi-kulttuurin muunnosta, joka johtuu joko sisäisestä kehityksestä tai ulkoisesta voimasta. Tämä kausi on merkittävin sen hautakulttuuri ja muita esineitä, kuten pronssipeilit ja saviveistokset kutsutaan haniwa jotka pystytettiin ulkopuolelle näiden hautojen. Koko Kofun-kauden ajan näiden hautojen ominaisuudet kehittyivät kukkuloille ja harjanteille pystytetyistä pienemmistä haudoista tasaiselle maalle rakennettuihin paljon suurempiin hautoihin. Japanin suurimmassa haudassa, keisari Nintokun haudassa, on 46 hautakumpua ja se on avaimenreiän muotoinen, mikä on erillinen piirre, joka on löydetty myöhemmistä Kofun-haudoista.

Asuka ja Nara artEdit

Lohikäärmeenpää kannu, jossa on pegasuskuvio viillettynä, kullattu pronssi hopealla, Asuka-aika, 700-luku, entiset Horyu-Jin Temppeliaarteet

Asuka-ja Nara-kausilla, jotka on nimetty siten, että Japanin hallintopaikka sijaitsi Asuka-joen laaksossa vuosina 542-645 ja Naran kaupungissa vuoteen 784 saakka, tapahtui ensimmäinen merkittävä manneraasialaisen kulttuurin tulva Japaniin.

buddhalaisuuden välittyminen antoi alkusysäyksen Kiinan ja Japanin välisille yhteyksille. Japanilaiset tunnustivat Kiinalaisen kulttuurin piirteet, jotka kannattavasti voitaisiin sisällyttää omiinsa: järjestelmä, jolla ideat ja äänet muunnetaan kirjoituksiksi; historiantutkimus; hallituksen monimutkaiset teoriat, kuten tehokas byrokratia; ja, mikä tärkeintä taiteen kannalta, uudet teknologiat, uudet rakennustekniikat, kehittyneemmät pronssivalumenetelmät ja uudet tekniikat ja maalausvälineet.

Koko 700-ja 800-luvun ajan japanin ja Aasian mantereen välisten yhteyksien tärkein painopiste oli kuitenkin buddhalaisuuden kehittyminen. Kaikki tutkijat eivät ole yhtä mieltä merkittävistä päivämääristä ja sopivista nimistä eri ajanjaksoille välillä 552, joka oli buddhalaisuuden virallinen tulopäivä Japaniin, ja 784, jolloin Japanin pääkaupunki siirrettiin Narasta. Yleisimmät nimitykset ovat Suiko-kausi 552-645, Hakuhō-kausi 645-710 ja Tenpyō-kausi 710-784.

• Pagoda ja Kondō at Hōryū-ji, 8th century

• hokkedō at Tōdai-ji, 800-luvulla

varhaisimmat japanilaiset Buddhan veistokset on ajoitettu 600-ja 600-luvuille. Ne ovat peräisin Gandharan 1. -3. -00-luvun kreikkalais-buddhalaisesta taiteesta, jolle ovat ominaisia virtaavat pukeutumiskuviot ja realistinen renderointi, johon kiinalaisia taiteellisia piirteitä asetettiin päällekkäin. Kun Kiinan Pohjoinen Wei-buddhalainen taide oli soluttautunut Korean niemimaalle, buddhalaisia ikoneja toivat Japaniin erilaiset maahanmuuttajaryhmät. Erityisesti osittain istuva Maitreya-muoto sovitettiin pitkälle kehittyneeseen antiikin kreikkalaiseen taidetyyliin, joka siirtyi Japaniin, mistä todistavat Kōryū-Ji Miroku Bosatsu ja Chūgū-ji Siddhartha-patsaat. Monet historioitsijat esittävät Korean pelkkänä buddhalaisuuden lähettimenä. Kolme kuningaskuntaa ja erityisesti Baekje olivat keskeisessä asemassa buddhalaisen perinteen käyttöönotossa ja muodostamisessa Japanissa vuonna 538 tai 552.Ne kuvaavat silkkitien taiteen siirron päätepistettä aikakautemme ensimmäisinä vuosisatoina. Muita esimerkkejä löytyy japanilaisen Fūjin-Tuulenjumalan ikonografian kehityksestä, Niō-vartijoista ja lähes klassisista kukkakuvioista temppelikoristeissa.

varhaisimmat buddhalaiset rakennelmat ovat yhä olemassa Japanissa, ja Kaukoidän vanhimmat Puurakennukset löytyvät Hōryū-jistä Naran lounaispuolelta. Se rakennettiin ensimmäisen kerran 600-luvun alussa kruununprinssi Shōtokun yksityistemppeliksi, ja se koostuu 41 itsenäisestä rakennuksesta. Niistä tärkeimmät, pääpalvontasali eli Kondō (kultainen sali) ja Gojū-no-tō (viisikerroksinen Pagoda), seisovat keskellä avointa aluetta, jota ympäröi katettu luostari. Kondō, tyyliltään kiinalaisia palvontasaleja, on post-ja palkkirakennelmainen kaksikerroksinen rakennelma, jota rajaa keraamisista laatoista tehty irimoya eli harjakattoinen katto.

Kondōn sisällä, suurella suorakaiteen muotoisella tasanteella, on joitakin kauden merkittävimpiä veistoksia. Keskeinen kuva on Shaka Kolminaisuus (623), Historiallinen Buddha reunustaa kaksi bodhisattvas, veistos valettu pronssiin kuvanveistäjä Tori Busshi (kukoisti 600-luvun alussa) kunnianosoitus äskettäin kuollut prinssi Shōtoku. Lavan neljässä kulmassa ovat neljän suunnan Suojeluskuninkaat, jotka on veistetty puuhun noin vuonna 650. Hōryū-jissä sijaitsee myös Tamamushin pyhäkkö, Kondōn puinen jäljennös, joka on asetettu korkealle puiselle alustalle, joka on koristeltu lakalla sekoitetuista mineraalipigmenteistä tehdyillä maalauksilla.

temppelirakennus keskittyi 800-luvulla Naran Tōdai-jin ympärille. Tōdaiji on buddhalaisen palvonnan varhaisina vuosisatoina Japanin kunnianhimoisin uskonnollinen rakennuskompleksi, joka on rakennettu päämajaksi temppeliverkostolle jokaisessa provinssissa. 16,2-metrinen (53-metrinen) Buddha (valmistunut 752), joka on sijoitettu Daibutsuden-buddhasaliin, on sopivasti Rushana-Buddha, hahmo, joka edustaa Buddhahoodin olemusta, aivan kuten Tōdaiji edusti Imperialistisesti sponsoroidun buddhalaisuuden keskusta ja sen levittämistä koko Japaniin. Alkuperäisestä patsaasta on säilynyt vain muutama katkelma, ja nykyinen halli ja keskimmäinen Buddha ovat rekonstruktioita Edo-kaudelta.

daibutsudenin ympärillä loivalla rinteellä on joukko sivuhalleja: Hokke-dō (Lotus Sutra-sali) ja sen pääkuva, fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, suosituin Bodhisattva), joka on valmistettu kuivasta lakasta (lakalla kastettu kangas, joka on muotoiltu puisen vaakunan päälle); Kaidanin (戒壇院, Pappisvihkimyssali) ja sen upeat savipatsaat neljästä suojeluskuninkaasta; ja varasto, jota kutsutaan Shōsōiniksi. Tällä viimeisellä rakennelmalla on suuri merkitys taidehistoriallisena kätkönä, koska siihen on tallennettu temppelin vihkimisseremoniassa vuonna 752 käytetyt astiat, rushana-kuvan silmänavausrituaali sekä hallituksen asiakirjoja ja monia keisariperheen omistamia maallisia esineitä.

choukin (tai chōkin) on metallikaiverruksen tai veistämisen taito, jonka arvellaan alkaneen Nara-kaudella.

Heian artEdit

Taizokai (kohdun valtakunta) Mandala on silkkinen hirttokäärö, 9th century CE

taishakuten śakra, 839, tō-Ji

vuonna 794 Japanin pääkaupunki siirrettiin virallisesti Heian-kyōhon (nykyinen Kioto), jossa se pysyi vuoteen 1868 saakka. Termi Heian-kausi viittaa vuosiin 794-1185, jolloin Kamakura-shōgunaatti perustettiin Genpei-sodan lopulla. Kausi jaetaan edelleen varhaiseen Heian-ja myöhäiseen Heian-eli Fujiwara-kauteen, jonka keskeinen ajankohta on 894 eli vuosi, jolloin keisarillisten lähetystöt Kiinaan lakkautettiin virallisesti.

varhainen Heian-taide: vastauksena järjestäytyneen buddhalaisuuden kasvavaan vaurauteen ja voimaan Narassa pappi Kūkai (tunnetaan parhaiten postuumilla nimellään Kōbō Daishi, 774-835) matkusti Kiinaan tutkimaan Shingonia, Vajrayana-buddhalaisuuden muotoa, jonka hän toi Japaniin vuonna 806. Shingonien palvonnan ytimessä ovat mandalat, hengellisen universumin diagrammit, jotka sitten alkoivat vaikuttaa temppelisuunnitteluun. Japanilainen buddhalainen arkkitehtuuri omaksui myös stupan, alun perin intialaisen arkkitehtuurimuodon, Kiinalaistyyliseen pagodiinsa.

tälle uudelle lahkolle pystytetyt temppelit rakennettiin vuorille, kauas hovista ja pääkaupungin maallikoista. Näiden kohteiden epäsäännöllinen pinnanmuodostus pakotti japanilaiset arkkitehdit miettimään uudelleen temppelirakentamisen ongelmia ja valitsemaan siten enemmän alkuperäisiä suunnitteluelementtejä. Sypressikattoiset katot korvasivat keraamisten laattojen katot, savilattioiden sijaan käytettiin puulankkuja ja pääpyhäkön eteen lisättiin erillinen maallikoille tarkoitettu Palvontapaikka.

temppeli, joka kuvastaa parhaiten Heian Shingonin varhaisten temppelien henkeä, on Murō-ji (800-luvun alku), joka sijaitsee syvällä sypressipuiden muodostamassa metsikössä vuorella Naran kaakkoispuolella. Puinen kuva (myös 800-luvun alussa) Shakyamuni, ”Historiallinen” Buddha, kirjattu toisen rakennuksen murō-ji, on tyypillinen varhaisen Heian veistos, sen raskas ruumis, peitetty paksu kangas taittuu veistetty honpa-shiki (liikkuvan aallon) tyyliin, ja sen karu, vetäytynyt ilme.

Fujiwaran taide: Fujiwara-kaudella Puhtaan maan buddhalaisuus, joka tarjosi helpon pelastuksen uskomalla Amidaan (läntisen Paratiisin Buddhaan), tuli suosituksi. Kausi on saanut nimensä Fujiwara-suvusta, joka oli tuolloin maan mahtavin, joka hallitsi keisarin sijaishallitsijoina, ollen itse asiassa siviilidiktaattoreita. Samaan aikaan Kioton aatelisto kehitti eleganteille esteettisille harrastuksille omistautuneen yhteiskunnan. Heidän maailmansa oli niin turvallinen ja kaunis, että he eivät voineet käsittää paratiisia paljonkaan erilaiseksi. He loivat uuden muodon Buddha hall, Amida hall, joka sekoittaa maallinen ja uskonnollinen, ja taloa yksi tai useampi Buddha kuvia sisällä rakenne muistuttaa kartanoita aateliston.

Byōdō-in Feeniks-halli, Uji, Kioto

byōdō-inin temppelin hō-ō-dō (Feeniks-halli, valmistunut 1053) ujissa Kioton kaakkoispuolella on Fujiwara Amida-salien esikuva. Se koostuu suorakaiteen muotoisesta päärakennelmasta, jota reunustavat kaksi L: n muotoista siipikäytävää ja pyrstökäytävä, jotka on asetettu suuren tekolammen reunalle. Sisällä korkealle alustalle on asennettu yksi kultainen amidan (k. 1053) kuva. Amida-veistoksen toteutti Jōchō, joka käytti uutta mittasuhteiden kaanonia ja uutta tekniikkaa (yosegi), jossa useita puunkappaleita veistetään ulos kuin kuoret ja yhdistetään sisäpuolelta. Salin seiniin on kiinnitetty pieniä celestiaalien reliefikaiverruksia, joiden isännän uskotaan seuranneen Amidaa tämän laskeutuessa läntisestä paratiisista kootakseen uskovien sielut kuoleman hetkellä ja kuljettaakseen heidät lootuksenkukissa paratiisiin. Hō-ō-dōn puisten ovien Raigō-maalaukset, jotka kuvaavat Amida-Buddhan laskeutumista, ovat varhainen esimerkki Yamato-e: stä, Japanilaistyylisestä maalauksesta, ja sisältävät kuvauksia Kioton ympäristön maisemista.

Genji Monogatari Emakin ”YUGIRI”

E-maki: Heian-kauden viimeisellä vuosisadalla horisontaalinen, kuvitettu kerrontakäsikirjoitus, joka tunnetaan nimellä e-maki (絵巻, suom. ”picture scroll”), tuli etualalle. Peräisin noin 1130, Genji Monogatari Emaki, kuuluisa kuvitettu tarina Genji edustaa varhaisin säilynyt yamato-e käsirulla, ja yksi korkea pistettä Japanin maalaus. Keisarinna Shōshia odottavan Murasaki Shikibun noin vuonna 1000 kirjoittama romaani käsittelee Genjin elämää ja rakkautta sekä Heian-hovin maailmaa hänen kuolemansa jälkeen. E-maki-version 1100-luvun taiteilijat kehittivät kuvauskonventioiden järjestelmän, joka välittää visuaalisesti jokaisen kohtauksen tunnesisällön. Vuosisadan jälkipuoliskolla yleistyi erilainen, elävämpi jatkuvan kerronnallisen kuvituksen tyyli. Ban Dainagon Ekotoba (1100-luvun lopulla), käärö, joka käsittelee juonittelua hovissa, korostaa aktiivisessa liikkeessä olevia hahmoja, jotka on kuvattu nopeasti toteutetuilla siveltimenvedoilla ja ohuilla, mutta elävillä väreillä.

E-maki on myös varhaisimpia ja suurimpia esimerkkejä otoko-e (”miesten kuvat”) ja onna-e (”naisten kuvat”) – maalaustyyleistä. Tyyleissä on monia hienoja eroja, jotka vetoavat Sukupuolten esteettisiin mieltymyksiin. Mutta ehkä helpoimmin huomataan aiheet. Genji handscrollin tarinan ruumiillistuma Onna-e käsittelee tyypillisesti hovielämää, erityisesti hovinaisia, ja romanttisia teemoja. Otoko-e tallensi usein historiallisia tapahtumia, erityisesti taisteluja. Kuuluisa esimerkki tästä tyylistä on Sanjōn palatsin piiritys (1160), joka on kuvattu Heiji Monogatari-käsirullan ”Yöhyökkäys Sanjōn palatsiin” – osassa.

Kamakura artEdit

kullattu pronssinen reliekeri harjakattoisena (kondō sukashibari sharitō)

vuonna 1180, sota kahden mahtavimman soturiklaanin, tairojen ja minamotojen, välille syttyi välirikko; viisi vuotta myöhemmin minamotot nousivat voitokkaiksi ja perustivat de facto-hallintopaikan merenrantakylään Kamakuraan, jossa se pysyi vuoteen 1333 saakka. Kun valta siirtyi aatelistolta soturiluokalle, taiteen piti tyydyttää uusi yleisö.: miehet omistautuivat sodankäynnin taidoille, papit sitoutuivat saattamaan buddhalaisuuden lukutaidottomien rahvaanomaisten saataville, ja konservatiivit, aatelisto ja jotkut papiston jäsenet, jotka pahoittelivat hovin vähenevää valtaa. Niinpä realismi, popularisoiva suuntaus ja klassinen herätys leimaavat Kamakura-kauden taidetta. Kamakura-kaudella Kioto ja Nara säilyivät taiteellisen tuotannon ja korkeakulttuurin keskuksina.

Detail of Muchaku at Kōfuku-ji, Nara by Unkei

veistos: Kei school of sculptors, erityisesti Unkei, loi uuden, realistisemman kuvanveistotyylin. Kaksi niō guardian-kuvaa (1203) Naran Tōdai-jin suuressa Eteläportissa kuvaavat Unkein dynaamista supra-realistista tyyliä. Kuvat, noin 8 m (noin 26 ft) korkea, veistettiin useita lohkoja aikana noin kolme kuukautta, feat osoitus kehittynyt studio järjestelmä käsityöläisten työskentelevät johdolla mestariveistäjä. Unkein polychromed-puuveistokset (1208, Kōfuku-ji, Nara) kahdesta intialaisesta viisaasta, Muchakusta ja Seshinistä, hossō-lahkon legendaarisista perustajista, ovat aikansa taidokkaimpia realistisia teoksia; unkein kääntäminä ne ovat huomattavan yksilöllisiä ja uskottavia kuvia. Yksi tämän kauden tunnetuimmista teoksista on vuonna 1195 valmistunut Amitabha-triadi Jōdo-ji In Onossa, jonka loi Unkein seuraaja Kaikei.

kalligrafia ja maalaus: Kegon Engi Emaki, Kegon-lahkon perustamisen kuvitettu historia, on erinomainen esimerkki Kamakura-maalaustaiteen popularisoivasta suuntauksesta. Nara-kauden merkittävimpiin kuulunut Kegon-lahko koki kovia Puhtaan maan lahkojen noustessa valtaan. Genpei-sodan (1180-1185) jälkeen Kōzan-Jin pappi Myōe pyrki elvyttämään lahkon ja myös tarjoamaan turvapaikan sodan leskeksi jääneille naisille. Samuraiden vaimoja oli lannistettu opettelemasta muutakin kuin äänten ja ideoiden transkriptiojärjestelmää (KS.kana), ja useimmat olivat kykenemättömiä lukemaan tekstejä, joissa käytettiin kiinalaisia ideografeja (kanji).

näin Kegon Engi Emaki yhdistää tekstikatkelmia, jotka on kirjoitettu mahdollisimman helposti luettavilla tavuilla, sekä kuvituksia, joissa kaiuttimien viereen on kirjoitettu hahmojen välinen vuoropuhelu, joka on nykyaikaisiin sarjakuviin verrattava tekniikka. E-Makin juoni, Kegon-lahkon perustaneiden kahden korealaisen papin elämä, on nopeatempoinen ja täynnä fantastisia urotekoja, kuten matka Ocean Kingin palatsiin ja koskettava äititarina.

konservatiivisempaan sävyyn sijoittuva teos on Murasaki Shikibun päiväkirjan kuvitettu versio. E-maki-versioita hänen romaanistaan tuotettiin edelleen, mutta aatelisto, joka oli virittäytynyt uuteen kiinnostukseen realismiin mutta nostalgisoinut menneitä vaurauden ja vallan päiviä, elvytti ja kuvitti päiväkirjan saadakseen takaisin kirjailijan aikojen loiston. Yksi kauneimmista katkelmista kuvaa episodia, jossa kaksi nuorta hovimiestä pitää Murasaki Shikibua leikkisästi vankina huoneessaan, samalla kun aivan sen ulkopuolella kuutamo hohtaa keisarillisen puutarhan rivuletin sammaleisilla rannoilla.

Muromachi artEdit

Muromachi-kaudella (1338-1573), jota kutsutaan myös Ashikaga-kaudeksi, tapahtui syvä muutos japanilaisessa kulttuurissa. Ashikaga-klaani otti shōgunaatin hallintaansa ja siirsi sen päämajan Takaisin Kiotoon, kaupungin Muromachin kaupunginosaan. Hallinnon palattua pääkaupunkiin Kamakura-kauden popularisoivat suuntaukset tulivat tiensä päähän, ja kulttuuri-ilmaisu sai aristokraattisemman, elitistisemmän luonteen. Zen buddhalaisuus, Ch ’ an lahko perinteisesti ajatellut on perustettu Kiinassa 6th century, tuotiin toisen kerran Japaniin ja juurtui.

Karesansui of Ryōan-ji, Kioto

maalaus: Zen-temppelien järjestämien maallisten ventures-ja kauppamatkojen vuoksi Japaniin tuotiin monia kiinalaisia maalauksia ja taide-esineitä, jotka vaikuttivat syvästi Zen-temppelien ja shōgunaatin palveluksessa työskenteleviin japanilaisiin taiteilijoihin. Nämä tuonnit eivät ainoastaan muuttaneet maalaustaiteen kohdetta, vaan myös värien käyttöä; Yamato-e: n kirkkaat värit taipuivat maalaustaiteen monokromeihin Kiinalaiseen tapaan, jossa maalauksissa on yleensä vain mustavalkoisia tai samanvärisiä eri sävyjä.

tyypillistä varhaiselle Muromachi-maalaukselle on pappi-taidemaalari Kaon (aktiivinen 1400-luvun alussa) kuvaus legendaarisesta munkki Kensusta (Hsien-Tzu kiinaksi) sillä hetkellä, kun hän saavutti valaistumisen. Tämän tyyppinen maalaus toteutettiin nopeilla siveltimenvedoilla ja minimaalisilla yksityiskohdilla. Catching monni kurpitsa (14th century, Taizō-in, Myōshin-ji, Kioto), jonka pappi-taidemaalari Josetsu (aktiivinen n. 1400), merkitsee käännekohta Muromachi maalaus. Se on toteutettu alun perin matalalle valkokankaalle, ja se on uudelleenmuotoiltu roikkuvaksi kääröksi, jonka yläpuolella on aikalaisten piirtokirjoituksia, joista yksi viittaa maalauksen olevan ”uutta tyyliä”. Etualalla on kuvattu mies puron rannalla pitelemässä pientä kurpitsaa ja katselemassa suurta luikertelevaa monnia. Sumu täyttää keskikentän, ja taustavuoret näyttävät olevan kaukana. Yleisesti oletetaan, että noin vuonna 1413 toteutetun maalauksen” uusi tyyli ” viittaa Kiinalaisempaan syvän avaruuden tunteeseen kuvan tasossa.

Muromachi-kauden merkittävimpiä taiteilijoita ovat pappismaalarit Shūbun ja Sesshū. Shūbun, munkki Kioton shōkoku-Jin temppelissä, loi maalauksessa lukeminen Bambulehtoon (1446) realistisen maiseman, jossa on syvä taantuma avaruuteen. Sesshū pystyi useimmista tuon ajan taiteilijoista poiketen matkustamaan Kiinaan ja opiskelemaan kiinalaista maalaustaidetta sen alkulähteillä. Landscape of the Four Seasons (Sansui Chokan; n. 1486) on Sesshun taidokkaimpia teoksia, joka kuvaa jatkuvaa maisemaa läpi neljän vuodenajan.

Azuchi-Momoyama artEdit

Himejin linna, rakennettu 1580-1609

Azuchi–Momoyama-kausi (1573-1603), perättäiset sotilasjohtajat, kuten Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi ja Tokugawa Ieyasu, yrittivät tuoda Japaniin rauhaa ja poliittista vakautta lähes 100 vuotta kestäneen sodankäynnin jälkeen. Alaikäinen päällikkö Oda hankki vuonna 1568 tarpeeksi valtaa ottaakseen hallituksen tosiasiallisesti hallintaansa ja viisi vuotta myöhemmin syrjäyttääkseen viimeisen Ashikaga-shōgunin. Hideyoshi otti komennon Odan kuoltua, mutta hänen suunnitelmansa periytyvän hallinnon vakiinnuttamisesta kaatui Ieyasuun, joka perusti Tokugawa-shōgunaatin vuonna 1603.

Cypress Trees Byōbu, folding screen by Kanō Eitoku, 1590

maalaus: Momoyaman kauden tärkein maalauskoulu oli Kanō-koulukunta ja aikakauden suurin uudistus oli Kanō eitokun kehittämä kaava, jonka mukaan huonetta ympäröiville liukuoville voitiin luoda monumentaalisia maisemia. Jukō-inin puutarhaan päin olevan päähuoneen koristelu, joka on Daitoku-Jin (Zen-temppeli Kiotossa) osa, on ehkä paras säilynyt esimerkki Eitokun työstä. Massiivista uumapuuta ja kaksimäntyjä kuvataan vinosti vastakkaisissa kulmissa olevilla liukuverkkopareilla, joiden rungot toistavat kulmapylväiden vertikaaleja ja haarat ulottuvat vasemmalle ja oikealle yhdistäen vierekkäiset paneelit. Eitokun valkokankaalla, Kiotossa myös kiinalaisia leijonia, paljastuu samuraiden suosima rohkea, kirkkaanvärinen maalaustyyli.

Eitokun aikalainen Hasegawa Tōhaku kehitti hieman erilaisen ja koristeellisemman tyylin suurikokoisille valkokangasmaalauksille. Kiotossa Chishaku-inin temppelissä (ja:智積院) sijainneessa Vaahterakuviossaan (楓図) hän asetti puun rungon keskelle ja ojensi raajat lähes sommitelman reunalle luoden eitokua tasaisemman, vähemmän arkkitehtonisen teoksen, mutta visuaalisesti upean maalauksen. Hänen kuusiosainen ruutunsa, mäntypuu (松林図), on mestarillinen renderointi yksivärisellä musteella usvan verhoamasta metsiköstä.

Edo-kauden Artedit

Tuulenjumala ja Ukkosenjumala, Tawaraya Sōtatsu, 1600-luvulla

Tokugawa-shogunaatti sai kiistattoman hallinnan hallituksen vuonna 1603 sitoutumalla tuomaan rauhaa ja taloudellista ja poliittista vakautta maahan; suuressa määrin se onnistui. Shōgunaatti selviytyi vuoteen 1867, jolloin se joutui antautumaan, koska se ei kyennyt vastaamaan länsimaiden painostukseen avata maa ulkomaankaupalle. Yksi Edo-kauden hallitsevista teemoista oli shōgunaatin sortopolitiikka ja taiteilijoiden yritykset paeta näitä ahtauksia. Tärkein näistä oli maan sulkeminen ulkomaalaisilta ja heidän kulttuuriensa mukaisuus sekä tiukkojen käyttäytymissääntöjen määrääminen, joka vaikutti kaikkiin elämän osa-alueisiin, vaatteisiin, naimisiinmenoon ja toimintaan, jota saattoi tai ei saanut harjoittaa.

Edo-kauden alkuvuosina Tokugawa-politiikan täyttä vaikutusta ei kuitenkaan ollut vielä koettu, ja tuloksena oli Japanin arkkitehtuurin ja maalaustaiteen hienoimpia ilmaisuja: Katsuran palatsi Kiotossa ja Rinpa-koulukunnan Pioneerin Tawaraya Sōtatsun maalaukset.

Piirityylinen japanilainen puutarha Kōraku-en Okayamassa, joka alkoi vuonna 1700

Woodblock printing: Woodblock printejä käytettiin alun perin buddhalaisten kirjoitusten kääntämiseen 700-luvulla Japanissa. Puupainatuksella tarkoitetaan kuvien tai kuvien kaiverrusta puunkappaleeseen, joka sitten painetaan paperinpalaa vasten. 700-luvulla woodblockia pidettiin kätevänä menetelmänä painetun tekstin jäljentämiseen, kunnes uudet innovaatiot mahdollistivat värin kääntämisen paperille tai paremmin Nishik-e-printteinä tunnetun tekstin. Puupölkkypaino oli yleinen painomenetelmä yhdennestätoista yhdeksännelletoista vuosisadalle. Nishiki – e-painatukset tuottivat tavaroita, kuten kalentereita, joita myytiin yleisesti varakkaille yhteiskunnan jäsenille Edo-kaudella. Edo-kaudella näihin vedoksiin kuvattiin merkittävien näyttelijöiden tapahtumia ja kohtauksia. Ukiyo yhdistettiin tämän jälkeen Edo-kauden alussa puukirjoitukseen. Nämä Ukiyon maalaukset kuvasivat yhteiskunnan merkittävien jäsenten jokapäiväistä elämää. Ukiyo aloitti aluksi käsin veistetyillä kääröillä, jotka kuvasivat elämää tavallisena rahvaana.

Arkkitehtuuri: Genjin palatsia jäljitellen rakennettu Katsura Detached Palace sisältää rykelmän Shoin-rakennuksia, joissa yhdistyy klassisen japanilaisen arkkitehtuurin elementtejä innovatiivisiin restatuointeihin. Koko kompleksia ympäröi kaunis puutarha, jossa on polkuja kävelyyn.Monet vaikutusvaltaiset daimiot (feodaaliherrat) rakensivat Piirityylisen japanilaisen puutarhan territoriomaahan ja kilpailivat kauneudesta.

maalaustyyli: Sōtatsu kehitti erinomaisen koristeellisen tyylin luomalla uudelleen klassisesta kirjallisuudesta peräisin olevia teemoja käyttäen loistavasti väritettyjä hahmoja ja kullanlehtisiä taustoja vasten asetettuja luonnonaiheita. Yksi hänen hienoimpia töitään on näyttöpari the Waves Matsushimassa Freer galleriassa Washington D. C: ssä. Sata vuotta myöhemmin Kōrin uudisti Sōtatsun tyyliä ja loi visuaalisesti upeita teoksia ainutlaatuisella tavalla omakseen. Ehkä hänen hienoimpia ovat punavalkoisia Luumunkukkia esittävät ruutumaalaukset.

veistos: buddhalainen munkki Enkū veisti 120 000 buddhalaista kuvaa karkealla, yksilöllisellä tyylillä.

nykyhetken kolme kaunotarta, Utamaro, c. 1793

the print Red Fuji Hokusain sarjasta Thirty-six Views of Mount Fuji

äkillinen suihku ataken sillalla, Hiroshige, 1856

Ukiyo-e ja Nanga (Bunjinga): lännessä tunnetaan parhaiten Ukiyo-e-maalauksista ja puukerrostumista demimonde, kabuki-teatterin ja huvipiirien maailma. Ukiyo – e-painoksia alettiin valmistaa 1600-luvun lopulla; vuonna 1765 Harunobu valmisti ensimmäisen polykromipainoksen. Seuraavan sukupolven printtisuunnittelijat, kuten Torii Kiyonaga ja Utamaro, loivat tyylikkäitä ja joskus oivaltavia kurtisaanikuvia.

1800-luvulla hallitsevia hahmoja olivat Hokusai ja Hiroshige, joista jälkimmäinen oli romanttisten ja hieman sentimentaalisten maisemakuvien luoja. Oudot kulmat ja muodot, joiden kautta Hiroshige usein katseli maisemaa, sekä kiyonagan ja Utamaron työ, jossa korostettiin tasaisia tasoja ja vahvoja lineaarisia ääriviivoja, vaikuttivat syvästi sellaisiin länsimaisiin taiteilijoihin kuin Edgar Degas ja Vincent van Gogh. Länsimaisissa museoissa pidettyjen taideteosten kautta nämä samat grafiikantekijät vaikuttivat myöhemmin voimakkaasti varhaisten modernististen runoilijoiden, kuten Ezra Poundin, Richard Aldingtonin ja H. D.

ukiyo-e: n aikalainen maalaustaiteen koulukunta oli Nanga eli bunjinga, tyyli, joka perustui kiinalaisten oppinut-maalarien toteuttamiin maalauksiin. Juuri kun ukiyo – e-taiteilijat päättivät kuvata hahmoja elämästä Tokugawa-shōgunaatin ulkopuolella, bunjin-taiteilijat kääntyivät kiinalaiseen kulttuuriin. Tämän tyylin esikuvina ovat Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden ja Yamamoto Baiitsu (ja :本 日本梅逸).

keramiikka

perinteinen, lähinnä kivitavaraa oleva tyyli jatkui monissa osissa Japania, mutta Japanilainen keramiikka muuttui Edo-kauden alussa, kun suuri joukko korealaisia savenvalajia vangittiin tai suostuteltiin muuttamaan maahan Japanilaisten hyökätessä Koreaan 1590-luvulla. monet näistä asutettiin eteläiselle Kyushun saarelle, ja he toivat mukanaan kokemusta kiinalaistyylisen chambered-kiipeilyuunin versioista, joita Japanissa kutsuttiin noborigamaksi.tarkka hallinta. Vuoden 1620 tienoilla he olivat löytäneet kaoliniittiesiintymiä ja alkoivat valmistaa posliinia ensimmäistä kertaa Japanissa. Varhaiset tavarat (”varhainen Imari”) olivat suhteellisen pieniä ja jäljittelivät kiinalaista sinivalkoista posliinia, jota Japani oli jo jonkin aikaa tuonut maahan.

posliiniteollisuus laajeni huomattavasti 1650-luvun lopulla, kun Kiinan teollisuuden romahdus sisällissodasta johti hyvin suuriin tilauksiin kiinalaisilta kauppiailta ja Hollannin Itä-Intian kauppakomppanialta, jolloin kauppiaat saivat harjoittaa liiketoimintaa vain Japanissa. Japanilaisen posliinin ensimmäinen suuri vientikausi kesti noin 1740-luvulle asti, ja suuri osa japanilaisesta posliinista tehtiin vientiin lähinnä Eurooppaan, mutta myös islamilaiseen maailmaan Japanin Länsi-ja eteläpuolella.

• Ko-Kutani (vanha Kutani) Viisi väriä Iroe-tyypin sake ewer, jossa lintu-ja kukkakuviointi overglaze emali, Edo-kausi, 1600-luku

• ko-Imari-astia, 1700-1740

  Lakkala:

  Pääartikkeli: Japanese lacquerware

  talouden ja kulttuurin kehityksen myötä lakattujen huonekalujen taiteellinen laatu on parantunut. Hon ’ ami Kōetsu ja Ogata Kōrin toivat rinpan maalaustaiteen koulukunnan piirrokset lakitukseen. Edo-kauden puolivälin jälkeen kannettavien lääkeastioiden inrōa alettiin koristella upeasti maki-e: llä ja radenilla, ja siitä tuli suosittu samurai-luokan ja chōnin-luokan varakkaiden kauppiaiden keskuudessa, ja Edo-kauden lopulla se vaihtui käytännöllisistä tarvikkeista taidekokoelmiin. Lakkatuotteiden vienti jatkui Azuchi-Momoyama-kauden jälkeen. Marie Antoinette ja Maria Teresia tunnetaan tällä kaudella Japanilaisten lakkojen keräilijöinä.

  • Inro ja Netsuke, 1700-luvulla