Jōmon artEdit

první osadníci z Japonska byly Jōmon lidí (c. 10,500 – c. 300 PŘ. n. l.), pojmenovaný pro kabel značky, které zdobí povrchy svých hliněných nádob, byli kočovní lovci-sběrači, kteří později cvičil organizované zemědělství a postavil měst s populací stovky ne-li tisíce. Postavili jednoduché domy ze dřeva a došky zasazené do mělkých hliněných jám, aby poskytovaly teplo z půdy. Vytvořili bohatě zdobené nádoby na keramiku, hliněné figurky zvané dogū a křišťálové šperky.

rané jmonmon periodEdit

během raného Jmonmon období (5000-2500 BCE), vesnice začaly být objeveny a obyčejné každodenní předměty byly nalezeny jako keramické hrnce určené pro vroucí vodu. Hrnce, které byly nalezeny během této doby, měly ploché dno a měly propracované vzory vyrobené z materiálů, jako je bambus. Kromě toho byl dalším důležitým nálezem rané figurky Jmonmon, které mohly být použity jako předměty plodnosti kvůli prsům a otokům boků, které vystavovaly.

Střední Jōmon periodEdit

Uprostřed období Jōmon (2500-1500 PŘ. n. l.), v kontrastu od Počátku Období Jōmon v mnoha ohledech. Tito lidé se stali méně kočovnými a začali se usazovat ve vesnicích. Vytvořili užitečné nástroje, které dokázaly zpracovat jídlo, které shromáždili a lovili, což jim usnadnilo život. Přes četné esteticky keramiky, které byly nalezeny během této doby, je zřejmé, že tito lidé měli stabilní ekonomiku a více volného času k vytvoření krásné kousky. Kromě toho se lidé středního Jmonmonského období lišili od svých předchozích předků, protože vyvinuli nádoby podle své funkce, například vyráběli hrnce pro uložení předmětů. Dekorace na těchto plavidlech začaly být realističtější na rozdíl od rané keramiky Jmonmon. Celkově výrobě pracuje nejen se zvýšil během tohoto období, ale těchto jedinců je více dekorativní a naturalistické.

Pozdě a Poslední Jōmon periodEdit

Během Pozdní a Poslední období Jōmon (1500-300 PŘ. n. l.), počasí začalo být chladněji, proto nutí je k pohybu pryč z hory. Hlavním zdrojem potravy během této doby byly ryby, díky nimž zlepšily své rybářské potřeby a nástroje. Tento pokrok byl během této doby velmi důležitým úspěchem. Kromě toho, počty plavidel se do značné míry zvýšily, což by mohlo dojít k závěru,že každý dům měl v sobě svou vlastní figurku. Ačkoli různé nádoby byly nalezeny během pozdního a posledního Jmonmon období, tyto kusy byly nalezeny poškozené, což by mohlo naznačovat, že oni používali je pro rituály. Kromě toho byly také nalezeny figurky a byly charakterizovány jejich masitými těly a brýlemi jako oči.

Dogū figurky,

Dogū („hliněné postavy“) jsou malé humanoidní i zvířecí figurky vyrobené během pozdější části období Jōmon. Byly vyrobeny po celém Japonsku, kromě Okinawy. Někteří učenci se domnívají, že pes působil jako podobizny lidí, které projevovaly jakousi sympatickou magii. Dogū jsou z hlíny a jsou malé, typicky 10 až 30 cm vysoké. Většina figurek se zdá být modelována jako žena, a mají velké oči, malé pasy, a široké boky. Mnozí je považují za zástupce bohyní. Mnoho z nich má velké břicho spojené s těhotenstvím, což naznačuje, že Jomon je považoval za bohyně matky.

Yayoi artEdit

další vlnou přistěhovalců byl Yayoi people, pojmenovaný pro Okres v Tokiu, kde byly nalezeny zbytky jejich osad. Tito lidé, kteří přišli do Japonska asi 300 BCE, přinesli své znalosti o pěstování mokřadní rýže, výrobě měděných zbraní a bronzových zvonů (dttaku) a keramiky hozené na kolečkách.

• Yayoi období dōtaku zvon, 3. století CE

• Bronzové zrcadlo vyhlouben v Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto

• Carmaic sklenice od Yayoi období,

• Různé rituální Yayoi keramiky z Yoshinogari Stránky

• Yayoi skladování jar od 500 PŘ. n. l. – 200 CE

Kofun artEdit

třetí etapa v Japonské prehistorie, období Kofun (c. 300 – 710 n. l.) představuje změnu Yayoi kultury, připadající buď na vnitřní vývoj nebo vnější síla. Toto období je nejpozoruhodnější pro svou hrobovou kulturu a další artefakty, jako jsou bronzová zrcadla a hliněné sochy zvané haniwa, které byly postaveny mimo tyto hrobky. Po celé období Kofun, vlastnosti těchto hrobek se vyvinuly z menších hrobek postavených na kopcích a hřebenech na mnohem větší hrobky postavené na rovině. Největší hrobka v Japonsku, hrobka císaře Nintoku, domy 46 pohřební mohyly a má tvar klíčové dírky, zřetelná charakteristika nalezená v pozdějších hrobkách Kofun.

Asuka a Nara artEdit

Během období Asuka a Nara období, tak pojmenovaný protože to sídlo Japonské vlády byl umístěn v Asuka Údolí z 542 645 a ve městě Nara, dokud 784, první významný příliv kontinentální Asijské kultury se konala v Japonsku.

přenos buddhismu poskytl počáteční impuls pro kontakty mezi Čínou a Japonskem. Japonské uznal aspektů Čínské kultury, který by se ziskem, by mělo být začleněno do své vlastní: systém pro převod nápadů a zvuků do psaní; historiografie; komplexní teorie správy, jako je efektivní byrokracie, a co je nejdůležitější pro umění, nové technologie, nové stavební techniky, více pokročilé metody odlévání v bronzu, a nové techniky a médií pro malování.

v průběhu 7. a 8. století se však hlavním zaměřením kontaktů mezi Japonskem a asijským kontinentem stal rozvoj buddhismu. Ne všichni učenci se shodují na významná data a odpovídající názvy, aby se vztahují na různé časové období mezi 552, oficiální datum zavedení Buddhismu do Japonska, a 784, když Japonský kapitál byl převeden z Nara. Nejběžnější označení jsou období Suiko, 552-645; období Hakuhō, 645-710 a období Tenpyō, 710-784.

• Pagoda a Kondō na Hōryū-ji, 8. století,

• Hokkedō na Tōdai-ji, 8. století,

nejstarší Japonské sochy Buddhy jsou datované do 6. a 7.století. Nakonec odvodit z 1. – 3. století našeho letopočtu Řecko-Buddhistického umění Gandháry, vyznačující se tím, tekoucí šaty vzory a realistické vykreslení, na které Čínské umělecké rysy byly položený. Poté, co čínské Severní Wei buddhistické umění infiltrovalo Korejský poloostrov, buddhistické ikony přinesly do Japonska různé skupiny přistěhovalců. Zvláště, semi-sedící Maitreya formulář byl přizpůsoben do vysoce rozvinuté Starověké řecké umění styl, který byl přenesen do Japonska, o čemž svědčí Kōryū-ji Miroku Bosatsu a Chūgū-ji Siddhártha sochy. Mnoho historiků vykresluje Koreu jako pouhý vysílač buddhismu. Tři království, a zejména Baekje, byly nápomocné jako aktivní agenti při zavádění a formování buddhistické tradice v Japonsku v 538 nebo 552.Ilustrují koncový bod přenosu umění Hedvábné stezky během prvních několika století naší doby. Další příklady lze nalézt ve vývoji ikonografie japonského boha větru Fūjin, Strážců Niō a téměř klasických květinových vzorů v chrámových dekoracích.

nejstarší Buddhistické struktury, stále existující v Japonsku, a nejstarší dřevěné budovy na Dálném Východě jsou k dispozici na Hōryū-ji na jihozápad od Nara. Nejprve postaven na počátku 7. století jako soukromý chrám korunního Prince Shtotoku, skládá se ze 41 nezávislých budov. To nejdůležitější, hlavní uctívání hala, nebo Kondō (Zlatý Sál), a Gojū-ne-tō (Pět-příběh Pagoda), stojí v centru otevřeného prostoru obklopen střechou kláštera. Kondō, ve stylu čínských bohoslužebných sálů, je dvoupatrová struktura post-and-beam konstrukce, uzavřená irimoya, nebo valbová sedlová střecha z keramických dlaždic.

uvnitř Kondō, na velké obdélníkové plošině, jsou některé z nejdůležitějších soch období. Ústřední obraz je Shaka Trinity (623), historický Buddha lemován dvěma bódhisattvy, socha, obsazení v bronzu od sochaře Tori Busshi (vzkvétal počátku 7. století) na počest nedávno zesnulého Prince Shōtoku. Ve čtyřech rozích plošiny jsou strážní Králové čtyř směrů, vytesaní do dřeva kolem 650. Také sídlí v Hōryū-ji je Tamamushi Svatyně, dřevěná replika Kondō, který je nastaven na vysokou dřevěnou základnou, která je zdobená figurální obrazy jsou provedeny v prostředí minerální pigmenty smíchané s lakem.

stavba chrámu v 8. století byla zaměřena kolem Tddai-ji v Nara. Postaven jako sídlo sítě chrámů v každé z provincií, Tdadaiji je nejambicióznější Náboženský komplex postavený v raných stoletích buddhistického uctívání v Japonsku. Vhodně, 16.2-m (53-ft) Buddha (dokončeno 752) zakotvena v hlavní Buddha hall, nebo Daibutsuden, je Rushana Buddha, číslo, které představuje podstatu Buddhovství, stejně jako Tōdaiji zastoupeny centra pro Imperially sponzorované Buddhismu a jeho šíření po celém Japonsku. Přežilo jen několik fragmentů původní sochy, a současný sál a centrální Buddha jsou rekonstrukce z období Edo.

Seskupený kolem Daibutsuden na mírně se svažující stráň řadu střední sály: Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), s jeho hlavní obrázek, Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, nejvíce populární bódhisattvy), vytvořený suchý lak (hadřík namočený v laku a tvaru přes dřevěné armatury); Kaidanin (戒壇院, Koordinace Síně) s jeho nádherné hliněné sochy Čtyř Guardian Králové; a sklad, zvaný Šósóin. Poslední struktura má velký význam jako umění-historické cache, protože v něm jsou uložené nádobí, které byly použity v chrámové slavnosti v 752, oko-otevření rituál pro Rushana obrazu, stejně jako vládní dokumenty a mnoho světských objektů ve vlastnictví Císařské rodiny.

Choukin (nebo chōkin), umění gravírování kovů nebo sochařství, je myšlenka k začali v období Nara.

Heian artEdit

V roce 794 hlavním městě Japonska byla oficiálně převedena do Heian-kyō (dnešní Kjóto), kde zůstal až do roku 1868. Termín Heian období odkazuje na roky mezi 794 a 1185, kdy Kamakura shogunate byl založen na konci Genpei války. Období je dále rozděleno na časnou Heian a pozdní Heian, nebo Fujiwara éra, klíčové datum je 894, rok císařské velvyslanectví v Číně byly oficiálně ukončeny.

Brzy Heian umění: V reakci na rostoucí bohatství a moc organizované Buddhismu v Nara, kněz Kūkai (nejlépe známý tím, že jeho posmrtný titul Kōbō Daishi, 774-835) cestoval do Číny studovat Shingon, forma Vajrayana Buddhismus, který byl představen do Japonska v roce 806. Jádrem Shingon uctívání jsou mandaly, diagramy duchovního vesmíru, které pak začaly ovlivňovat design chrámu. Japonská buddhistická architektura také přijala stupa, původně Indická architektonická forma, ve své pagodě v čínském stylu.

chrámy postavené pro tuto novou sektu byly postaveny v horách, daleko od dvora a laiků v hlavním městě. Nepravidelná topografie těchto míst donutila japonské architekty přehodnotit problémy stavby chrámu, a přitom zvolit více původních prvků designu. Střechy z cypřišové kůry nahradily střechy z keramických dlaždic, místo hliněných podlah byla použita dřevěná prkna a před hlavní svatyní byla přidána samostatná bohoslužba pro laiky.

chrámu, který nejlépe odráží ducha brzy Heian Shingon chrámů je Murō-ji (počátku 9. století), set hluboko ve stánku cypress stromy na hoře jihovýchodní Nara. Dřevěný obraz (také počátkem 9. století) Šákjamuni, „historické“ Buddha zakotvené v sekundární budovy na Murō-ji, je typické pro rané Heian sochařství, s jeho těžkopádný těla, na které se vztahuje husté závěsy záhyby vyřezávané v honpa-shiki (rolling-wave) styl, a jeho strohý, staženo výraz obličeje.

Fujiwara art: v období Fujiwara se stal populárním Buddhismus Čisté země, který nabídl snadnou spásu vírou v Amidu (Buddhu západního ráje). Toto období je pojmenován po Fujiwara rodinu, pak nejsilnější v zemi, který vládl jako regenti Císaře, stává v podstatě civilní diktátory. Současně, Kjótská šlechta vyvinula společnost věnovanou elegantním estetickým snahám. Tak bezpečný a krásný byl jejich svět, že si nemohli představit ráj jako hodně odlišný. Vytvořili novou podobu Buddha hall, Amida hall, který spojuje sekulární s náboženským, a ubytuje jeden nebo více obrazů Buddhy ve struktuře připomínající sídla šlechty.

Hō-ō-dō (Phoenix Hall, úspěšně absolvováno 1053) Byōdō-in, chrám v Uji jihovýchodně od Kjóta, je příkladem Fujiwara Amida haly. Skládá se z hlavní obdélníkové konstrukce lemované dvěma křídlovými chodbami ve tvaru písmene L a ocasní chodbou, zasazené na okraji velkého umělého rybníka. Uvnitř je na vysoké platformě nainstalován jediný zlatý obraz amidy (c. 1053). Ta socha Amida byl popraven Jōchō, který používá nový canon rozměrů a nová technika (yosegi), ve kterém více kusů dřeva jsou vyřezány jako jsou mušle a připojil se zevnitř. Aplikován na stěny sálu jsou malé reliéfní řezby vesmírné bytosti, hostitel věřil, že spolu Amida, když sestoupil ze Západního Ráje, aby sbírat duše věřících v okamžiku smrti a dopravit je v lotosové květy do Ráje. Raigó obrazy na dřevěných dveřích hō-ō-dō, zobrazující sestup Buddhy amidy, jsou časným příkladem Yamato-e, japonské malby a obsahují reprezentace scenérie kolem Kjóta.

E-maki: V minulém století v období Heian, horizontální, ilustrovaný příběh handscroll, známý jako e-maki (絵巻, svítí. „picture scroll“), se dostal do popředí. Datovat se od asi 1130, Genji Monogatari Emaki, slavný ilustrovaný Příběh Genji představuje nejstarší dochované yamato-e handscroll, a jeden z vrcholů Japonské malby. Napsal o roce 1000 Murasaki Shikibu, dáma-in-čekání na císařovny Shshishi, román pojednává o životě a láskách Genji a svět Heian soudu po jeho smrti. Umělci z 12. století verze e-maki vymysleli systém obrazových konvencí, které vizuálně vyjadřují emocionální obsah každé scény. Ve druhé polovině století se stal populární jiný, živější styl nepřetržité narativní ilustrace. Ban Dainagon Ekotoba (konec 12. století), svitek, který se zabývá intrikami u soudu, zdůrazňuje postavy v aktivním pohybu znázorněné rychle provedenými tahy štětce a tenkými, ale zářivými barvami.

E-maki také slouží jako jedny z prvních a největších příkladů malířských stylů otoko-e („Pánské obrázky“) a onna-e („Dámské obrázky“). Existuje mnoho jemných rozdílů ve dvou stylech, apelovat na estetické preference pohlaví. Ale snad nejsnadněji patrné jsou rozdíly v předmětu. Onna-e, ztělesněný příběhem Genji handscrolla, obvykle se zabývá soudním životem, zejména dvorní dámy, as romantickými tématy. Otoko-e často zaznamenával historické události, zejména bitvy. Obléhání paláce Sanjō (1160), zobrazené v sekci „noční útok na Palác Sanjō“ handscrollu Heiji Monogatari, je slavným příkladem tohoto stylu.

Kamakura artEdit

V roce 1180, vypukla válka mezi dvě nejsilnější bojovník klany: Taira a Minamoto; o pět let později Minamoto zvítězil a založil de facto sídlo vlády v přímořské vesnici Kamakura, kde zůstal až 1333. S posunem moci od šlechty k třídě válečníků, umění muselo uspokojit nové publikum: muži oddaní dovedností válčení, kněží zavázala k tomu, že Buddhismus k dispozici prostí negramotní, a konzervativci, šlechta a někteří členové kněžství, kteří litoval klesající pravomoc soudu. Realismus, popularizační trend a klasické oživení tak charakterizují umění období Kamakura. V období Kamakura, Kjóto a Nara zůstaly centry umělecké produkce a vysoké kultury.

Sochařství: Kei škola sochařů, zejména Unkei, vytvořil nový, realističtější styl sochařství. Dva Niō guardian obrázky (1203) ve Velké Jižní Bráně Tōdai-ji v Nara ilustraci Unkei je dynamická supra-realistický styl. Obrázky, asi 8 m (26 ft) vysoký, byly vyřezány z více bloků v období asi tří měsíců, což svědčí o rozvinuté studio systém řemeslníci pracují pod vedením mistra sochaře. Unkei je polychromed dřeva sochy (1208, Kofuku-ji, Nara) dva Indičtí mudrci, Muchaku a Seshin, legendární zakladatelé Hossō sekty, patří mezi nejdokonalejší realistických děl z období; jako poskytovaných Unkei, jsou výrazně individualizované a uvěřitelné snímky. Jedním z nejslavnějších děl tohoto období je Amitabha triáda (dokončena v roce 1195), v Jdodo-ji in Ono, vytvořená Kaikei, nástupcem Unkei.

kaligrafie a malba: Kegon Engi Emaki, ilustrovaná historie založení sekty Kegon, je vynikající příklad popularizační trend v Kamakura malování. Sekta Kegon, jedna z nejdůležitějších v období Nara, padla na těžké časy během vzestupu Sekt Čisté země. Po válce v Genpei (1180-1185) se kněz Myee z Kōzan-ji snažil oživit sektu a také poskytnout útočiště ženám ovdovělým válkou. Ženy samurajů byly odrazovány od toho, aby učení více než syllabary systém pro přepis zvuků a myšlenek (viz kana), a většina z nich byla schopna čtení textů, která zaměstnávala Čínské znaky (kanji).

to Znamená, že Kegon Engi Emaki kombinuje pasáže textu, psaný s maximální snadno čitelný slabiky, a ilustrace, které mají dialogu mezi znaky napsané vedle reproduktorů, technika, srovnatelná s moderní komiks. Děj e-maki, životy dvou korejských kněží, kteří založili sektu Kegon, je rychle tempo a naplněn fantastickými výkony, jako je cesta do paláce krále oceánu, a dojemný příběh mámy.

Dílo v konzervativnějším duchu je ilustrovanou verzí deníku Murasaki Šikibu. E-maki verze její román pokračovaly být produkován, ale šlechta, naladěná na nový zájem o realismus, ale nostalgií po minulých dnech bohatství a moci, oživil a ilustrovaný deník s cílem zachytit nádheru autora krát. Jedna z nejkrásnějších pasáží ilustruje epizoda, ve které Murasaki Shikibu je hravě držen jako vězeň ve svém pokoji tím, že dva mladí dvořané, zatímco, jen venku, měsíční světlo prosvítá na mechem porostlých březích říčky v císařské zahradě.

Muromachi artEdit

během období Muromachi (1338-1573), nazývaného také období Ashikaga, došlo v japonské kultuře k hluboké změně. Klan Ashikaga převzal kontrolu nad šógunátem a přesunul své velitelství zpět do Kjóta, do okresu Muromachi ve městě. S návratem vlády do hlavního města, popularizační trendy Kamakura období přišel do konce, a kulturní vyjádření se na více aristokratický, elitářský charakter. Zen Buddhismus, Ch ‚ an sekta tradičně myšlenka k byli založeni v Číně v 6. století, byl představen podruhé do Japonska a zakořenil.

Malování: Protože světských podniků a obchodní mise do Číny, organizovaná Zen chrámů, mnoho Čínských obrazů a uměleckých předmětů byly do Japonska dovezeny a hluboce ovlivnil Japonský umělec, pracující pro Zen chrámů a šógunátu. Nejen, že tyto dovozy změnit předmět malby, ale také modifikované použití barvy; světlé barvy Yamato-e podlehl monochromy malby v Čínském způsobu, kde obrazy většinou jen černé a bílé nebo různé odstíny jedné barvy.

Typické pro rané Muromachi malby je zobrazení kněz-malíř Kao (aktivní počátku 15. století) legendární mnich Kensu (Hsien-tzu v Čínštině) v okamžiku, kdy dosáhl osvícení. Tento typ malby byl proveden rychlými tahy štětcem a minimem detailů. Lov Sumce s Tykev (počátku 15. století, Taizō-v, Myōshin-ji, Kjóto), kněz-malíř Josetsu (aktivní c. 1400), znamená přelom v Muromachi malování. Popraven původně pro nízko stojící obrazovku, byl přemístěn jako závěsný svitek s nápisy současných postav výše, jeden z nich odkazuje na obraz jako na „nový styl“. V popředí je na břehu potoka zobrazen muž, který drží malou tykev a dívá se na velkého klouzavého sumce. Mlha vyplňuje střední cestu, a pozadí hory se zdají být daleko v dálce. Obecně se předpokládá, že“ nový styl “ obrazu, provedený kolem roku 1413, odkazuje na Čínštější smysl pro hluboký prostor v obrazové rovině.

nejvýznamnějšími umělci období Muromači jsou kněží-malíři Shūbun a Sesshū. Shūbun, mnich v Kjótském chrámu Shōkoku-ji, vytvořil v obraze čtení v bambusovém háji (1446) realistickou krajinu s hlubokou recesí do vesmíru. Sesshū, na rozdíl od většiny umělců té doby, mohl cestovat do Číny a studovat čínskou malbu u jejího pramene. Krajina čtyř ročních období (Sansui Chokan; c. 1486) je jedním z nejuznávanějších děl Sesshu, zobrazující pokračující krajinu během čtyř ročních období.

Azuchi-Momoyama artEdit

V Azuchi–Momoyama (1573-1603), sled vojenských vůdců, jako je například Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, a Tokugawa Ieyasu, se pokusil přinést mír a politickou stabilitu, aby se Japonsko po éře téměř 100 let válčení. Oda, menší náčelník, získaná energie dostatečná, aby se de facto kontrolu nad vládou v roce 1568 a o pět let později, vyhnat poslední Ashikaga shōgun. Hidejoši převzal velení po Odově smrti, ale jeho plány na zavedení dědičné vlády zmařil Iejasu, který v roce 1603 založil šógunát Tokugawa.

Malování: nejdůležitější malířské školy v období Momoyama bylo to Kanō školy, a největší inovace tohoto období byla vzorec, vyvinut Kanō Eitoku, pro vytvoření monumentální krajiny na posuvné dveře uzavírající prostor. Výzdoba hlavní místnosti s výhledem do zahrady Jukō-in, subtemple Daitoku-ji (zenový chrám v Kjótu), je možná nejlepším dochovaným příkladem eitokuovy práce. Masivní ume stromu a twin pines jsou znázorněny na dvojici posuvných obrazovek v diagonálně protilehlých rozích, jejich kmeny opakování vertikály rohové sloupky a jejich poboček prodloužení doleva a doprava, spojující sousední panely. Obrazovka Eitoku, čínští lvi, také v Kjótu, odhaluje odvážný, pestrobarevný styl malby preferovaný samurajem.

Hasegawa Thhaku, současník Eitoku, vyvinul poněkud odlišný a dekorativnější styl pro velkoplošné obrazy. V jeho Maple Obrazovky (楓図), nyní v chrámu Chishaku-in (ja:智積院), Kyoto, umístil kmen stromu v centru města a prodloužené končetiny téměř na okraji kompozice, vytváří plošší, méně architektonické práce, než Eitoku, ale vizuálně nádherný obraz. Jeho šestinásobné plátno, Borové dřevo (松林図), je mistrovským vykreslením monochromatickým inkoustem háje stromů obklopených mlhou.

Umění Edo periodEdit

šógunátu Tokugawa získal nesporné kontrolou vlády v roce 1603 se závazkem k dosažení míru a ekonomické a politické stability v zemi; do značné míry to bylo úspěšné. Šógunát přežil až do roku 1867, kdy byl nucen kapitulovat kvůli neschopnosti vypořádat se s tlakem západních národů na otevření země zahraničnímu obchodu. Jedním z dominantních témat v období Edo byla represivní politika šógunátu a pokusy umělců uniknout těmto strikturám. Nejpřednější z nich byl závěrečný země k cizincům a doplňky z jejich kultury, a zavedení přísné kodexy chování ovlivňuje každý aspekt života, šaty, jednou na sobě, člověk ženatý, a činností, jeden by mohl nebo by neměly pokračovat.

V prvních letech období Edo, nicméně, plný dopad Tokugawa politik ještě nebyl cítila, a někteří z Japonska je nejlepší výrazy v architektuře a malířství byly vyrobeny: Katsura Palác v Kjótu a obrazy Tawaraya Sōtatsu, průkopník Rinpa školy.

štoček: Woodblock tisky byly původně použity k překládat Buddhistické texty v osmém století v Japonsku. Woodblock tisk se skládá z gravírování obrázků nebo obrázků na kus dřeva, který je pak přitlačen na kus papíru. V osmém století dřevořez byl považován za vhodný způsob reprodukce tištěného textu do další novinky povoleno pro barvu, která má být přeložena na papír, nebo lépe známý jako Nishik-e tisků. Tisk dřevěných bloků byl běžnou metodou tisku od jedenáctého do devatenáctého století. Nishiki-e tisky vyráběly zboží, jako jsou kalendáře, které byly běžně prodávány bohatým členům společnosti během období Edo. V období Edo byly tyto tisky zobrazeny události a scény významných herců. Ukiyo pak byl spojován s dřevotiskem v raném období Edo. Tyto obrazy Ukiyo zobrazovaly každodenní život významných členů společnosti. Ukiyo nejprve začínal jako ručně vyřezávané svitky zobrazující život jako normální prostý občan.

Architektura: Katsura samostatná budova Paláce, postavené v napodobování Genji palác, obsahuje shluk shoin budov, které kombinují prvky klasické Japonské architektury s inovativní restatements. Celý komplex je obklopen krásnou zahradou s cestami pro pěší.Mnoho mocných daimyōů (feudálních pánů) postavilo na území země japonskou zahradu ve stylu okruhu a soutěžilo o krásu.

Malování: Sōtatsu vyvinul vynikající dekorativní styl re-vytvoření témata z klasické literatury, pomocí zářivě barevné postavy a motivy z přirozeného světa proti zlato-list pozadí. Jedním z jeho nejlepších děl je dvojice obrazovek vlny v Matsushima ve Freer Gallery ve Washingtonu, D. C. O sto let později Krinrin přepracoval Sttatsu styl a vytvořil vizuálně nádherná díla jedinečně jeho vlastní. Snad jeho nejlepší jsou obrazy červených a bílých švestkových květů.

Socha: buddhistický mnich Enkū vyřezal 120 000 buddhistických obrazů v hrubém, individuálním stylu.

Ukiyo-e a nanga (bunjinga): škola umění, známý na Západě je, že z ukiyo-e malby a tisky na dřevo z polosvěta, svět divadla a potěšení okresů. Tisky Ukiyo-e se začaly vyrábět na konci 17. století; v roce 1765 harunobu vyrobil první polychromovaný tisk. Tiskoví návrháři nové generace, včetně Torii Kiyonaga a Utamaro, vytvořili elegantní a někdy bystré zobrazení kurtizán.

v 19. století byly dominantními postavami Hokusai a Hiroshige, které byly tvůrcem romantických a poněkud sentimentálních krajinných tisků. Liché úhly a tvary, přes který Hiroshige často viděn krajiny, a práce Kiyonaga a Utamaro, s důrazem na ploché roviny a silný lineární obrysy, měl hluboký dopad na takové Západní umělci, jako jsou Edgar Degas, Vincent van Gogh. Prostřednictvím uměleckých děl se konala v Západních muzeí, tyto stejné printmakers by později vyvinout silný vliv na snímky a estetické přístupy používané raných Modernistických básníků, jako je Ezra Pound, Richard Aldington a H. D.

malířské školy moderní s ukiyo-e byl nanga, nebo bunjinga, styl založený na obrazy popraven Čínský učenec-malířů. Stejně jako se umělci ukiyo-e rozhodli zobrazovat postavy ze života mimo striktury šógunátu Tokugawa, umělci bunjin se obrátili k čínské kultuře. Na příklady tohoto stylu jsou Ike žádné Tajga, Josa Buson, Tanomura Chikuden, a Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).

keramika

Tradiční, většinou kameniny, styly i nadále v mnoha částech Japonska, ale Japonci keramiky byly transformovány kolem začátku období Edo, velký příliv korejských hrnčířů, zajat nebo přesvědčil k emigraci v průběhu Japonské invaze do Koreje v 1590s. Mnohé z nich byly řešeny na jižním ostrově Kjúšú, a přinesli s sebou zkušenosti z verzí Čínských-styl chambered lezení pece, zvané noborigama v Japonsku, což umožnilo vysoké teploty, s přesnější kontrolou. Kolem roku 1620 objevili ložiska kaolinitu a začali vyrábět porcelán poprvé v Japonsku. Rané výrobky (nazývané „rané Imari“) byly relativně malé a napodobovaly Čínský modrý a bílý porcelán pod glazurou, který Japonsko nějakou dobu dováželo.

porcelánový průmysl velmi rozšířen v pozdní 1650s, jak kolaps Čínského průmyslu z občanské války vedlo k velmi velké objednávky od Čínských obchodníků a holandské východoindické Společnosti, pak obchodníci pouze povoleno obchodovat v Japonsku. První velkou dobu Japonský vývozní porcelán trvala až o 1740s, a velkou část z Japonského porcelánu byl vyroben pro export, převážně do Evropy, ale také Islámského světa na západ a jih Japonska.

• Ko-Kutani (staré Kutani) pět barev Iroe typ rány konev s ptačí a květinový design v overglaze smalt, Edo, 17. století,

• Ko-Imari jídlo, 1700-1740

Lacquerware:

s rozvojem ekonomiky a kultury se zlepšila umělecká kvalita lakovaného nábytku. Hon ‚ ami Kōetsu a Ogata Krinrin přinesli návrhy malířské školy Rinpa do laků. Po polovině období Edo, inrō pro přenosné medicína kontejnery začalo být nádherně zdobené s maki-e a raden, a to stalo se populární mezi samuraje třídy a bohatí obchodníci v chōnin třídy, a na konci období Edo, změnilo se to z praktických doplňků do uměleckých sbírek. Vývoz lakového zboží pokračoval i po období Azuchi-Momoyama. Marie Antoinetta a Marie Terezie jsou v tomto období známé jako sběratelé japonských laků.

• Inro a Netsuke, 18. století

• Psaní lak box s Kosatce v Yatsuhashi, podle Ogata Kōrin. Národní poklad

umění předválečného obdobíEditovat

Když japonský císař znovu získal vládnoucí moc v roce 1868, Japonsko bylo opět napadeno novými a cizími formami kultury. Během Předválečného období, zavedení Západních kulturních hodnot vedlo k dichotomii v Japonské umění, stejně jako v téměř každý aspekt kultury, mezi tradiční hodnoty a snaží se duplikovat a asimilovat různé srážet nové nápady. Toto rozdělení zůstalo patrné v pozdní 20. století, i když mnohem syntézu měl pak již došlo, a vytvořili mezinárodní kulturní atmosféru a stimulovat současného Japonského umění směrem ke stále více inovativní formy.

vláda vzal aktivní zájem o umění vývozní trh, propagaci Japonského umění na posloupnost světových výstavách, počínaje 1873 Vídeň Světová výstava.Stejně jako silně financování veletrhy, vláda vzala aktivní roli v organizaci, jak Japonské kultury byla představena světu. Vytvořil semi-veřejná obchodní společnost — Kiritsu Vydal Kaisha (První Průmyslové Výrobní Společnosti) — na podporu a komercializaci vývoz umění a založil Hakurankai Jimukyoku (Výstavní Kancelář) k udržení standardů kvality. Pro 1876 na Centennial International Exhibition ve Filadelfii, Japonská vláda vytvořila Centennial Office a poslal zvláštního vyslance bezpečný prostor pro 30.000 položek, které budou zobrazeny. Císařská domácnost se také aktivně zajímala o umění a řemesla, zadávala práce („prezentační zboží“) jako dárky pro zahraniční hodnostáře. V roce 1890, Teishitsu Gigeiin (Umělec Císařské Domácnosti) systém byl vytvořen, aby uznaly, významní umělci; sedmdesát byli jmenováni od roku 1890 do roku 1944. Mezi nimi byli malíř a lakýrník Shibata Zeshin, Keramik Makuzu Kōzan, malíř Hashimoto Gahō a smaltovaný umělec cloisonné Namikawa Yasuyuki.

Jak se západní dovoz stal populárním, poptávka po japonském umění klesala v samotném Japonsku. V Evropě a Americe, nová dostupnost japonského umění vedla k fascinaci japonské kultury; šílenství známé v Evropě jako Japonisme. Imperiální patronát, vládní sponzorství, propagace pro nové publikum, a západní technologie dohromady podporují éru japonských uměleckých inovací. V dekorativním umění dosáhli japonští umělci nové úrovně technické sofistikovanosti.

Masayuki Murata dnes vlastní více než 10 000 uměleckých děl Meiji a je jedním z nejvíce nadšených sběratelů. Od té doby, nejvíce vynikající díla Meiji Umění byly zakoupeny od zahraničních sběratelů a jen pár z nich zůstalo v Japonsku, ale protože si koupil zpět mnoho děl z cizích zemí a otevřel Kijomizu Sannenzaka Muzea, studie a přehodnocení Meiji Umění rychle rozšířené v Japonsku po 21.století. Nasser Khalili je také jedním z nejoddanějších sběratelů umění Meiji na světě, a jeho sbírka zahrnuje mnoho kategorií umění Meiji. Japonská císařská rodina také vlastní vynikající díla umění Meiji, z nichž některé byly darovány státu a jsou nyní uloženy v Muzeu císařských sbírek.

Architektury a GardenEdit

na začátku 20. století, Evropské umělecké formy byly dobře zavedeny a jejich manželství produkoval významné budovy, jako Tokijské Nádraží a Budovu vlády, které stále existují dnes. Tokyo Station, budova architektury Giyffū, Plná cihel a pseudoevropského stylu. Tento styl budovy byl postaven v městských oblastech.

mnoho uměleckých nových japonských zahrad postavil Jihei Ogawa.

PaintingEdit

první reakce Japonců do Západní umělecké formy byl otevřený přijetí, a v roce 1876 Technologické Umělecké Školy(ja:工部美美学校) byl otevřen, zaměstnává italské instruktory učit západní metody. Druhá reakce byla, kyvadlo houpačka v opačném směru, v čele Okakura Kakuzō a Američan Ernest Fenollosa, který povzbudil Japonských umělců zachovat tradiční témata a techniky při vytváření díla více v souladu s moderní vkus. To byla strategie, která nakonec sloužila k rozšíření vlivu japonského umění až do Kalkaty, Londýn, a Boston v letech před první světovou válkou. Z těchto dvou pólů umělecké teorie odvozené z Evropy a z Východní Asie, respektive vyvinuté yōga („Západní-styl malování“) a Nihonga („Japonské malování“), kategorií, které byly zachovány měny.

EnamelsEdit

Během éry Meidži, Japonská cloisonné smalt dosáhl technické vrcholu, vyrábějící předměty vyspělejší než všechny, které existovaly předtím. Období od roku 1890 do roku 1910 bylo známé jako“ zlatý věk “ japonských smaltů. Umělci experimentovali s pastami a procesem vypalování, aby vytvořili stále větší bloky smaltu, s menší potřebou cloisonů (uzavírajících kovové proužky). Smalty se tak staly více obrazovým médiem, s návrhy podobnými, nebo zkopírován z, tradiční obrazy. Smalty s designem jedinečným pro Japonsko, ve kterých byly jako motivy použity květiny, ptáci a hmyz, se staly populárními. Zejména díla Namikawa Yasuyuki a Namikawa Ssusuke byla vystavena na světových veletrzích a získala mnoho ocenění. Spolu se dvěma Namikawami vyrobila společnost Ando Cloisonné mnoho vysoce kvalitních cloisonne. Japonské smalty byly považovány za nepřekonatelné díky novým úspěchům v designu a barvení.

LacquerwareEdit

Meiji éry viděl obnovený zájem v laku jako umělci vyvinuli nové vzory a experimentoval s novými texturami a povrchy. Maki-e (zdobení laku zlatým nebo stříbrným prachem) byla v tomto období nejběžnější technikou kvalitního lakování. Shibata Zeshin byl lakýrník, který získal vysokou pověst pro jeho díla od Bakumatsu do období Meiji. Lacquerware nazývá Shibayama a Somada, vytvořené v období Edo, se stal populární pro jeho okázalý styl, vykládané zlatem, stříbrem, korýši, slonová kost, barevný kov a sklo, a dosáhl svého vrcholu během tohoto období. Lak z japonských dílen byl uznán jako technicky lepší než to, co bylo možné vyrobit kdekoli jinde na světě.

MetalworkEdit

Na začátku éry Meidži, Japonská zámečnické práce bylo téměř zcela neznámé mimo zemi, na rozdíl od laku a porcelánu, které byly dříve vyvezeny. Zámečnické práce byl připojen k Buddhistické praxi, například v používání bronzu pro chrámové zvony a kadidlo kotlíky, takže tam bylo méně příležitostí pro kovodělníků jednou byl Buddhismus vytlačen jako státní náboženství. Mezinárodní výstavy přinesly japonskému odlitému bronzu nové zahraniční publikum a přitahovaly silnou chválu. Minulá historie samurajských zbraní vybavila japonské kovodělníky k vytváření kovových povrchů v široké škále barev. Kombinací a dokončením mědi, stříbra a zlata v různých poměrech vytvořili specializované slitiny včetně shakudō a shibuichi. S touto rozmanitostí slitin a povrchových úprav by umělec mohl vyvolat dojem plnobarevné dekorace.

Porcelán a EarthenwareEdit

Technické a umělecké inovace Meiji éry obrátil porcelán do jednoho z nejvíce mezinárodně úspěšné Japonské dekorativní umění formy. Satsuma ware bylo jméno původně dané keramice z provincie Satsuma, komplikovaně zdobené zlacením a smaltem. Tyto výrobky byly na Západě velmi chváleny. Viděno na Západě jako výrazně japonské, tento styl ve skutečnosti dlužil hodně dováženým pigmentům a západním vlivům, a byl vytvořen s ohledem na export. Dílny v mnoha městech závodily na výrobu tohoto stylu, aby uspokojily poptávku z Evropy a Ameriky, často vyráběly rychle a levně. Termín „Satsuma ware“ tedy nebyl spojen s místem původu, ale s méně kvalitním zbožím vytvořeným čistě pro export. Navzdory tomu umělci jako Yabu Meizan a Makuzu Kzanzan udržovali nejvyšší umělecké standardy a úspěšně vyváželi. V letech 1876 až 1913 získal Kzanzan ceny na 51 výstavách, včetně Světové výstavy a národní průmyslové výstavy.

TextilesEdit

V roce 1902 vydání Encyclopædia Britannica napsal, „V žádném oboru aplikovaná umění dekorativní génius, Japonsko zobrazit více atraktivní výsledky než textilní tkaniny a v žádné nebylo více viditelný pokrok během posledních let.“V Kjótu vznikala velmi velká, barevná obrazová díla. Výšivka se stala uměleckou formou sama o sobě, přijetí řady obrazových technik, jako je šerosvit a letecká perspektiva.

Umění Poválečné periodEdit

Okamžitě po porážce Japonska ve druhé Světové Válce v roce 1945, velké množství Japonských umělců spadl pod vlivem, nebo dokonce připojil, Japonská Komunistická Strana, která byla legalizována v USA- vedl vojenskou okupaci Japonska po mnoha letech potlačování předválečnou a válečnou japonskou policií. To má co do činění s úspěch Komunistické Strany měl v malicherný pojem v prvních poválečných letech, že strana byla jediná skupina v Japonsku, aby odolal válečného militarismu. Kromě toho je japonské slovo pro „Vanguard“ (前衛, zen ‚ ei), stejně jako v „předvoj komunistické revoluce“, stejné slovo používané pro „avantgardu“ jako v umělecké avantgardě. Japonská Komunistická Strana brzy přišel ovládat velké umění společnosti a výstav v Japonsku, a tak převládající forma umění bezprostředně po válce byl socialistický realismus, který líčil utrpení chudých a šlechty dělnické třídy, v souladu s Komunistickou Stranou doktrína, že všechny umění by mělo sloužit účelu postupující příčinou revoluce. V roce 1952, Komunistická Strana dokonce nařídil umělci jako Hiroshi Katsuragawa a další členové nově vzniklé Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen ‚ ei Bijutsukai ven, do hor, k výrobě socialistického realistického umění na podporu „horský partyzánská komanda“, které se snaží vyvolat násilné revoluce v Japonsku.

1950: Snaží vymanit ze socialistické realismEdit

v průběhu roku 1950, mnoho Japonských umělců, stal se zvýšeně rozčarovaný s rigidní a omezené definice „umění“ vynuceno Komunistické Strany. Nicméně, vzhledem k probíhající výsadní postavení Komunistické Strany členů a příznivců ve vyšších řad umělecké spolky a výstava poroty, umělci, zjistil, že je velmi obtížné ukázat své umění, ledaže by odpovídalo Stranické pokyny. Někteří umělci se vyhýbali formálním veřejným výstavám. Jiní hledali uznání, finanční podporu a příležitosti ukázat své umění v zahraničí, jako je skupina konceptuálních umělců Gutai, založená v roce 1954. Ještě jiní umělci využili několik nespravedlivých,“ nezávislé “ výstavy v Japonsku, jako je nezávislá výstava Yomiuri sponzorovaná Yomiuri Shinbunem, do kterého mohl vstoupit kdokoli.

poslední kapka přišla s masivní 1960 Anpo Protesty proti Japonsko-AMERICKÉ Bezpečnostní Smlouvy (známý jako „Anpo“ v Japonštině“), je extrémně pasivní roli hraje údajně „vanguard“ Komunistické Strany. Když protesty se nepodařilo zastavit smlouvy, kolo obviňování vedlo k dalšímu rozčarování s Komunistické Strany a socialistického realistického umění, což způsobuje mnoho dalších umělců, aby odtrhnout od Party vliv.

1960: exploze nových genresEdit

S dominance socialistického realismu blednutí, 1960 svědkem exploze nových forem umění v Japonsku, stejně jako umění rozšířila do nové směry, které by mohly být nejlépe nazvat „postmoderní.“Umělce, kolektivy, jako jsou Neo-Dada Organizátoři, Nulový Rozměr, a Hi-Červený Střed prozkoumat pojmy jako „ne-umění“ a „anti-umění“, a provedla řadu smělých „události“, „události“ a jiné formy umění performance navržen tak, aby narušit hranice mezi uměním a každodenní život. Skupina Mono-ha podobně posunula hranice dělící umění, prostor, krajinu a životní prostředí. Další umělci, jako je Grafik Tadanori Yokoo, čerpali inspiraci z kontrakultury 1960 a exploze nových forem manga komiksů zaměřených na dospělé. V oblasti performing arts, Tatsumi Hijikata propagoval novou formu postmoderní tanec Butó, a dramatiků, jako jsou Jūrō Kara a Satō Makoto vytvořil Angura styl radikální „metro“ divadlo. A ve fotografování, fotografů, jako jsou Daidō Moriyama propagoval velmi vlivná nová škola poválečné fotografie, který zdůrazňoval spontánnost přes pečlivě představil složení a slaví vlastnosti „jsou, bure, bokeh“ (doslova „hrubé, rozmazané, out-of-focus“).

šíření nových druhů umění byl podpořen obrovský růst Japonské ekonomiky v roce 1960, si pamatoval jako „Japonský ekonomický zázrak.“V průběhu 1960, japonská ekonomika rostla o více než 10% ročně. Rostoucí bohatství vytvořilo novou třídu spotřebitelů, kteří si mohli dovolit utrácet peníze za umění a podporovat různé druhy umění a umělců. Poprvé v novodobé historii Japonska, pro značný počet umělců se stalo životaschopným, aby se živili čistě prodejem svého umění. 1960 stavební boom v Japonsku, který srovnal staré dřevo a papír, tradiční Japonská architektura a nahrazuje ji s šumivé mega-města skla a oceli, pomohl inspirovat zbrusu nové školy z Japonské architektury, jako je Metabolismus (architektura), hnutí vedené Kenzō Tange, že odvážně zlomil zdarma od běžných modelů a dokázal vlivný po celém světě.

současně však umělecký svět zůstal ovládán klikami, které propagovaly díla určitých (obvykle mužských) umělců nad ostatními. Jak to se stalo mnohem jednodušší pro Japonské cestovat v zámoří, v roce 1960, některé ženské umělci jako Yayoi Kusama a Yoko Ono našel lepší příjem zámoří, a decamped uměleckých centrech, jako jsou Londýn, Paříž a New York, stejně jako mnoho mužských umělců stejně.

vítězství nové formy Japonského umění byla stmelil v roce 1970 Ósaka World ‚ s Fair, kde desítky avantgardních a konceptuálních umělců byli najati design pavilony a umělecké zážitky pro poctivé návštěvníky. Japonské avantgardní umění se stalo globálním A stalo se něčím, co dokonce konzervativní vláda hrdě vystavila světu.

1970 a 1980: jízda na Koni hospodářské bubbleEdit

1970 a 1980 viděl Japonské umění i nadále v mnoha směrech začala v roce 1950 a 1960, ale často s mnohem většími rozpočty a dražší materiály. Jak japonská ekonomika neustále rychle expandovala a nakonec přerostla v jednu z největších ekonomických bublin v historii. S Japonskou měnu stává neuvěřitelně silný v důsledku 1985 Plaza Accord, Japonské jednotlivci a instituce se staly hlavními hráči na mezinárodním trhu s uměním. Mimořádně bohaté Japonské mega-korporace začali budovat své vlastní soukromá muzea umění a získávání sbírky moderního a současného umění a Japonských umělců velmi užitek z těchto výdajů, jakož.

zejména, umělecké produkce pokračoval trend od tradiční malířství a sochařství ve směru grafický design, pop art, nositelné umění, performance, konceptuální umění, umění instalace. Různé typy „hybridního“ umění stále více přicházely do módy. Jak technologie pokročila, umělci stále více začleňovali do svého umění elektroniku, video, počítače, syntetizovanou hudbu a zvuky a videohry. Estetika manga a anime, do kterých vyrostlo tolik mladších umělců, vyvíjel rostoucí, i když někdy docela jemný vliv. Především umělci vyvaroval něco vonící z „vysokého umění“ nebo „umění“ ve prospěch osobní, eklektický, fantastické nebo fantasmagorické, a hravé. V edici, umělkyně, jako je Mika Yoshizawa, byly stále více přijímány a podporovány uměleckým světem v Japonsku.

současné umění v Japonštiněeditovat

japonské současné umění má tolik podob a vyjadřuje tolik různých myšlenek jako celosvětové současné umění obecně. Sahá od reklam, anime, videohry, a architektura, jak již bylo zmíněno, na sochařství, malování, a kreslení ve všech jejich nesčetných podobách. Japonští umělci významně přispěli ke globálnímu současnému umění v oblasti architektury, videohry, grafický design, Móda, a možná především, animace. Zatímco anime zpočátku byly odvozeny především z manga příběhů, rozmanité anime dnes oplývá, a mnoho umělců a studií se jako umělci dostalo velké slávy; Hayao Miyazaki a umělci a animátoři studia Ghibli jsou obecně považováni za jedny z nejlepších, které svět anime nabízí.

Ve stejné době, mnoho Japonských umělců pokračovat v používání tradičních Japonských uměleckých technik a materiálů zděděné z předmoderní doby, jako tradiční formy Japonského papíru a keramiky a malování s černou a barevný inkoust na papír nebo hedvábí. Některé z těchto děl zachycují tradiční záležitostí, v tradiční styly, zatímco jiní prozkoumat nové a odlišné motivy a styly, nebo vytvořit hybridy tradiční a moderní umělecké formy, při použití tradičních médií nebo materiálů. Ještě jiní se vyhýbají nativním médiím a stylům, zahrnující západní olejové barvy nebo libovolný počet dalších forem.

V sochařství, totéž platí; někteří umělci držet tradičních módů, některé to dělají s moderním vkusem, a někteří si vybrat Západní nebo zbrusu nové módy, styly a médii. Yo Akiyama je jen jedním z mnoha moderních japonských sochařů. Pracuje především v hliněné keramice a keramice, vytváření děl, která jsou velmi jednoduchá a přímočará, vypadají, jako by byly vytvořeny ze samotné země. Další sochař pomocí železa a dalších moderních materiálů postavil v izraelském přístavním městě Haifa velkou sochu moderního umění nazvanou Hanabi (ohňostroj). Nahoko Kojima je moderní Kirie umělec, který byl průkopníkem techniky z Papíru, Řezané Sochy, která visí ve 3D.

Takashi Murakami je pravděpodobně jedním z nejvíce dobře-známé Japonské moderních umělců v Západním světě. Murakami a další umělci v jeho ateliéru vytvářejí kousky ve stylu inspirovaném anime, které nazval „superflat“. Jeho díla mají mnoho podob, od malby po sochařství, některé skutečně masivní velikosti. Ale většina, ne-li všechny, ukazuje velmi jasně tento anime vliv, využívající jasné barvy a zjednodušené detaily.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, a Tabaimo jsou považovány za významné, umělci v oblasti současného Japonského umění. Skupina 1965, umělecký kolektiv, počítá mezi své členy současného umělce Makoto Aida.